Übergang Barock/Klassik ca. 1730-1760Bearbeiten
In seinem Buch „The Classical Style“ behauptet der Autor und Pianist Charles Rosen, dass die Komponisten von 1755 bis 1775 nach einem neuen, wirkungsvolleren dramatischen Stil tasteten. Im Hochbarock beschränkte sich der dramatische Ausdruck auf die Darstellung individueller Affekte (die „Lehre von den Affekten“ oder, wie Rosen es nennt, „dramatisches Gefühl“). In Händels Oratorium Jephtha beispielsweise gibt der Komponist im Quartett „O, verschone deine Tochter“ vier Emotionen getrennt wieder, eine für jede Figur. Mit der Zeit wurde diese Darstellung einzelner Emotionen als vereinfachend und unrealistisch angesehen; die Komponisten versuchten, mehrere Emotionen gleichzeitig oder nach und nach innerhalb einer einzigen Figur oder eines Satzes darzustellen („dramatische Handlung“). So bewegen sich die Liebenden im Finale des zweiten Aktes von Mozarts Die Entführung aus dem Serail „von der Freude über den Argwohn und die Empörung bis zur endgültigen Versöhnung“
Musikalisch gesehen erforderte diese „dramatische Handlung“ mehr musikalische Vielfalt. Während sich die Barockmusik durch einen nahtlosen Fluss innerhalb der einzelnen Sätze und weitgehend einheitliche Texturen auszeichnete, versuchten die Komponisten nach dem Hochbarock, diesen Fluss durch abrupte Veränderungen in Textur, Dynamik, Harmonie oder Tempo zu unterbrechen. Unter den stilistischen Entwicklungen, die auf den Hochbarock folgten, wurde die dramatischste als Empfindsamkeit bezeichnet, und ihr bekanntester Vertreter war Carl Philipp Emmanuel Bach. Die Komponisten dieses Stils setzten die oben erwähnten Unterbrechungen auf sehr abrupte Weise ein, und die Musik kann zuweilen unlogisch klingen. Der italienische Komponist Domenico Scarlatti führte diese Entwicklungen weiter. Seine mehr als fünfhundert einsätzigen Klaviersonaten enthalten ebenfalls abrupte Veränderungen der Textur, aber diese Veränderungen sind in Perioden und ausgewogenen Phrasen organisiert, die zu einem Markenzeichen des klassischen Stils wurden. Dennoch klingen Scarlattis Texturwechsel immer noch plötzlich und unvorbereitet. Die herausragende Leistung der großen klassischen Komponisten (Haydn, Mozart und Beethoven) bestand in ihrer Fähigkeit, diese dramatischen Überraschungen logisch motiviert klingen zu lassen, so dass „das Ausdrucksvolle und das Elegante sich die Hand reichen konnten“
Zwischen dem Tod J. S. Bachs und der Reife Haydns und Mozarts (etwa 1750-1770) experimentierten die Komponisten mit diesen neuen Ideen, was sich in der Musik von Bachs Söhnen zeigt. Johann Christian entwickelte einen Stil, den wir heute als Rokoko bezeichnen, mit einfacheren Strukturen und Harmonien, der „charmant, undramatisch und ein wenig leer“ war. Wie bereits erwähnt, versuchte Carl Philipp Emanuel, die Dramatik zu steigern, und seine Musik war „gewalttätig, ausdrucksstark, brillant, ständig überraschend und oft unzusammenhängend“. Wilhelm Friedemann schließlich, J.S. Bachs ältester Sohn, erweiterte die barocken Traditionen in einer idiomatischen, unkonventionellen Weise.
