Das geballte Talent der Davies-Brüder garantiert, dass jede Veröffentlichung, die als Kinks gebrandmarkt wird, es wert ist, gehört zu werden, und UK Jive aus dem Jahr 1989 bildet da keine Ausnahme. Tracks wie das hart treibende „Aggravation“ und das riff-rockende „Entertainment“ heben eine Sammlung von Songs hervor, die gegen das Vordringen der Technologie und die immer krasseren Variationen der modernen Medien wettern. Während die Texte größtenteils die patentierte Mischung aus schlauer Schmähung und heimatverbundener Menschlichkeit der Band beibehalten, sind die Melodien oft bedauerlich oberflächlich und die Produktion ein problematischer Kompromiss zwischen der für die Kinks typischen Spontaneität und den vorgeblich modernen Akzenten. Trotz alledem sind dies immer noch die Kinks, und es lohnt sich, das eine oder andere Mal vorbeizuschauen: Der Titeltrack hat viel Charme, ebenso wie Daves drogengeschwängerte Betrachtung existenzieller Ängste „Loony Balloon“.
Wie seine anderen späten Landsleute ist auch „Phobia“ von 1993 eine gemischte Angelegenheit, die weder die größten Erfolge der Gruppe diskreditiert noch einen bedeutenden Beitrag zu ihrem Gesamterbe leistet. Auf der Habenseite steht das sympathische, countryeske „Scattered“, das wie immer fröhlich und todesbesessen ist und mit seinem klassischen Refrain eine großartige Dave-Gitarre ergänzt. Auf der anderen Seite vergeudet das gemeinsam geschriebene „Drift Away“ eine ziemlich anständige Melodie mit der Art von bemerkenswert kunstloser Küchenproduktion, die zu oft ein verwirrendes Merkmal der Band in ihrer letzten Phase ist. Der Großteil von Phobia ist bewundernswert hart und kämpferisch für eine Gruppe, die schon immer für ihre Kampfeslust bekannt war, der es aber weitgehend an dem subtilen Humor und den Nuancen ihrer besten Arbeiten mangelt. Niemand hätte sich vorstellen können, dass sie so lange durchhalten würden, aber auf Phobia scheint das Ende des Weges in Sicht zu sein.
Sagen Sie, was Sie wollen über Ray Davies, er war nicht damit zufrieden, das Gras unter seinen Füßen in den 70ern wachsen zu lassen. Das zeigt sich am besten in Werken wie A Soap Opera, einem der beiden Konzeptalben, die die Kinks 1975 veröffentlichten. Die Geschichte hier ist den aktuellen Reality-Shows im Stil von „Ambush Makeover“ und „Self Improvement“ nicht ganz unähnlich: Der eingebildete Rockstar „Starmaker“, der sich selbst als „Schöpfer, Erfinder, Innovator, Zauberkünstler und Innenarchitekt“ bezeichnet, erklärt, er könne den gewöhnlichsten Mann der Welt in eine Berühmtheit verwandeln. Der besagte gewöhnliche Mann ist „Norman“, der ein langweiliges Leben mit seiner Frau „Andrea“ führt. Starmaker erklärt, dass er für ein paar Tage Normans Platz einnehmen wird, sagt Andrea, sie solle einfach cool bleiben und so tun, als sei alles wie immer, und am Ende dieser Zeit wird Norman ein großer Star sein. Die Dinge gehen von hier aus weiter und nicht alles läuft wie geplant. Was die Handlung angeht, ist sie nicht gerade hieb- und stichfest, aber man könnte über die schiere Lächerlichkeit des Ganzen hinwegsehen, wenn die Songs ein wenig besser wären. Leider ist das nicht der Fall.
Preservation Act war Rays übermäßig langwieriger Versuch, eine politische Rockoper zu schreiben, die lose auf den guten Leuten von Village Green basierte. Während der Konzeption, des Schreibens und der Aufnahme des zwei Alben umfassenden Monolithen geriet Rays Privatleben aus den Fugen, und er befand sich an einem seiner psychologisch am stärksten gestörten Punkte. Vielleicht erklärt dies zum Teil, warum er sich gezwungen fühlte, wieder in das fiktive Leben und die Charaktere des Village Green einzutauchen und ein wenig Raysplaining über das institutionelle Böse und die Korruption in der modernen Zeit zu betreiben. Die Platten erzählen die Geschichte eines Kampfes zwischen Mr. Flash, einem sparsamen, gutmütigen Kapitalisten mit einer Vorliebe für auffälligen Konsum, und Mr. Black, einem asketischen sozialistischen Diktator, der den Individualismus unterdrücken will. Irgendwo dazwischen steht der Tramp, ein mehr oder weniger unpolitischer Erzähler/eine Stimme der Vernunft von außen. Das ist alles sehr verwirrend. Preservation Act 2, der zweite Teil der Veröffentlichung, ist eine schwierige und aufgeblasene Angelegenheit. Es ist hauptsächlich Ray, der eine Reihe von Charakteren mit einer Handvoll theatralischer Stimmen spielt, was irgendwie lustig und beeindruckend ist, aber die Songs sind einfach nicht da.
