Oratorium und symphonische Soloarbeit machen einen erheblichen Prozentsatz der Sängerjobs aus. Manager Jean Seidel gibt einige hilfreiche Informationen über die beiden unterschiedlichen Genres und darüber, was Sängerinnen und Sänger beim Wechsel beachten sollten.
CS: Wie unterscheidet sich die Konzertarbeit von der Oper?
JS: Das Oratorium erfordert totale stimmliche Raffinesse und absolute Detailtreue zur Musik. Das ist natürlich sowohl in der Oper als auch im Oratorium wünschenswert, aber beim Oratorium gibt es keine schauspielerische Figur oder ein Kostüm, die das Publikum ablenken. Die Stimme steht im Vordergrund, so dass jeder Ton eine größere Bedeutung hat. In der Oper gibt es Sänger, die mit außergewöhnlichen schauspielerischen Fähigkeiten sehr vermarktungsfähig sind, auch wenn die Stimme von bescheidener Qualität sein mag. Im Oratorium sind die Qualität der Stimme und die Musikalität die Schlüsselfaktoren.
Das bedeutet jedoch nicht, dass die Stimme im Konzert nicht dramatisch sein muss. Ein großer Fehler, den Sänger im Oratorium machen, ist, dass sie vergessen, dass die Musik ausdrucksvoll und bedeutungsvoll sein muss, um das Interesse des Publikums zu wecken. Das Ziel der Aufführung von Musik ist es, das Herz des Zuhörers zu berühren. Ein Elias oder ein Verdi-Requiem hat so viel Dramatik wie viele inszenierte Opern, also müssen die Sänger die Musik und die Worte mit der gleichen dramatischen Stimmintensität vortragen wie in einer Oper. Eine weitere Voraussetzung für einen erfolgreichen Oratoriengesang ist, dass der Sänger eine Stimme hat, die sich zusammenfügt. Da im Oratorium viel im Ensemble gesungen wird, ist es wichtig, dass der Sänger ein Gespür und die Fähigkeit besitzt, mit anderen Stimmen zu verschmelzen. Wenn Sie ein Mozart-Requiem ruinieren wollen, setzen Sie eine schrille, laute Stimme in das Ensemble ein.
CS: Wie sieht es auf dem Arbeitsmarkt für sinfonische Arbeit aus? Ist das eine Alternative für Sänger, die auf Jobsuche sind?
JS: Es gibt zwar immer noch viele Jobs im symphonischen Bereich, aber in den letzten 10 Jahren hat sich die Anzahl der Jobs stark verringert. In den 1980er und frühen 1990er Jahren gab es zahlreiche Ensembles für Alte Musik, aber viele von ihnen haben sich inzwischen aufgelöst, und ich habe die Erfahrung gemacht, dass auch die Zahl der Chorwerke, die mit Symphonieorchestern aufgeführt werden, zurückgegangen ist. Überraschenderweise höre ich oft von künstlerischen Leitern, dass sich Chorwerke und Vokalisten nicht so gut verkaufen wie ein Geiger oder Pianist, so dass ein Orchester in einer bestimmten Saison vielleicht keine Vokalisten hat.
Aber es gibt immer noch Möglichkeiten. Zusätzlich zu den klassischen sinfonischen Werken führen viele Sinfonieorchester jetzt „halbszenische Opern“ oder Opernausschnitte auf. Auch Pops-Programme werden regelmäßig aufgeführt. Symphoniearbeit ist für viele Sänger interessant, die nicht wochenlang unterwegs sein können. Die meisten symphonischen Aufträge erfordern in der Regel eine mehrtägige Proben- und Aufführungszeit, so dass die Sänger sowohl ein Privatleben als auch einen weiteren Job haben können.
CS: Die Aufführungspraxis in der Sinfonie- und Chorszene verändert sich ständig. Wie kann ein Opernsänger sicherstellen, dass er oder sie mit den neuesten akzeptierten Verzierungen und stilistischen Veränderungen vertraut ist?
JS: Der beste Weg, um auf dem neuesten Stand zu bleiben, ist natürlich, sich aktuelle Aufnahmen mit angesehenen Dirigenten und Sängern anzuhören und mit Leuten zu trainieren, die auf diesem Gebiet spezialisiert sind. Allerdings hat der Dirigent oft seine eigenen Vorstellungen von der Verzierung, wenn man den Auftrag bekommt, also ist es gut, flexibel zu sein.
CS: Was braucht man, um ein erfolgreicher Oratoriensänger zu sein?
JS: Abgesehen von dem Offensichtlichen – eine schöne, ausdrucksstarke Stimme zu haben – gibt es noch ein paar andere Dinge, die einem Sänger helfen, in der Konzertarbeit erfolgreich zu sein. Es ist wichtig, dass der Sänger sich auf das richtige Repertoire konzentriert. Sinfonieorchester sind knapp bei Kasse, daher führen sie oft Werke auf, die beim Publikum am bekanntesten sind. Daher wird nur ein begrenztes Repertoire aufgeführt.
Natürlich wird auch anderes Repertoire aufgeführt, aber wenn man dauerhaft arbeiten will, tut man gut daran, sich in diesen Werken wirklich auszuzeichnen und einen Ruf zu entwickeln. Es ist unbedingt erforderlich, dass der Sänger über ein hervorragendes Tonband verfügt, das vorzugsweise von Live-Aufführungen stammt. Die meisten Stellen für symphonische Werke werden mit Hilfe von Tonbändern und nicht mit Live-Vorspielen vergeben, daher ist es wichtig, dass das Band so perfekt wie möglich ist. Ein paar Punkte, die Sie bei der Erstellung des Bandes beachten sollten: Versuchen Sie, mehrere der oben genannten Stücke aufzunehmen; die erste Minute des Bandes muss anregend sein und die Aufmerksamkeit des Zuhörers wecken; langatmige Orchesterpassagen sollten herausgeschnitten werden (ich musste einmal eine ganze Neunte von Beethoven vorspulen, um zum Basssolo zu kommen – dafür hat niemand Zeit!); die Qualität der Aufnahme sollte gut ausbalanciert sein, wobei die Stimme im Vordergrund stehen sollte; und das Band sollte mit Ihrem Namen und Ihrer Telefonnummer beschriftet sein.
Jean Seidel ist seit 10 Jahren Künstlermanager und seit 1993 Direktor von Seidel Artists Management und vertritt Konzert-, Opern- und Musiktheatersänger in den Vereinigten Staaten und Europa.