Zunächst übernahm der neue Stil barocke Formen – die ternäre da-capo-Arie, die Sinfonia und das Konzert -, komponierte aber mit einfacheren Teilen, mehr notierten Verzierungen anstelle der improvisierten Ornamente, die im Barock üblich waren, und einer nachdrücklicheren Unterteilung der Stücke in Abschnitte. Im Laufe der Zeit führte die neue Ästhetik jedoch zu radikalen Veränderungen in der Art und Weise, wie die Stücke zusammengesetzt wurden, und die grundlegende formale Gestaltung änderte sich. Die Komponisten dieser Zeit suchten nach dramatischen Effekten, markanten Melodien und klareren Strukturen. Eine der großen strukturellen Veränderungen war die Abkehr vom komplexen, dichten polyphonen Stil des Barock, in dem mehrere ineinandergreifende melodische Linien gleichzeitig gespielt wurden, und die Hinwendung zur Homophonie, einer leichteren Textur, bei der eine einzige klare Melodielinie verwendet wird, die von Akkorden begleitet wird.
Barockmusik verwendet im Allgemeinen viele harmonische Fantasien und polyphone Abschnitte, die sich weniger auf die Struktur des Musikstücks konzentrieren, und es wurde weniger Wert auf klare musikalische Phrasen gelegt. In der klassischen Periode wurden die Harmonien einfacher. Die Struktur des Stücks, die Phrasen und kleinen melodischen oder rhythmischen Motive, wurden jedoch viel wichtiger als in der Barockzeit.
Ein weiterer wichtiger Bruch mit der Vergangenheit war die radikale Überarbeitung der Oper durch Christoph Willibald Gluck, der einen großen Teil der Überlagerungen und improvisatorischen Verzierungen wegließ und sich auf die Punkte der Modulation und des Übergangs konzentrierte. Indem er diese Momente, in denen sich die Harmonie ändert, stärker in den Mittelpunkt rückte, ermöglichte er starke dramatische Veränderungen in der emotionalen Farbe der Musik. Um diese Übergänge hervorzuheben, nutzte er Veränderungen in der Instrumentation (Orchestrierung), der Melodie und der Tonart. Gluck gehörte zu den erfolgreichsten Komponisten seiner Zeit und rief viele Nachahmer auf den Plan, darunter Antonio Salieri. Ihre Betonung der Zugänglichkeit brachte große Erfolge in der Oper und in anderer Vokalmusik wie Liedern, Oratorien und Chören. Diese galten als die wichtigsten Arten von Musik für Aufführungen und genossen daher den größten öffentlichen Erfolg.
Die Phase zwischen dem Barock und dem Aufkommen der Klassik (um 1730) war die Heimat verschiedener konkurrierender Musikstile. Die Vielfalt der künstlerischen Wege zeigt sich in den Söhnen Johann Sebastian Bachs: Wilhelm Friedemann Bach, der die barocke Tradition auf persönliche Weise fortsetzte; Johann Christian Bach, der die Texturen des Barocks vereinfachte und am deutlichsten Mozart beeinflusste; und Carl Philipp Emanuel Bach, der leidenschaftliche und manchmal heftig exzentrische Musik der Empfindsamkeitsbewegung komponierte. Die Musikkultur befand sich an einem Scheideweg: Die Meister des alten Stils hatten die Technik, aber das Publikum sehnte sich nach dem Neuen. Dies ist einer der Gründe, warum C. P. E. Bach so hoch geschätzt wurde: Er verstand die älteren Formen sehr gut und verstand es, sie in einem neuen Gewand und mit einer größeren Formenvielfalt zu präsentieren.
1750-1775Bearbeiten
In den späten 1750er Jahren gab es blühende Zentren des neuen Stils in Italien, Wien, Mannheim und Paris; Dutzende von Sinfonien wurden komponiert, und es gab Musikkapellen in Verbindung mit Musiktheatern. Opern oder andere Vokalmusik, die von einem Orchester begleitet wurde, war das Merkmal der meisten musikalischen Veranstaltungen, wobei Konzerte und Sinfonien (die aus der Ouvertüre hervorgingen) als instrumentale Zwischenspiele und Einleitungen für Opern und Gottesdienste dienten. Im Laufe der Klassik entwickelten sich Sinfonien und Konzerte und wurden unabhängig von der Vokalmusik aufgeführt.
