Die historischen Avantgarden haben die Kunstgeschichte des frühen 20. Jahrhunderts in Brand gesetzt. RoseLee Goldbergs Performance-Kritik verbindet die Experimente des Futurismus, des Konstruktivismus, des Dadaismus, des Bauhauses und dann des Surrealismus eindeutig mit dem Ursprung der Geschichte der Performance Art im 20. Jahrhundert. In diesem Artikel fasse ich eine kurze Geschichte der Performance Art zusammen.
Die Geburt der Performance Art
Im Laufe des letzten Jahrhunderts erhalten der Körper des Künstlers und seine Aktion eine zentrale Rolle in der Live-Art-Praxis und finden allmählich ihr eigenes Vokabular im Begriff Performance. Die Live-Beziehung zwischen dem Künstler, den darstellenden Künsten und dem Publikum sowie den Institutionen, die die Aktion beherbergen, ist in der Kunstgeschichte nichts Neues, sondern lässt sich bis zu den Geschichten rund um das Feuer unserer Vorfahren zurückverfolgen, über Rhapsoden und griechisches Theater, über mittelalterliche Spiele, Renaissance- und Barocktheater, Oper, bis hin zu futuristischen Veranstaltungen und Dada-Kabaretts. Im zwanzigsten Jahrhundert repräsentiert der Darsteller nicht mehr die Göttermythen, eine Maske oder eine Figur, sondern ist der Künstler, und die Performance etabliert seine Präsenz in der Gesellschaft.
Für Goldberg entzieht sich die Performance von ihrem Wesen her einer präzisen Definition, abgesehen von der einfachen Beschreibung, die sie in seinem Essay gibt: „live art by artists“. Für Marina Abramovic hebt sich die Performance von der typisch theatralischen Darstellung ab: „Das einzige Theater, das ich mache, ist mein eigenes, mein Leben ist das einzige, das ich spielen kann“. Für die Künstlerin selbst bedeutet diese Aussage jedoch nicht, dass die Performance das Theater als Raum für ihr eigenes Handeln ablehnt, im Gegenteil, RoseLee Goldberg betont, wie sie die Erneuerung der Theatersprache selbst beeinflusst hat. Für die Kritiker südafrikanischer Herkunft ist die Performance tendenziell ein visueller Ausdruck, der keiner Übersetzung bedarf und den Körper in den Mittelpunkt stellt; sie verwendet die modernsten Technologien, hat eine Vorliebe für das Ephemere und universelle Gesten, hat eine kurze oder sehr lange Dauer und konstruiert sehr komplexe Ikonographien, die von Sozialkritik bis zu antiken Ritualen, von autobiographischen Elementen bis zu metartistischer Kritik reichen.
Performance Art: from Futurists to Black Mountain College
Goldberg veröffentlichte 1979 eine der ersten Studien zur Geschichte der Performance-Kunst, als die übrige Kunstkritik begonnen hatte, die Performance nicht als vorübergehenden künstlerischen Ausdruck, sondern als greifbaren Ausdruck der Überlegungen zur Konzeptkunst zu erkennen. In seinem Essay verfolgt er die Wurzeln der Geschichte der Performance im 20. Jahrhundert zurück zu den Kreisen, in denen Avantgardekünstler mit den Ideen ihrer eigenen Plakate experimentierten, bevor sie ihre visuellen Ausdrucksformen durch Malerei oder Skulptur schufen, wie etwa das Cabaret Voltaire in Zürich. Jahrhunderts sein, die durch Künstler, die Schutz vor dem Krieg suchten, von Europa in die Vereinigten Staaten gelangten.
Seit den 1940er Jahren erforschten John Cage und Merce Cunnigham am Black Mountain College die Begriffe Zufall und Unbestimmtheit, schufen nicht-intentionale Musik und eine neue Tanzpraxis, sympathisierten mit der östlichen Zen-Philosophie und stellten ihre Überlegungen zum Beginn der Performance an. „Kunst sollte nicht vom Leben getrennt werden, sondern eine Aktion innerhalb des Lebens sein. Wie alles, was in seinem Lauf geschieht, mit seinen zufälligen Unfällen, seiner Komplexität, seiner Unordnung und seinen seltenen Momenten der Schönheit“, reflektiert Cage, der 1952 sein berühmtes 4’33“ vorstellte, ohne einen Ton auf dem Klavier zu erzeugen und das Publikum den Geräuschen der Umgebung lauschen ließ. In Bezug auf dieses Ereignis sagt Cage: „Mein Lieblingsstück ist das, das ich immer um mich herum höre, wenn alles ruhig ist.“
Die große Zeit der Performance Art zwischen den 50er und 60er Jahren
In den 50er Jahren besuchten unter anderem Allan Kaprow, George Brecht, Dick Higgins, George Segal, Jim Dine, Claes Oldernburg und Robert Rauchenberg die Kurse von John Cage. 1959 rief Kaprow die 18 Happenings in 6 Parts ins Leben, die wahrscheinlich die verschiedenen Aktionen der Künstlergruppe inspirierten, die der Kritiker George Macunias Anfang der sechziger Jahre unter dem Namen Fluxus zusammenfasste, und zwar nicht nur in den Vereinigten Staaten. In Japan führte die Gruppe Gutai 1954 eine Reihe von Aktionen durch, bei denen die Künstler Leinwände durchbrachen und direkt mit dem Körper malten; in Europa schlugen Yves Klein und Piero Manzoni zwischen Ende der fünfziger und Anfang der sechziger Jahre ebenfalls Aktionen vor, um zu verhindern, dass die Kunst in Galerien oder Museen verbannt wird, die Mitglieder des Wiener Aktionismus führten ihre blutigen Performances durch, und auch andere Künstler wie Jackson Pollok und Nam June Paik experimentierten in ihrer jeweiligen künstlerischen Praxis mit der Aktion des Körpers. Darüber hinaus wurden die Aktionen dieser Jahre nicht nur von männlichen Künstlern durchgeführt: neben Atsuko Tanaka von der Gutai-Gruppe präsentierte 1961 Niki de Saint-Phalle seine Schussbilder, 1963 führte Carolee Schneeman die berühmte Eye Body-Aktion durch und im darauffolgenden Jahr Meat Joy, 1965 trat Shigeko Kubota mit Vagina Painting in New York auf und etablierte damit unmittelbar die Präsenz von Frauen in der Performancepraxis.
