De historiske avantgarderier satte ild til det tidlige 20. århundredes kunsthistorie. RoseLee Goldbergs performancekritik knytter klart eksperimenterne i futurismen, konstruktivismen, dada, Bauhaus og derefter surrealismen sammen med oprindelsen til historien om performancekunst i det 20. århundrede. I denne artikel genoptager jeg en kort historie om performancekunst.
Performancekunstens fødsel
I løbet af det sidste århundrede får kunstnerens krop og hans handling en central rolle i den levende kunstpraksis og finder efterhånden sit eget vokabularium i begrebet performance. Det levende forhold mellem kunstneren, den udøvende kunst og publikum samt de institutioner, der er vært for handlingen, er ikke noget nyt i kunsthistorien, men kan spores tilbage til vores forfædres historier omkring bålet, gennem rapsoder og græsk teater, gennem middelalderens spil, renæssance- og barokteater, opera, til futuristiske begivenheder og dadaistiske cabareter. I det 20. århundrede repræsenterer den udøvende kunstner ikke længere gudernes myter, en maske eller en figur, men er kunstneren, og forestillingen etablerer sin tilstedeværelse i samfundet.
For Goldberg unddrager forestillingen sig i sagens natur en præcis definition ud over den enkle beskrivelse, som den får i hans essay: “levende kunst af kunstnere”. For Marina Abramovic adskiller performance sig fra den typisk teatralske repræsentation: “Det eneste teater, jeg laver, er mit eget, mit liv er det eneste, jeg kan spille”. Men for kunstneren selv betyder dette udsagn ikke, at forestillingen afviser teatret som et rum for hendes egne handlinger, tværtimod fremhæver RoseLee Goldberg, hvordan den har påvirket fornyelsen af selve det teatralske sprog. For kritikere af sydafrikansk oprindelse har performance en tendens til at være et visuelt udtryk, der ikke kræver oversættelse og fokuserer på kroppen; den anvender de mest moderne teknologier, har et kald for det flygtige og universelle gestus, har en kort eller meget lang varighed og konstruerer meget komplekse ikonografier, der spænder fra samfundskritik til gamle ritualer, fra selvbiografiske elementer til metartistisk kritik.
Performance Art: from Futurists to Black Mountain College
Goldberg udgav en af de første undersøgelser om performancekunstens historie i 1979, da resten af kunstkritikerne var begyndt at anerkende performance ikke som et intermitterende kunstnerisk udtryk, men som et håndgribeligt udtryk for konceptkunstens refleksioner. I sit essay sporer han rødderne til performancehistorien i det 20. århundrede tilbage til de kredse, hvor avantgardekunstnere eksperimenterede med ideerne på deres egne plakater, før de skabte deres visuelle udtryk gennem maleri eller skulptur, som f.eks. i Cabaret Voltaire i Zürich. Futurismens glød skulle derfor være det 20. århundredes første gnister af performance, der gik fra Europa til USA gennem kunstnere, der søgte ly for krigen.
Siden 1940’erne har John Cage og Merce Cunnigham på Black Mountain College undersøgt begreberne tilfældighed og ubestemthed, skabt ikke-intentionel musik og en ny dansepraksis, sympatiseret med østlig zen-filosofi og uddybet deres overvejelser om performanceens begyndelse. “Kunst bør ikke adskilles fra livet, men bør være en handling i livet. Ligesom alt, hvad der sker i dets forløb, med dets tilfældige ulykker, dets kompleksitet, dets uorden og dets sjældne øjeblikke af skønhed”, reflekterer Cage, der i 1952 præsenterede sit berømte 4’33” uden at producere nogen lyd på klaveret og lod publikum lytte til de lyde, der blev produceret af omgivelserne. Med henvisning til denne begivenhed udtaler Cage: “Mit yndlingsstykke er det, som jeg altid lytter til omkring mig, når alt er roligt”.
