Soul Music entwickelte sich in den späten 1950er und frühen 1960er Jahren zu einer der markantesten Formen in der Geschichte der amerikanischen Popmusik. Vor allem für schwarze Amerikaner war die Soulmusik in den 1960er Jahren prägend und bot einen kulturellen Soundtrack für die Bürgerrechtsbewegung und das Erwachen des schwarzen Bewusstseins und Stolzes. Die Soul-Hits dominierten die Hitparaden in diesem Jahrzehnt, aber die Definition dessen, was Soul genau ist, erwies sich als keine leichte Aufgabe, selbst für einige der größten Künstler dieser Musikrichtung. WilsonPickett definierte Soul als „nichts als ein Gefühl“. Don Covay sagte: „Für einen Sänger ist Soul die totale stimmliche Freiheit“. Aretha Franklin erklärte: „Soul ist für mich ein Gefühl, viel Tiefe und die Fähigkeit, das, was im Inneren passiert, an die Oberfläche zu bringen. …. Es ist einfach das Gefühl, die Art und Weise, wie es andere Menschen berührt.“ Elemente des Genres leben weiter, aber die klassische Periode der Soul-Musik, von etwa 1960 bis 1975, bleibt aufgrund ihres Stils, ihrer rohen, emotionalen Kraft und ihrer Gefühlstiefe einer der wichtigsten Beiträge zur amerikanischen Popkultur. Neben dem Jazz ist sie einer der originellsten Beiträge Amerikas zur Weltkultur.
Wenn sich auch die Definition der Soulmusik als schwierig erwies, so waren es ihre Ursprünge nicht. Die Soulmusik entstand in den 1950er Jahren als eine Kreuzung aus Rhythm and Blues und Gospelmusik. Die Soulmusik vereinte den Samstagabend-Sünder und den Sonntagmorgen-Reuigen in einer Person oder einem Lied, so wie sie auch im wirklichen Leben existierten. Bei der Kombination der R&B-Themen mit Gospel-Elementen (Call-and-Response-Gesang, enge Harmonien und Themen wie Feiern, Verlust und Sehnsucht) verweltlichten die frühen Soul-Künstler die Gospel-Melodien oft, indem sie die Schlüsselwörter änderten: Der Gospel-Song „Talkin‘ ‚Bout Jesus“ wurde zu „Talkin‘ ‚Bout You“; „This Little Light of Mine“ wurde zu „This Little Girl of Mine“; „I’ve Got a Savior“ wurde zu „I Got a Woman“. Dieser Wandel spiegelt die Veränderungen wider, die in der schwarzen Gemeinschaft nach dem Zweiten Weltkrieg stattfanden, als immer mehr schwarze Amerikaner aus dem ländlichen Süden in den städtischen Norden zogen. Die ersten Neuankömmlinge im Norden hatten Mitte der 1940er Jahre die R&B-Musik als Ausdruck der neuen Lebenswirklichkeit in diesen Stadtvierteln geschaffen. Später, als mehr Schwarze aus dem Süden in diese Gemeinden strömten, brachten sie Elemente der Südstaaten-Gospelmusik mit. Beide Musikformen koexistierten als getrennte Ausdrucksformen des schwarzen Lebens. Sie kreuzten sich jedoch bald und brachten das hervor, was zur Soulmusik wurde.