Die Studentenbewegungen von 1968 läuteten die 1970er Jahre ein, die zur endgültigen Anerkennung der Performance in der Kunstgeschichte führten.
In diesen Jahren nahmen der Körper und die Präsenz des Künstlers sowie die gleichzeitige Erfahrung der Kunst mit dem Publikum eine zentrale Rolle für die Performance ein und einige Künstler widmeten sich ganz der Performance. Auch die Aktionen dieser Performer waren sehr unterschiedlich: Sie konnten kurz oder lang sein; sie konnten intim sein oder in großem Rahmen agieren; sie konnten programmiert oder improvisiert sein; sie konnten autobiografisch oder schockierend, esoterisch oder satirisch sein; sie konnten sich mit Sozialkritik befassen, über Randgruppen, Vielfalt oder die Kunst selbst, die Beziehung zu ihrem Markt und die Beziehung zwischen Künstler und Publikum sprechen.
Performance Art zwischen 20. und 21. Jahrhundert
Die Performance ist also eine komplexe künstlerische Ausdrucksform, die darum ringt, sich in einer breiteren Definition als der von Goldberg zu erkennen. Meine Forschung betrachtet die Performance des 20. Jahrhunderts als eine Erfahrung, in der der Performer der Künstler ist, der seine Präsenz in der Gesellschaft herstellt. Jahrhunderts das Museum auch zu einem Ort der Unterhaltung wird, wird die Performance für die Performancekritiker zu einer Gelegenheit für eine direkte Begegnung mit dem Künstler und zu einer Gelegenheit für ein Gespräch über die Rolle der Kunst in der Welt. Am Ende des ersten Jahrzehnts unseres Jahrhunderts zeigt die Ausstellung 100 Years of Performance Art im MoMA 2009 auf rund hundert Monitoren die Geschichte der Performance Art seit dem Futuristischen Manifest von 1909 und bezeugt damit die Rolle der Performance in der Kunstgeschichte des vergangenen Jahrhunderts, und die retrospektive Performance von Marina Abramovic The Artist Is Present 2010 im selben Museum bestätigt die zentrale Bedeutung der Präsenz des Künstlers in der zeitgenössischen Kunst. Eine Präsenz, die in ihrer Beziehung zum Publikum, zu den Institutionen und zum Markt stets komplex ist.
Die Performance ist seit den 1920er Jahren nach wie vor ein Ausdruck, mit dem Künstler die komplexen Beziehungen zwischen der künstlerischen Praxis, den an ihr Beteiligten und dem Alltagsleben untersuchen und mit Aktionen, die nach wie vor unkonventionell und anarchisch sind, zentrale Themen der internationalen Debatte aufgreifen. Die ständige soziale Aufmerksamkeit der Performance scheint die Erforschung der Beziehung zwischen künstlerischer Praxis und Alltag lebendig zu halten.
Thornton S., 33 artists in 3 acts, Feltrinelli, 2015.
Im Cabaret Voltaire fanden ab dem 5. Februar 1916 Gedichte und Interventionen einiger der einflussreichsten Künstler der Zeit wie Kandinsky, Lichtenstein, Arp und Tzara statt.
Cage J., Notations, New York, 1969.
Kaprow A., Assemblage, Environments & Happenings, New York, 1966.
Jones A., Body Art: Performing the Subject, Minnesota University Press, 1998.
Gerade in den 1970er Jahren begannen einige Künstler, sich methodisch der Performancekunst zu widmen, darunter: Marina Abramovic, Bruce Nauman, Gina Pane, Gilbert&George, Vito Acconci, Joan Jonas, Chris Burden und Ana Mendieta.
Goldberg R., The First Decade of the New Century 2001 to 2010, in Performance Art. From Futurism to Present, Thames&Hudson, Ausgabe 2011.
MOMA, Marina Abramovic: The Artist is Present, Exh.Cat. 2010.