Die „normale“ Orchesterbesetzung – ein Korpus von Streichern, der durch Bläser ergänzt wird – und Sätze mit besonderem rhythmischen Charakter hatten sich in den späten 1750er Jahren in Wien etabliert. Länge und Gewicht der Stücke wiesen jedoch noch barocke Züge auf: Einzelne Sätze konzentrierten sich noch auf einen „Affekt“ (musikalische Stimmung) oder hatten nur einen scharf kontrastierenden Mittelteil, und ihre Länge war nicht wesentlich größer als die barocker Sätze. Es gab noch keine klar formulierte Theorie, wie man im neuen Stil komponieren sollte. Es war ein Moment, der reif für einen Durchbruch war.
Der erste große Meister des Stils war der Komponist Joseph Haydn. In den späten 1750er Jahren begann er mit der Komposition von Sinfonien, und bis 1761 hatte er ein Triptychon (Morning, Noon, and Evening) komponiert, das ganz im zeitgenössischen Stil gehalten war. Als Vizekapellmeister und späterer Kapellmeister erweiterte sich sein Schaffen: Allein in den 1760er Jahren komponierte er über vierzig Sinfonien. Und obwohl sein Ruhm wuchs, da sein Orchester vergrößert und seine Kompositionen kopiert und verbreitet wurden, war seine Stimme nur eine unter vielen.
Während einige Gelehrte behaupten, dass Haydn im Schatten von Mozart und Beethoven stand, kann man Haydns zentrale Bedeutung für den neuen Stil und damit für die Zukunft der westlichen Kunstmusik als Ganzes kaum überbewerten. Zu jener Zeit, als Mozart oder Beethoven noch nicht überragend waren und Johann Sebastian Bach vor allem Kennern der Tastenmusik bekannt war, erreichte Haydn einen Platz in der Musik, der ihn über alle anderen Komponisten stellte, außer vielleicht Georg Friedrich Händel aus der Barockzeit. Haydn griff bestehende Ideen auf und veränderte ihre Funktionsweise radikal – was ihm die Titel „Vater der Symphonie“ und „Vater des Streichquartetts“ einbrachte.
Eine der Kräfte, die als Antrieb für sein Vorwärtsdrängen wirkten, war die erste Aufwallung dessen, was später Romantik genannt wurde – die Sturm und Drang-Phase in der Kunst, eine kurze Periode, in der offensichtlicher und dramatischer Emotionalismus eine stilistische Vorliebe war. Haydn wünschte sich dementsprechend mehr dramatische Kontraste und emotional ansprechendere Melodien mit schärferem Charakter und mehr Individualität in seinen Stücken. Diese Periode verblasste in der Musik und Literatur: Sie beeinflusste jedoch das, was danach kam, und wurde schließlich zu einem Bestandteil des ästhetischen Geschmacks späterer Jahrzehnte.
Die Abschiedssymphonie, Nr. 45 in f♯-Moll, ist ein Beispiel dafür, wie Haydn die unterschiedlichen Anforderungen des neuen Stils integrierte, mit überraschenden scharfen Wendungen und einem langen langsamen Adagio zum Abschluss des Werks. Im Jahr 1772 vollendete Haydn sein Opus 20 mit sechs Streichquartetten, in denen er die polyphonen Techniken, die er in der vorangegangenen Barockzeit gesammelt hatte, für eine strukturelle Kohärenz einsetzte, die seine melodischen Ideen zusammenhalten konnte. Für manche markiert dies den Beginn des „reifen“ klassischen Stils, in dem die Periode der Reaktion gegen die spätbarocke Komplexität einer Periode der Integration barocker und klassischer Elemente wich.
1775-1790Bearbeiten
Haydn, der mehr als ein Jahrzehnt als Musikdirektor eines Fürsten gearbeitet hatte, verfügte über weitaus mehr Ressourcen und Möglichkeiten zum Komponieren als die meisten anderen Komponisten. Seine Position gab ihm auch die Möglichkeit, die Kräfte zu formen, die seine Musik spielen sollten, da er fähige Musiker auswählen konnte. Diese Chance ließ Haydn nicht ungenutzt, da er schon sehr früh in seiner Karriere versuchte, die Technik des Aufbaus und der Entwicklung von Ideen in seiner Musik voranzutreiben. Der nächste wichtige Durchbruch gelang ihm in den Streichquartetten des Opus 33 (1781), in denen die melodischen und harmonischen Rollen zwischen den Instrumenten hin und her wechseln: Oft ist es vorübergehend unklar, was Melodie und was Harmonie ist. Dies verändert die Art und Weise, wie das Ensemble zwischen dramatischen Momenten des Übergangs und kulminierenden Abschnitten arbeitet: Die Musik fließt reibungslos und ohne offensichtliche Unterbrechung. Diesen integrierten Stil wandte er dann auf Orchester- und Vokalmusik an.