Der anerkannte Vater dieser Kreuzung war Ray Charles. Alle oben erwähnten säkularisierten Gospelsongs waren Mitte der 1950er Jahre Hits für Charles. Der 1930 in Albany, Georgia, geborene Charles zog als Teenager nach Seattle und trat in den späten 1940er Jahren als Schlagersänger im Stil von Nat „King“ Cole in lokalen Clubs wie dem Rocking Chair und dem Black and Tan auf. Dort erregte er die Aufmerksamkeit von SwingtimeRecords, einer der ersten R&B-Plattenfirmen in schwarzem Besitz, und er veröffentlichte eine Reihe von Blues- und Cole-inspirierten Stücken, darunter „Kissa Me Baby“ und „Confession Blues“. Als er 1952 zu Atlantic Records wechselte, begann Charles einen erdigeren Stil zu entwickeln, den er durch die Zusammenarbeit mit den Bluesmusikern Guitar Slim und Lowell Fulsom erlernt hatte. Bei Atlantic begann er, Blues-Elemente mit Gospel-Stilistiken zu kombinieren, die er als Kind in Georgia aufgeschnappt hatte. Dieser Stil wurde zur Grundlage der Soulmusik und bescherte Charles in den 1950er Jahren eine Reihe von Hits, darunter „Lonely Avenue“, „I Got a Woman“, „Hallelujah I Love Her So“ und sein vielleicht größter Hit „What’d I Say“, der ein Gospel-Call-and-Response-Segment zwischen Charles und seinen Backgroundsängerinnen, den Raelettes, mit Stöhnen, das leicht aus dem Schlafzimmer oder von der Kanzel hätte kommen können, und einer treibenden R&B-Band kombinierte.
Dem Charles dicht auf den Fersen war Sam Cooke, der als Leadsänger der Gospelgruppe The Soul Stirrers bekannt geworden war, bevor er einen eher pop-orientierten Soul-Stil entwickelte, der ihm Hits wie „You Send Me“, „Twistin‘ the Night Away“ und „Bring It on Home to Me“ einbrachte. Jackie Wilson hatte ebenfalls in einer Gesangsgruppe, den Dominoes, angefangen, bevor er mit Songs wie „Reet Petite“, „Lonely Tear-drops“ und „Baby Workout“ einen treibenden Pop-Soul-Stil entwickelte. Während Charles‘ Musik eine enge Verbindung mit den rohen Elementen der R&B-Musik aufrechterhielt, brachten Wilson und Cooke die Verbindung von R&B und Gospel näher an den Bereich des Pop heran.
Es bedurfte dreier Plattenfirmen, um den Soul in den Mainstream zu bringen. Es waren Atlantic Records in New York City, Motown Records in Detroit und Stax/Volt Records in Memphis. Während zahlreiche kleinere Labels einen unschätzbaren Beitrag zur Soulmusik leisteten, waren diese drei Labels für einige der explosivsten Soulmusik der 1950er und 1960er Jahre verantwortlich. Die meisten der großen Talente der Soulmusik, mit einigen sehr bemerkenswerten Ausnahmen, waren bei diesen drei Plattenlabels unter Vertrag. Und obwohl es auf jeder Plattenfirma große individuelle Talente gab, gelang es jeder Firma, einen einzigartigen Sound zu entwickeln, der jeden Künstler mit seinem jeweiligen Label identifizierte.
Herb Abramson und Ahmet Ertegun gründeten 1947 Atlantic Records. Ihre ersten Veröffentlichungen waren im Bereich des Jazz angesiedelt, aber 1949 stiegen sie in den R&B-Bereich ein und wurden in den 1950er Jahren zu einem der dominierenden unabhängigen Plattenlabels in diesem Bereich, dank ihrer Erfolge mit R&B-Künstlern wie Ruth Brown, Ray Charles, Joe Turner, LaVern Baker, den Clovers und anderen. Mit dem Erfolg von Charles‘ Platten im aufkommenden Soul-Stil bewegte sich Atlantic noch weiter in Richtung Soul-Musik. Anfang bis Mitte der 1960er Jahre hatte Atlantic Soul-Hits mit „Up on the Roof“, „This Magic Moment“ und „Save the Last Dance for Me“ von den Drifters; Ben E. King’s „Stand by Me“ und „Spanish Harlem“; Percy Sledge’s „When a Man Loves a Woman“; Wilson Pickett’s „Land of 1000 Dances“, „Mustang Sally“ und „Funky Broadway“; Don Covay’s „Seesaw“; und Solomon Burke’s „Just out of Reach“. Die wichtigste Neuerung im Sound von Atlantic bestand darin, den Soul mit einem ausgefeilteren, professionelleren Klang „uptown“ zu bringen, was durch das Hinzufügen von Streicherarrangements und den Einsatz professioneller Songwriter aus dem Brill Building erreicht wurde.
