Brian Enos Music For Airports feiert diesen Monat seinen 40. Diese Platte gilt weithin als Begründer der Ambient-Musik, wie wir sie heute kennen.
Für diejenigen von uns, die an die sich wiederholenden Rhythmen und Hooks der Popmusik gewöhnt sind, mag Ambient-Musik ein wenig karg klingen. Oft gibt es keine Texte, keine mitsingbaren Melodien und keine Popsong-Strukturen, sondern es geht darum, eine Umgebung um den Hörer herum zu schaffen. Ambient-Musik schwebt wie ein Nebel in der Luft und erzeugt eine Art akustische Färbung, die wirklich berührend sein kann.
Music For Airports schlug eine neue Art der Annäherung an Musik vor, nicht als etwas, das man pfeift oder mitsingt, sondern das man sanft konsumieren kann. Der Platte war ein kurzer Essay von Eno beigefügt, in dem er die Grundlagen für diesen Ansatz darlegte:
Ambiente Musik muss in der Lage sein, viele Ebenen der Aufmerksamkeit des Hörers aufzunehmen, ohne eine bestimmte zu erzwingen; sie muss ebenso ignorierbar wie interessant sein.
Auch wenn ignorierbare Musik im Zeitalter der mühelosen Ablenkung ein wenig überflüssig erscheinen mag, haben Enos anfängliche Anmerkungen zur Ambient Music immer noch Gewicht. Insbesondere seine Ideen zur Anpassung an die verschiedenen Hörzustände, die wir alle in unsere musikalischen Begegnungen einbringen, haben sich bewährt und es der Ambient-Musik ermöglicht, zu einer Musik der gelebten Momente zu werden.
Jedes Mal, wenn man einem Stück Ambient-Musik begegnet, verändert es sich auf subtile Weise, während die Klänge um einen herum mit ihm verschmelzen. Auch unsere Fähigkeit, zuzuhören und uns zu konzentrieren (oder nicht zu konzentrieren), hat einen großen Einfluss auf unsere Begegnungen mit ihr.
Anlässlich dieses Jahrestages finden Sie hier eine chronologische Auswahl von Ambient-Aufnahmen, die dazu beigetragen haben, die klangliche Geografie dieser Musik zu kartieren. Sie ist keineswegs erschöpfend: Viele andere Platten waren ebenso einflussreich, genreerweiternd und kommerziell erfolgreich. Betrachten Sie dies als eine Möglichkeit, in die neblige Wildnis der Ambient-Musik einzutauchen.
1980
Harold Budd’s Ambient 2: The Plateaux of Mirror ist der zweite Teil der Ambient-Serie von Brian Eno. Zusammen mit The Pearl wurde diese Platte zum Inbegriff für die offenen musikalischen Strukturen, die die Grundbausteine von Ambient bilden. Buddhas Finger bewegen sich in immerwährenden Zyklen über die Klaviertasten, wobei die Töne einen imaginären Spaziergang an einem Ort widerspiegeln, an dem man vielleicht nie gewesen ist.
1982
Pauline Oliveros bleibt eine der wichtigsten Komponistinnen des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Accordion and Voice zeigt, wie sie mit den einfachsten Mitteln – der Stimme und einem einzigen Instrument – weite Räume erschafft.
Auch wenn Brian Enos Ambient 4: On Land nicht so gefeiert wird wie sein Debütalbum, so ist es doch das erste Album, das die Einflüsse von Land und Ort in der Ambient-Komposition erforscht. Es ist auch eine Platte, die einen ausgeprägten Sinn für das „Unheimliche“ einfing, wie der Kulturtheoretiker Mark Fisher kürzlich bemerkte.
1990
Das Album „Chillout“ von The KLF, das vor allem durch die Verbrennung von einer Million Pfund bekannt wurde, steht stellvertretend für die steigende Popularität von Ambient und seine Verlagerung in den Mainstream Anfang der 1990er Jahre. Zu dieser Zeit wurde der Begriff sogar so überstrapaziert, dass seine Bedeutung bestenfalls undurchsichtig wurde. Chillout-Räume waren auf den meisten Raves und anderen Underground-Tanzpartys zu finden und boten Musik, die harte Rhythmen und schnelle Beats pro Minute ausdrücklich mied.
1993
Thomas Köners Permafrost führte eine neue, so genannte isolationistische Richtung der Ambient-Musik an, die sich mit eisigen Klangfeldern und erschütternden, tieffrequenten Explosionen befasste, die sich anfühlten, als würde der Hörer die Lieder tektonischer Platten anzapfen.
1994
Wenn es ein Album gibt, das die anhaltende Relevanz von Ambient in den 1990er Jahren festigte, dann war es Aphex Twins Selected Ambient Works Volume II. Es bleibt ein Prüfstein für das zugänglichere Ende des Genres, eine sanft geschwungene Sammlung warmer harmonischer Phrasen, die sich über pulsierende Basslinien und gefilterte Downtempo-Grooves legen.
1999
Mit der einfachen Einführung einer pulsierenden Kick-Drum hat Wolfgang Voight (unter dem Namen Gas, vielleicht eine Anspielung auf die nebulöse musikalische Form von Ambient) mit einer Reihe von Aufnahmen, darunter Königsforst, ein neues Terrain für die Musik abgesteckt. In diesem neuen Terrain konnte ein tieffrequenter Herzschlag Energie durch unruhige Wolken aus Klang und Melodie pumpen.
2002
William Basinskis ausgedehntes Werk Disintegration Loops gilt als eine der ruhigsten und kraftvollsten Ausführungen von Ambient-Musik in diesem Jahrhundert. Mit dem buchstäblichen Klang von magnetischen Materialien, die von zerfallenden Bandschleifen abfallen, verblüfft die einzigartige Einfachheit dieses Werks immer wieder.
2005
Während ihr Werk über das hinausgeht, was manche als Ambient-Musik bezeichnen, kristallisiert Éliane Radigues L’île re-sonante so viel über die Fähigkeit dieses Genres, tief zu berühren, ohne in irgendeiner Weise didaktisch zu werden. Radigues Stücke, die oft auf ihrem Interesse an buddhistischer Philosophie beruhen, wurden größtenteils mit dem legendären Arp 2500 Synthesizer aufgenommen, der sich hervorragend für die Erzeugung schwankender elektronischer Töne eignet.
2008
Groupers Dragging A Dead Dear Up A Hill ist eine weitere Platte, die die Grenzen des Ambient neu definiert. Die Verwendung von verschwommenen, höhlenartigen Räumen, in denen Grouper ihre Lieder vergräbt, schafft ein einzigartiges Reich von undeutlicher Schönheit.