Haydns Geschenk an die Musik war eine Art zu komponieren, eine Art, Werke zu strukturieren, die gleichzeitig der herrschenden Ästhetik des neuen Stils entsprach. Doch ein jüngerer Zeitgenosse, Wolfgang Amadeus Mozart, brachte sein Genie in Haydns Ideen ein und wandte sie auf zwei der wichtigsten Gattungen der Zeit an: die Oper und das virtuose Konzert. Während Haydn einen Großteil seines Arbeitslebens als Hofkomponist verbrachte, wollte Mozart im Konzertleben der Städte Erfolg haben und für das breite Publikum spielen. Das bedeutete, dass er Opern schreiben und virtuose Stücke schreiben und aufführen musste. Haydn war weder ein Virtuose auf internationalem Tournee-Niveau, noch wollte er Opernwerke schaffen, die viele Abende lang vor einem großen Publikum gespielt werden konnten. Mozart wollte beides erreichen. Außerdem hatte Mozart eine Vorliebe für mehr chromatische Akkorde (und größere Kontraste in der harmonischen Sprache im Allgemeinen), eine größere Vorliebe für die Schaffung einer Fülle von Melodien in einem einzigen Werk und eine italienischere Sensibilität in der Musik als Ganzes. In Haydns Musik und später in seinem Studium der Polyphonie von J.S. Bach fand er die Mittel, um seine künstlerischen Gaben zu disziplinieren und zu bereichern.
Mozart erregte schnell die Aufmerksamkeit Haydns, der den neuen Komponisten begrüßte, seine Werke studierte und den Jüngeren als seinen einzigen wirklichen Ebenbürtigen in der Musik betrachtete. Bei Mozart fand Haydn eine größere Bandbreite an Instrumentation, dramatischer Wirkung und melodischen Mitteln. Die Lernbeziehung verlief in beide Richtungen. Auch Mozart hatte großen Respekt vor dem älteren, erfahreneren Komponisten und versuchte, von ihm zu lernen.
Mozarts Ankunft in Wien 1780 brachte eine Beschleunigung der Entwicklung des klassischen Stils. Dort nahm Mozart die Verschmelzung von italienischer Brillanz und germanischem Zusammenhalt auf, die sich in den 20 Jahren zuvor zusammengebraut hatte. Seine eigene Vorliebe für auffällige Brillanz, rhythmisch komplexe Melodien und Figuren, lange Kantilenen und virtuose Schnörkel verschmolz mit einer Wertschätzung für formale Kohärenz und innere Verbundenheit. Zu diesem Zeitpunkt stoppten Krieg und wirtschaftliche Inflation den Trend zu größeren Orchestern und erzwangen die Auflösung oder Verkleinerung vieler Theaterorchester. Dies drängte den klassischen Stil nach innen: Er suchte nach größeren Ensembles und technischen Herausforderungen – zum Beispiel die Verteilung der Melodie auf die Holzbläser oder die Verwendung einer in Terzen harmonisierten Melodie. Dieser Prozess führte dazu, dass die Musik in kleinen Besetzungen, der so genannten Kammermusik, einen höheren Stellenwert erhielt. Es führte auch zu einem Trend zu mehr öffentlichen Aufführungen, was dem Streichquartett und anderen kleinen Ensembles weiteren Auftrieb verlieh.