Atlantics größter Erfolg kam jedoch 1967 mit der Entdeckung der Sängerin Aretha Franklin. Franklin war die perfekte Verkörperung der Soul-Musik, da sie einen starken kirchenmusikalischen Hintergrund (ihr Vater, Reverend C. L. Franklin, war der bekannte Pfarrer der New Bethel Baptist Church in Detroit) mit der Tiefe des Gefühls und des Stils verband, die erforderlich waren, um ihre Gospel-Ausbildung in die weltliche Musikwelt zu übertragen. Anfang der 1960er Jahre war sie bei Columbia Records unter Vertrag, wo sie versuchte, eine Pop-/Soul-Sängerin im Stil von Sam Cooke zu werden. Als ihr Vertrag mit Columbia 1967 auslief, nahm der Produzent Jerry Wexler sie bei Atlantic unter Vertrag. Wexler brachte Franklin in Rick Halls Fame Studios in Muscle Shoals, Alabama, unter, wo er bereits erfolgreich den Sound von Wilson Pickett umgestaltet hatte. Halls Muscle Shoals mit seiner Mischung aus schwarzen und weißen Südstaatenmusikern entwickelte einen Ruf als Brutstätte der Soulmusik, ein Ort, an dem das so wichtige Gefühl, das in der Soulmusik notwendig ist, leichter zum Vorschein kam. Dort entwickelte Franklin ihren Sound neu und ließ ihre Gospel-Wurzeln zum Vorschein kommen. Ihr Debüt bei Atlantic gab sie 1967 mit dem Album I Never Loved a Man the Way I Love You, das in jenem Jahr auf Platz zwei der Albumcharts landete. Sowohl der Titelsong als auch Franklins Cover von Otis Reddings „Respect“ erreichten in diesem Jahr Platz eins der R&B-Charts. Das Album enthielt auch „Do Right Woman-Do Right Man“, „Baby, Baby, Baby“ und „Save Me“, die alle zu Soul-Klassikern wurden. Innerhalb eines Jahres veröffentlichte Franklin zwei weitere Alben, die Hits wie „Baby I Love You“, „Chain of Fools“ und den Hit „(You Make Me Feel Like) A Natural Woman“ enthielten, der sowohl in den Pop- als auch in den R&B-Charts in die Top Ten kam. Diese Veröffentlichungen brachten Franklin den unbestrittenen Titel „The Queen of Soul“ ein und zementierten Atlantic als Heimat einiger der kraftvollsten Soul-Musik, die je produziert wurde.
Songwriter, Produzent und ehemaliger Plattenladenbesitzer Berry Gordy, Jr. gründete Motown Records 1960 in einem einfachen weißen Bungalow am 2648 West Grand Boulevard in Detroit, Michigan. Gordy hatte in den späten 1950er Jahren erfolgreich Songs für Jackie Wilson („Lonely Teardrops“) und Barrett Strong („Money“) geschrieben und produziert, die sich auf Ray Charles‘ Innovationen bei der Verschmelzung von R&B- und Gospel-Stilen stützten. 1960 wechselte Gordy von der unabhängigen Produktion (bei der er Songs an andere Labels vermietete) zu seinem eigenen Label Tamla, das später Teil von Motown wurde. In Motown stellte Gordy eine Formel für Songwriting, Produktion und Aufnahme zusammen, die bis Ende der 1960er Jahre mehr Singles verkaufte als jede andere Firma. Er tat dies mit etwas, das einer Fließbandproduktion glich, und Gordy bezeichnete seine Rolle als „Qualitätskontrolle“. Zunächst stellte er ein Team von hervorragenden Songwritern und Produzenten zusammen, darunter Smokey Robinson und das Team von Brian Holland, Lamont Dozier und Eddie Holland, die einen Hit nach dem anderen für Gordy schrieben. Als nächstes stellte er eine Hausband zusammen, zu der Benny Benjamin am Schlagzeug, Joe Messina an der Gitarre, James Jamerson am Bass, Earl Van Dyke an den Keyboards und andere Stammmusiker gehörten. Gemeinsam schufen das Songwriting, die Produktionsteams und die Hausband einen unverwechselbaren Stil. Dann stellte Gordy aus dem reichhaltigen lokalen Talent von Detroit Gesangsgruppen oder einzelne Sänger zusammen oder nahm sie unter Vertrag, um die Songs aufzunehmen.
