Las vanguardias históricas incendiaron la historia del arte de principios del siglo XX. La crítica de la performance de RoseLee Goldberg vincula claramente los experimentos del Futurismo, el Constructivismo, el Dadá, la Bauhaus y luego el Surrealismo con el origen de la historia del Arte de la Performance en el siglo XX. En este artículo resumo una breve historia del Arte de la Performance.
El nacimiento del Arte de la Performance
En el transcurso del siglo pasado el cuerpo del artista y su acción adquieren un papel central en la práctica del arte en vivo, encontrando gradualmente su propio vocabulario en el término performance. La relación en vivo entre el artista, las artes escénicas y el público, así como las instituciones que acogen la acción, no es nada nuevo en la historia del arte, sino que puede remontarse a los relatos en torno al fuego de nuestros antepasados, pasando por los rapsodas y el teatro griego, por los juegos medievales, el teatro renacentista y barroco, la ópera, hasta los eventos futuristas y los cabarets dadaístas. En el siglo XX el intérprete ya no representa los mitos de los dioses, una máscara o un personaje, sino que es el artista y la performance establece su presencia dentro de la sociedad.
Para Goldberg, la performance, por su propia naturaleza, elude una definición precisa que no sea la simple descripción que hace en su ensayo: «arte en vivo de los artistas». Para Marina Abramovic, la performance se desmarca de la representación típicamente teatral: «el único teatro que hago es el mío, mi vida es la única que puedo representar». Pero para la propia artista esta afirmación no implica que la performance rechace el teatro como espacio para sus propias acciones, al contrario, RoseLee Goldberg destaca cómo ha influido en la renovación del propio lenguaje teatral. Para la crítica de origen sudafricano, la performance tiende a ser una expresión visual que no requiere traducción y se centra en el cuerpo; utiliza las tecnologías más actuales, tiene vocación por lo efímero y los gestos universales, tiene una duración corta o muy larga y construye iconografías muy complejas, que van desde la crítica social a los rituales antiguos, desde los elementos autobiográficos a la crítica metartística.
Arte de la performance: de los futuristas al Black Mountain College
Goldberg publicó uno de los primeros estudios sobre la historia del arte de la performance en 1979, cuando el resto de la crítica de arte había empezado a reconocer la performance no como una expresión artística intermitente, sino como una expresión tangible de las reflexiones del arte conceptual. En su ensayo rastrea las raíces de la historia de la performance en el siglo XX hasta los círculos donde los artistas de vanguardia experimentaban con las ideas de sus propios carteles antes de crear sus expresiones visuales a través de la pintura o la escultura, como el Cabaret Voltaire de Zúrich. El fervor del futurismo debería ser, por tanto, el primer destello de la performance del siglo XX, pasando de Europa a Estados Unidos a través de los artistas que buscaban refugio de la guerra.
Desde los años cuarenta, en el Black Mountain College, John Cage y Merce Cunnigham investigan las nociones de azar e indeterminación, creando música no intencional y una nueva práctica de la danza, simpatizando con la filosofía zen oriental y elaborando sus reflexiones sobre los albores de la performance. «El arte no debe distinguirse de la vida, sino que debe ser una acción dentro de ella. Como todo lo que sucede en su curso, con sus accidentes accidentales, su complejidad, su desorden y sus raros momentos de belleza» reflexiona Cage, que en 1952 presentó su famoso 4’33», sin producir ningún sonido en el piano y dejando que el público escuchara los ruidos producidos por el entorno. En referencia a este acontecimiento, Cage afirma «mi pieza favorita es la que siempre escucho a mi alrededor cuando todo está en calma».