In diesem Jahrzehnt begann der öffentliche Geschmack zunehmend anzuerkennen, dass Haydn und Mozart ein hohes Niveau der Komposition erreicht hatten. Als Mozart 1781 im Alter von 25 Jahren nach Wien kam, waren die vorherrschenden Stile erkennbar mit dem in den 1750er Jahren entstandenen frühklassischen Stil verbunden. Bis zum Ende der 1780er Jahre hatten sich bei den Komponisten, die Mozart und Haydn nachahmten, Veränderungen in der Aufführungspraxis, der relativen Stellung von Instrumental- und Vokalmusik, den technischen Anforderungen an die Musiker und der stilistischen Einheitlichkeit durchgesetzt. In diesem Jahrzehnt komponierte Mozart seine berühmtesten Opern, seine sechs späten Sinfonien, die dazu beitrugen, die Gattung neu zu definieren, und eine Reihe von Klavierkonzerten, die noch immer zu den Höhepunkten dieser Formen gehören.
Ein Komponist, der einen großen Einfluss auf die Verbreitung des ernsthafteren Stils hatte, den Mozart und Haydn geprägt hatten, war Muzio Clementi, ein begnadeter virtuoser Pianist, der sich mit Mozart in einem musikalischen „Duell“ vor dem Kaiser duellierte, bei dem beide auf dem Klavier improvisierten und ihre Kompositionen vortrugen. Clementis Klaviersonaten fanden weite Verbreitung, und er wurde in den 1780er Jahren zum erfolgreichsten Komponisten in London. Ebenfalls in London lebte zu dieser Zeit Jan Ladislav Dussek, der wie Clementi die Klavierbauer dazu anregte, den Tonumfang und andere Eigenschaften ihrer Instrumente zu erweitern, und der die neu eröffneten Möglichkeiten dann voll ausschöpfte. Die Bedeutung Londons in der klassischen Periode wird oft übersehen, aber es diente als Sitz der Broadwood’s Fabrik für Klavierbau und als Basis für Komponisten, die zwar weniger bekannt waren als die „Wiener Schule“, aber einen entscheidenden Einfluss auf das hatten, was später kam. Sie waren Komponisten vieler schöner Werke, die für sich genommen bemerkenswert sind. Londons Vorliebe für Virtuosität mag das komplexe Passagenwerk und die ausgedehnten Aussagen über Tonika und Dominante gefördert haben.
Um 1790-1820Bearbeiten
Als Haydn und Mozart zu komponieren begannen, wurden Sinfonien als einzelne Sätze gespielt – vor, zwischen oder als Zwischenspiele innerhalb anderer Werke – und viele von ihnen dauerten nur zehn oder zwölf Minuten; Instrumentalgruppen hatten unterschiedliche Spielstandards, und das Continuo war ein zentraler Bestandteil des Musizierens.
In den dazwischen liegenden Jahren hatte sich die soziale Welt der Musik dramatisch verändert. Das internationale Publikations- und Tourneewesen hatte explosionsartig zugenommen, und es bildeten sich Konzertvereine. Die Notation wurde spezifischer, anschaulicher – und die Schemata für die Werke waren vereinfacht worden (und wurden doch in ihrer genauen Ausarbeitung vielfältiger). 1790, kurz vor Mozarts Tod, war Haydn, dessen Ruf sich rasch verbreitete, bereit für eine Reihe von Erfolgen, insbesondere seine späten Oratorien und die Londoner Sinfonien. Komponisten in Paris, Rom und ganz Deutschland wandten sich Haydn und Mozart zu, um ihre Ideen für die Form zu erhalten.
In den 1790er Jahren entstand eine neue Generation von Komponisten, die um 1770 geboren wurden. Sie waren zwar mit den früheren Stilen aufgewachsen, sahen aber in den neueren Werken von Haydn und Mozart ein Mittel zu größerem Ausdruck. Luigi Cherubini ließ sich 1788 in Paris nieder und komponierte 1791 die Oper Lodoiska, mit der er berühmt wurde. Ihr Stil spiegelt eindeutig den reifen Haydn und Mozart wider, und ihre Instrumentierung verleiht ihr ein Gewicht, das in der großen Oper noch nicht zu spüren war. Sein Zeitgenosse Étienne Méhul erweiterte die instrumentalen Effekte mit seiner Oper Euphrosine et Coradin von 1790, die eine Reihe von Erfolgen nach sich zog. Der letzte Anstoß zur Veränderung kam von Gaspare Spontini, der von späteren romantischen Komponisten wie Weber, Berlioz und Wagner sehr bewundert wurde. Die innovative harmonische Sprache seiner Opern, ihre raffinierte Instrumentierung und ihre „verketteten“, geschlossenen Nummern (ein Strukturmuster, das später von Weber in Euryanthe übernommen und von ihm über Marschner an Wagner weitergegeben wurde), bildeten die Grundlage für die Anfänge der französischen und deutschen romantischen Oper.