Ein Teil von Gordys Begabung bestand darin, rohes Straßentalent in ein ausgefeiltes musikalisches Produkt zu verwandeln, was er mit diesem Fließbandverfahren und seinem Auge für vielversprechende junge Talente tat und Motown den „Sound of Young America“ nannte. Zu den Stars von Motown gehörten die Supremes („Baby Love“, „You Can’t Hurry Love“, „Love Child“), Marvin Gaye („I Heard It through the Grapevine“, „Pride and Joy“), die Four Tops („Standing in the Shadows of Love“, „Bernadette,“ „Reach out I’ll Be There“), die Temptations („My Girl“, „Ain’t Too Proud to Beg“), Mary Wells („My Guy“), Martha and the Vandellas, Smokey Robinson and the Miracles („I Second That Emotion“, „The Tracks of My Tears“), die Marvelettes, Jr. Walker and the All-Stars, Stevie Wonder („Uptight“, „Signed, Sealed, Delivered, I’m Yours“, „For Once in My Life“), und Gladys Knight and the Pips, neben vielen anderen. Motowns landesweiter Erfolg mit dieser Formel lag in der Fähigkeit seiner Musik, sowohl in der schwarzen als auch in der weißen Bevölkerung Anklang zu finden, und viele der oben genannten Hits erreichten in den 1960er Jahren sowohl die R&B- als auch die Pop-Charts. Von Anfang an verfolgte Gordy, ob aus kommerziellen Gründen oder aus anderen Gründen, einen integrativen Ansatz, und sein Erfolg führte dazu, dass die von Motown geschaffene Soul-Musik immer näher an den großen Pop-Bereich heranrückte.
Obwohl Gordys Formel für den größten Teil des Erfolgs von Motown verantwortlich war, begannen in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren einige seiner frühen Künstler, aus der Motown-Formel auszubrechen und musikalisch zu reifen, um ihren ganz persönlichen, unverwechselbaren Stil zu entwickeln. Die beiden prominentesten und einzigartigsten waren Marvin Gaye und Stevie Wonder. Gaye brach 1971 mit dem thematischen Album What’s Going On entscheidend aus der Motown-Formel aus: Sowohl der Titelsong als auch „What’s Happening Brother“ thematisierten den Krieg in Vietnam, „Mercy Mercy Me“ die Umwelt und „Inner City Blues“ die Krise in den amerikanischen Ghettos. In den frühen 1970er Jahren wurde Wonder mit einer Reihe wichtiger Alben, auf denen er alle Lieder schrieb und sang und die meisten Instrumente spielte, zu einer eigenständigen musikalischen Kraft. Mit Alben wie „Innervisions“, „Talking Book“, „Fulfillingness First Finale“, „Music of My Mind“ und seinem Doppelalbum „Songs in the Key of Life“ landete Wonder große Hits mit Songs wie „You Are the Sunshine of My Life“, „Isn’t She Lovely“, „I Wish“ und „Superstition“. Seine Lieder nahmen auch oft eine aktuelle Wendung, mit Liedern wie „Living for the City“ und „Village Ghetto Land“ über urbane Probleme und „Too High“ über Drogenabhängigkeit. „Higher Ground“ war eine Aufforderung zur Selbstermächtigung der Schwarzen, und „You Haven’t Done Nothin“ war eine umfassende Kritik an der weißen Machtstruktur. Die klassische Motown-Ära endete nach 1971, als Gordy das Unternehmen nach Los Angeles verlegte und die direkte Kontrolle über die Studioproduktion aufgab. Mit diesen Veränderungen löste sich der charakteristische Sound auf.