La gran temporada de Performance Art entre los años 50 y 60
Durante la década de los 50, a las clases de John Cage asistieron, entre otros artistas, Allan Kaprow, George Brecht, Dick Higgins, George Segal, Jim Dine, Claes Oldernburg y Robert Rauchenberg. En 1959 Kaprow dio vida a los 18 Happenings in 6 Parts, que probablemente habrían inspirado las diversas acciones del grupo de artistas etiquetados bajo el nombre de Fluxus por el crítico George Macunias a principios de los sesenta y no sólo en Estados Unidos. En 1954 en Japón el grupo Gutai llevó a cabo una serie de acciones cuyos artistas rompían los lienzos y pintaban directamente con el cuerpo; entre finales de los 50 y principios de los 60 en Europa Yves Klein y Piero Manzoni también propusieron acciones con el objetivo de evitar que el arte quedara relegado a las galerías o a los museos, los miembros del Accionismo Vienés llevaron a cabo sus sangrientas performances y otros artistas como Jackson Pollok y Nam June Paik también experimentaron con la acción del cuerpo en sus respectivas prácticas artísticas. Además, las acciones de estos años no sólo fueron realizadas por artistas masculinos: además de Atsuko Tanaka del grupo Gutai, en 1961 Niki de Saint-Phalle presentó sus pinturas de disparos, en 1963 Carolee Schneeman realizó la famosa acción Eye Body y al año siguiente Meat Joy, en 1965 Shigeko Kubota actuó con Vagina Painting en Nueva York, estableciendo inmediatamente la presencia de las mujeres en la práctica performativa.
Los movimientos estudiantiles de 1968 marcaron la llegada de la década de 1970, que supuso el reconocimiento definitivo de la performance dentro de la historia del arte.
En estos años el cuerpo y la presencia del artista, junto con la experiencia del arte simultáneamente con el público, asumieron un papel central para la performance y algunos artistas se dedicaron por completo a la misma. Las acciones de estos performers eran también muy diferentes: podían ser cortas o largas; podían ser íntimas, o actuar a gran escala; podían ser programadas o improvisadas; podían ser autobiográficas o impactantes, esotéricas o satíricas; podían tratar de la crítica social, hablar de los grupos marginados, de la diversidad, o del propio arte, de la relación con su mercado y de la relación entre artista y público.
El arte de la performance entre los siglos XX y XXI
La performance es, por tanto, una expresión artística compleja, que lucha por reconocerse en una definición más amplia que la aportada por Goldberg. Mi investigación considera la performance del siglo XX como una experiencia en la que el intérprete es el artista que establece su presencia dentro de la sociedad. Para los críticos de la performance, cuando a principios del siglo XXI el museo se convierte también en un lugar de entretenimiento, la performance se convierte en una oportunidad de encuentro directo con el artista y en una oportunidad de conversación sobre el papel del arte en el mundo. A finales de la primera década de nuestro siglo, la exposición de 2009 en el MoMA 100 Years of Performance Art muestra en un centenar de monitores la historia del arte de la performance desde el Manifiesto Futurista de 1909, dando testimonio del papel de la performance en la historia del arte del siglo anterior, y la performance retrospectiva de 2010 de Marina Abramovic The Artist Is Present en el mismo museo confirma la centralidad de la presencia del artista en el arte contemporáneo. Una presencia siempre compleja en su relación con el público, las instituciones y su mercado.
Al acercarse a los años 20, la performance sigue siendo una expresión utilizada por los artistas para investigar las complejas relaciones entre la práctica artística, los implicados en ella y la vida cotidiana, abordando temas centrales del debate internacional a través de acciones que siguen siendo poco convencionales y anárquicas. La constante atención social de la performance parece mantener viva la investigación sobre la relación entre la práctica artística y la vida cotidiana.
Thornton S, 33 artistas en 3 actos, Feltrinelli, 2015.
El Cabaret Voltaire desde el 5 de febrero de 1916 comenzó a acoger los poemas e intervenciones de algunos de los artistas más influyentes de la época como Kandinsky, Lichtenstein, Arp y Tzara.
Cage J., Notations, Nueva York, 1969.
Kaprow A., Assemblage, Environments & Happenings, Nueva York, 1966.
Jones A., Body Art: Performing the Subject, Minnesota University Press, 1998.
Fue precisamente durante la década de 1970 cuando algunos artistas comenzaron a dedicarse metódicamente al arte de la performance, entre ellos: Marina Abramovic, Bruce Nauman, Gina Pane, Gilbert&George, Vito Acconci, Joan Jonas, Chris Burden y Ana Mendieta.
Goldberg R., The First Decade of the New Century 2001 to 2010, en Performance Art. From Futurism to Present, Thames&Hudson, edición 2011.
MOMA, Marina Abramovic: The Artist is Present, Exh.Cat. 2010.