Der schicksalhafteste der neuen Generation war Ludwig van Beethoven, der seine nummerierten Werke 1794 mit einer Reihe von drei Klaviertrios begann, die im Repertoire geblieben sind. Etwas jünger als die anderen, aber aufgrund seines Jugendstudiums bei Mozart und seiner angeborenen Virtuosität ebenso erfolgreich, war Johann Nepomuk Hummel. Hummel studierte auch bei Haydn; er war mit Beethoven und Franz Schubert befreundet. Er konzentrierte sich mehr auf das Klavier als auf jedes andere Instrument, und während seines Aufenthalts in London in den Jahren 1791 und 1792 komponierte und veröffentlichte er 1793 drei Klaviersonaten (op. 2), die in idiomatischer Weise Mozarts Techniken der Vermeidung der erwarteten Kadenz und Clementis manchmal modal unsichere virtuose Figuration verwendeten. Zusammengenommen können diese Komponisten als Avantgarde eines umfassenden Stilwandels und als Zentrum der Musik betrachtet werden. Sie studierten gegenseitig ihre Werke, kopierten ihre musikalischen Gesten und verhielten sich gelegentlich wie zänkische Rivalen.
Die entscheidenden Unterschiede zur vorangegangenen Welle lassen sich in der Abwärtsverschiebung der Melodien, der zunehmenden Dauer der Sätze, der Akzeptanz von Mozart und Haydn als paradigmatisch, der stärkeren Verwendung von Tastenmitteln, der Verschiebung vom „vokalen“ zum „pianistischen“ Schreiben, der wachsenden Anziehungskraft des Moll und der modalen Mehrdeutigkeit und der zunehmenden Bedeutung variierender Begleitfiguren erkennen, um die „Textur“ als Element in der Musik voranzubringen. Kurz gesagt, die Spätklassik suchte nach einer Musik, die innerlich komplexer war. Die Zunahme von Konzertgesellschaften und Amateurorchestern, die die Bedeutung der Musik als Teil des bürgerlichen Lebens markierten, trugen zu einem boomenden Markt für Klaviere, Klaviermusik und Virtuosen bei, die als Vorbilder dienten. Hummel, Beethoven und Clementi waren für ihre Improvisationen bekannt.
Der unmittelbare Einfluss des Barocks verblasste weiter: Der bezifferte Bass verlor an Bedeutung als Mittel, um die Aufführung zusammenzuhalten, die Aufführungspraxis der Mitte des 18. Jahrhunderts starben weiter aus. Gleichzeitig wurden jedoch Gesamtausgaben barocker Meister verfügbar, und der Einfluss des barocken Stils nahm weiter zu, insbesondere durch den immer umfangreicheren Einsatz von Blechbläsern. Ein weiteres Merkmal dieser Zeit ist die wachsende Zahl von Aufführungen, bei denen der Komponist nicht anwesend war. Dies führte zu einer detaillierteren und spezifischeren Notation; so gab es beispielsweise weniger „optionale“ Teile, die getrennt von der Hauptpartitur standen.
Die Kraft dieser Veränderungen wurde bei Beethovens 3. Sinfonie deutlich, der der Komponist den Namen Eroica (italienisch für „heroisch“) gab. Wie Strawinskys „Ritus des Frühlings“ war sie vielleicht nicht in allen ihren Neuerungen die erste, aber ihr aggressiver Gebrauch aller Teile des klassischen Stils hob sie von den zeitgenössischen Werken ab: in Länge, Ehrgeiz und auch in den harmonischen Mitteln.