Wenn Atlantic und Motown den Soul im urbanen Norden definierten, so definierte Stax/Volt Records aus Memphis während seiner klassischen Periode von 1960-1968 praktisch den Southern Soul, einen Sound, der gleichzeitig entspannt und leicht und doch voller musikalischer Spannung war, der die Hörer nach mehr verlangte und der so leicht erkennbar wurde wie der Motown-Sound. Jim Stewart und seine Schwester Estelle Axton gründeten 1959 Satellite Records, das 1961 in Stax umbenannt wurde (Volt Records war eine spätere Tochtergesellschaft), und begannen mit der Aufnahme lokaler schwarzer Musiker, wobei sie schließlich ein Studio in einem alten Kino in Memphis, 926 E. McLemore Avenue, einrichteten. Zu den ersten Künstlern, die sie aufnahmen, gehörten der lokale DJ Rufus Thomas und seine Tochter Carla. Carla Thomas landete 1960 einen frühen Hit mit „Gee Whiz“, der sowohl in den R&B- als auch in den Pop-Charts die Top Ten erreichte. Der nächste Hit von Stax war „Last Night“, ein Instrumentalstück der Mar-Keys mit einer einzigartigen Kombination aus Orgel, Gitarre und Bläsern, die zum Markenzeichen des Stax/Volt-Sounds werden sollte. Obwohl Stax/Volt nicht ganz so straff geführt wurde wie Motown, wendeten sie einige der gleichen Techniken an. Die Instrumentalband Booker T. and the MGs wurde im Wesentlichen die Hausband von Stax und hatte zahlreiche eigene Hits wie „Green Onions“ und „Time Is Tight“. Stax profitierte auch von einer Kerngruppe von Songwritern und Produzenten, allen voran David Porter und Isaac Hayes, die viele der großen Stax-Hits schrieben, darunter „Hold On! I’m Comin“‚ und „Soul Man“ von Sam und Dave und „B-A-B-Y“ von Carla Thomas. Eine Reihe von Stax/Volt-Stars waren auch Songschreiber, darunter Eddie Floyd, der unter anderem seine eigenen Hits „Knock on Wood“ und „Raise Your Hand“ mitschrieb. Noch produktiver war der MG-Gitarrist Steve Cropper, der nicht nur auf vielen Stax/Volt-Platten Gitarre spielte, sondern auch viele Songs mit anderen Stax/Volt-Künstlern schrieb, darunter die meistverkaufte Stax/Volt-Single aller Zeiten, „(Sittin‘ on) The Dock of the Bay“, mit Otis Redding. Wie Aretha Franklin bei Atlantic war Redding bei weitem der größte Star von Stax/Volt und einer der markantesten Soulsänger aller Zeiten, mit einem kraftvollen, rauen, emotionalen Stil, der jeder Note eines Songs jedes bisschen Gefühl abzuringen schien. Redding war auch ein produktiver Songschreiber und hatte einige der größten Hits von Stax/Volt, darunter „Respect“, „Try a Little Tenderness“, „These Arms of Mine“, „Mr. Pitiful“, „The Happy Song (Dum-Dum)“ und buchstäblich Dutzende anderer, bevor er im Dezember 1967 bei einem Flugzeugabsturz ums Leben kam.
Stax/Volt machten nach dem Tod von Redding weiter, aber es war nie mehr ganz dasselbe. Trotz einer Reihe von Hits in den Jahren 1968 bis 1972 ging es mit der Auflösung von Booker T. Stax bergab. and the MGs und der Verlust der Vereinbarung mit Atlantic Records, die Atlantic seit Anfang der 1960er Jahre die Vertriebsrechte für die Aufnahmen von Stax übertragen hatte. Mit der Auflösung dieser Vereinbarung übernahm Atlantic die größten Verkaufsschlager von Stax, die Kataloge von Otis Redding und Sam and Dave, die in vielerlei Hinsicht das Herzstück des Stax/Volt-Imperiums waren. Diese Probleme untergruben langsam den unverkennbaren Stil von Stax, und das Unternehmen ging 1975 in Konkurs.