Den store sæson for performancekunst mellem 50’erne og 60’erne
I 1950’erne blev John Cages undervisning blandt andre kunstnere besøgt af Allan Kaprow, George Brecht, Dick Higgins, George Segal, Jim Dine, Claes Oldernburg og Robert Rauchenberg. I 1959 gav Kaprow liv til de 18 Happenings in 6 Parts, som sandsynligvis ville have inspireret de forskellige aktioner af den gruppe af kunstnere, som kritikeren George Macunias i begyndelsen af 60’erne kaldte Fluxus, og ikke kun i USA. I 1954 gennemførte Gutai-gruppen i Japan en række aktioner, hvor kunstnerne brød igennem lærreder og malede direkte med kroppen; i Europa foreslog Yves Klein og Piero Manzoni i slutningen af 1950’erne og begyndelsen af 1960’erne også aktioner med det formål at forhindre, at kunsten blev henvist til gallerier og museer, medlemmerne af den wieneriske aktionisme gennemførte deres blodige performances, og andre kunstnere som Jackson Pollok og Nam June Paik eksperimenterede også med kroppens handling i deres respektive kunstneriske praksis. Desuden blev aktionerne i disse år ikke kun udført af mandlige kunstnere: Ud over Atsuko Tanaka fra Gutai-gruppen præsenterede Niki de Saint-Phalle i 1961 sine skudmalerier, Carolee Schneeman udførte i 1963 den berømte Eye Body-aktion, og året efter, Meat Joy, optrådte Shigeko Kubota i 1965 med Vagina Painting i New York, hvilket straks slog fast, at kvinder var til stede i performancepraksis.
Studentbevægelserne i 1968 markerede indgangen til 1970’erne, som førte til den endelige anerkendelse af performance inden for kunsthistorien.
I disse år indtog kroppen og kunstnerens tilstedeværelse sammen med oplevelsen af kunsten samtidig med publikum en central rolle for performance, og nogle kunstnere dedikerede sig helt til performance. Disse performeres handlinger var også meget forskellige: de kunne være korte eller lange; de kunne være intime eller optræde i stor skala; de kunne være programmerede eller improviserede; de kunne være selvbiografiske eller chokerende, esoteriske eller satiriske; de kunne omhandle samfundskritik, tale om marginaliserede grupper, om mangfoldighed eller om kunsten selv, forholdet til dens marked og forholdet mellem kunstner og publikum.
Performancekunst mellem det 20. og 21. århundrede
Performance er derfor et komplekst kunstnerisk udtryk, som kæmper for at genkende sig selv i en bredere definition end den, som Goldberg har givet. Min forskning betragter performancekunst i det 20. århundrede som en oplevelse, hvor performeren er den kunstner, der etablerer sin tilstedeværelse i samfundet. For performancekritikere bliver performance, når museet i begyndelsen af det 21. århundrede også bliver et sted for underholdning, en mulighed for et direkte møde med kunstneren og en mulighed for at føre en samtale om kunstens rolle i verden. I slutningen af vores århundredes første årti viser MoMA’s udstilling 100 Years of Performance Art fra 2009 på et hundrede skærme performancekunstens historie siden det futuristiske manifest fra 1909 og vidner om performancekunstens rolle i det foregående århundredes kunsthistorie, og den retrospektive performance af Marina Abramovic The Artist Is Present fra 2010 på samme museum bekræfter kunstnerens centrale rolle i samtidskunsten. En tilstedeværelse, der altid er kompleks i sit forhold til publikum, institutionerne og sit marked.
Da performance nærmer sig 1920’erne, er den fortsat et udtryk, som kunstnere bruger til at undersøge de komplekse relationer mellem den kunstneriske praksis, de involverede i den og hverdagen, og som tager fat på centrale spørgsmål i den internationale debat gennem aktioner, der stadig er ukonventionelle og anarkistiske. Performancens konstante sociale opmærksomhed synes at holde liv i forskningen om forholdet mellem kunstnerisk praksis og hverdagslivet.
Thornton S., 33 kunstnere i 3 akter, Feltrinelli, 2015.
Cabaret Voltaire begyndte fra den 5. februar 1916 at være vært for digte og interventioner af nogle af tidens mest indflydelsesrige kunstnere som Kandinsky, Lichtenstein, Arp og Tzara.
Cage J., Notations, New York, 1969.
Kaprow A., Assemblage, Environments & Happenings, New York, 1966.
Jones A., Body Art: Performing the Subject, Minnesota University Press, 1998.
Det var netop i 1970’erne, at nogle kunstnere begyndte at hellige sig metodisk performancekunst, bl.a: Marina Abramovic, Bruce Nauman, Gina Pane, Gilbert&George, Vito Acconci, Joan Jonas, Chris Burden og Ana Mendieta.
Goldberg R., The First Decade of the New Century 2001 to 2010, i Performance Art. From Futurism to Present, Thames&Hudson, 2011 edition.
MOMA, Marina Abramovic: The Artist is Present, Exh.Cat. 2010.