Während die Künstler von Atlantic, Motown und Stax/Volt viel dazu beitrugen, die Soulmusik in den 1960er Jahren zu definieren, kam der markanteste und vielleicht einflussreichste Innovator des Genres nicht von diesen drei Labels, sondern in der Person von James Brown aus Augusta, Georgia. Der 1933 geborene Brown trat Mitte der 1950er Jahre mit Hits wie „Please, Please, Please“ und „Try Me“ als früher R&B/Soul-Sänger hervor. In den frühen 1960er Jahren hatte er weitere Hits, aber seine Blütezeit kam erst später im Jahrzehnt, als er sich von den Standard-Soul-Formen abwandte und seine eigene Art von Soul/Funk entwickelte, einen härteren, intensiveren und kraftvolleren Sound, der in Songs wie „Cold Sweat“, „Papa’s Got a Brand New Bag“, „Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine“ und „I Got You (I Feel Good)“ zum Ausdruck kam. In der Blütezeit der Black-Power-Bewegung schrieb Brown auch kraftvolle Songs mit Aussagekraft, darunter „Say It Loud-I’m Black and I’m Proud“, „I Don’t Want Nobody to Give Me Nothing (Open Up the Door I’ll Get It Myself)“, „Get Up, Get into It, and Get Involved“ und „Soul Power“. Browns stilistische Innovationen in der Soulmusik beeinflussten sowohl die Entwicklung der Funkmusik in den 1970er Jahren als auch die der Rapmusik in den 1980er Jahren.
Obwohl große Soulkünstler wie Al Green, die Staple Singers, Curtis Mayfield, die bereits erwähnten Marvin Gaye und Stevie Wonder und viele andere weiterhin Soulmusik aufnahmen, endete die klassische Soul-Ära Mitte der 1970er Jahre, als sich die schwarze Musik in Stile wie Disco und Funk aufspaltete, bei denen Tanzrhythmen Vorrang vor ausgefeiltem Gesang und Songwriting hatten. Die großen Plattenfirmen, die eine wichtige Rolle für die Soulmusik gespielt hatten, hatten sich auch in andere Richtungen entwickelt. Atlantic wandte sich mehr den Rockmusikern zu, Motown zog nach Los Angeles und Stax/Volt zerfiel in finanziellen Schwierigkeiten. Was den Stil anbelangt, so verlor die Verbindung zur Gospelmusik, die ein solches Markenzeichen des Soul war, in der schwarzen Musik im Allgemeinen an Einfluss, und der Soul entwickelte sich zu einem homogeneren Sound, der als „urbane zeitgenössische“ Musik bekannt wurde.
-Timothy Berg
Weitere Lektüre:
George, Nelson. The Death of Rhythm and Blues. New York, Plume, 1988.
Guralnick, Peter. Sweet Soul Music: Rhythm and Blues and the Southern Dream of Freedom. New York, Harper & Row, 1986.
Haralambos, Michael. Right On: From Blues to Soul in Black America. New York, Drake Publishers, 1975.
Hirshey, Gerri. Nowhere to Run: The Story of Soul Music. New York, Times Books, 1984.
Miller, Jim, Herausgeber. The Rolling Stone Illustrated History of Rock & Roll. New York, Random House/Rolling Stone Press, 1980.
Shaw, Arnold. The World of Soul: Black America’s Contribution to the Pop Music Scene. New York, Cowles Book Company, 1970.
Szatmary, David P. Rockin‘ in Time: A Social History of Rock-and-Roll. Englewood Cliffs, N.J., Prentice Hall, 1991.
Verschiedene Künstler. Atlantic Rhythm and Blues: 1947-1974. Atlantic Recording Corporation, 1985.
Various Artists. Beg, Scream, and Shout! The Big Ol‘ Box of ’60s Soul. Rhino Records, 1997.
Various Artists. The Complete Stax/Volt Singles, 1959-1968. Atlantic Recording Corporation, 1991.
Various Artists. Hitsville U.S.A.: The Motown Singles Collection, 1959-1971. Motown Records, 1992.