Schoolboys In Disgrace war das zweite Konzeptalbum, das die Kinks 1975 veröffentlichten, geschrieben und produziert von Ray nach A Soap Opera. Die Liner Notes deuten darauf hin, dass Schoolboys ein Versuch ist, Preservation’s Mr. Flash eine Vorgeschichte zu geben, aber das Album vermittelt vor allem eine seltsame Kombination aus verschwommener Nostalgie für ihre Schulzeit und eine Auseinandersetzung mit Daves Rauswurf, nachdem er seine Freundin geschwängert hatte. Die Stücke, die sich stark auf musikalische Themen und Stile des 50er-Jahre-Rock und R&B stützen, sind durchweg gut, aber nicht großartig. Insgesamt fühlt sich die Platte wie eine Jukebox-Sammlung von Rays Einflüssen an, und man bekommt das überwältigende Gefühl, dass er zu diesem Zeitpunkt völlig abschweifend und besessen von seiner Welt der fiktionalisierten Charaktere war. Wenn man sich die Platte ohne Kontext anhört, ist das eine noch seltsamere, aber nicht ganz unbefriedigende Erfahrung.
Ausgehend von der tiefgreifenden wirtschaftlichen Misere in den letzten Tagen von Jimmy Carters Amtszeit ist Low Budget von 1979 nicht gerade ein Konzeptalbum, aber Ray spielt wieder mit einer übergreifenden Prämisse, die die Songs vereint. Das scheint ein vielversprechendes Thema zu sein, aber der größte Teil des Albums ist nicht besonders gut gealtert, weder in Bezug auf den Sound noch auf die Referenzpunkte. Der ziemlich gute Titelsong verwebt einige ironische Kommentare mit Daves düsterer Gitarre, wobei Ray eine gutmütige Anspielung auf seinen eigenen Ruf als notorischer Geizhals macht, während „Gallon Of Gas“ ein geradliniger zwölftaktiger Workout ist, der die Stärken der Band ausspielt und an Neil Youngs ähnlich gelagerten „Vampire Blues“ erinnert. „(Wish I Could Fly Like) Superman“ klingt mehr oder weniger wie Foreigner mit cleveren Texten, was nicht gerade eine Beleidigung ist, aber dennoch beunruhigend. Nachdem Ray Davies jahrelang einen möglichst kontraintuitiven Karriereweg eingeschlagen hatte, ist er nun bereit für seinen großen Auftritt und spielt mit der Branche, die er so oft verhöhnt. Der darauf folgende Erfolg der Band wäre wohlverdient, aber das seltsam käufliche Low Budget ist ein ungeschicktes Vehikel, um ihn zu erreichen.
Im Jahr 1986 waren die Davies-Brüder bereits über 40 und standen vor dem Rätsel, wie man in einem Genre, das sich an seiner Jugend gierig vergreift, würdevoll alt werden kann. Indem sie den Unterschied zwischen starken Texten und „zeitgenössischen Klängen“ effektiv aufspalteten, berührte Think Visual viele der langjährigen Themen der Kinks – insbesondere die Angst der Arbeiterklasse, die unkontrollierte Gier der Unternehmen und die krasse Modernität. „Video Shop“ ist ein angenehmes Konfekt, das die Verdrängung des gemeinsamen Kinoerlebnisses anprangert und gleichzeitig die Grenzen von Rays technikfeindlicher Weltsicht aufzeigt (die Kinder von heute werden sich vielleicht fragen, was zum Teufel der Video Shop überhaupt war). Noch effektiver ist das exzellente, synthiegetriebene „Killing Time“, eine erstklassige Ray-Kontemplation über Wohlstandsgefälle und die Monotonie des Arbeitsalltags, die in anderem Gewand auch bei den Muswell Hillbillies nicht fehl am Platz wäre. Sowohl in Bezug auf die Songs als auch auf den Klang ist Think Visual mit überraschender Anmut gealtert.
Nach dem unerwarteten Erfolg von „Come Dancing“, der ein kommerzielles Hoch auslöste, versuchten die Kinks, diesem Triumph mit einer ähnlich modern klingenden Sammlung von rauen und einsatzbereiten Liedern auf Word Of Mouth von 1984 zu folgen. Das Eröffnungsstück und die Leadsingle „Do It Again“ erreichte zwar nicht die kommerziellen Höhen von „Come Dancing“, ist aber auf seine Art und Weise fast genauso wundervoll, eine erneute Aussage über die Sisyphusarbeit, in der Ray die Folgen seines Workaholic-Daseins sowohl beklagt als auch abfeiert. Daves „Living On A Thin Line“ aktualisiert die Davies’sche Darstellung des Nachkriegs-Britanniens in all seinem sozialen und moralischen Verfall, während Rays kurioses, aber faszinierendes „Going Solo“ sowohl auf seine zerbrochene Beziehung zu Chrissie Hynde von den Pretenders als auch auf seine dunkelsten Ängste und Fantasien über die Trennung von der Band anspielt. Word Of Mouth ist kein Meisterwerk der Kinks, aber es ist ein reichhaltiges und faszinierendes Hörerlebnis, das den Eintrittspreis auf jeden Fall wert ist.
Nach dem manchmal erschöpfenden Andrang von immer ehrgeizigeren, immer weniger kommerziell tragfähigen Großproduktionen von Ray, kehrten die Kinks mit Sleepwalker (1977) in das Geschäft des geradlinigen Rock’n’Roll zurück und setzten damit einen späten Karriereschub in Gang, der ihnen die lange ersehnte Popularität in den Staaten einbrachte. Sleepwalker ist kein erstklassiges Kinks-Album, aber es macht Spaß zu hören, wie die Gruppe bei Titeln wie dem schlurfenden Opener „Life On The Road“ und dem stürmischen Rock’n’Roll-Verschnitt „Juke Box Music“ lockerer wird und ihre Muskeln spielen lässt. Wenn Ray als degenerierte Bedrohung im Titeltrack auch nicht gerade überzeugend klingt, so hört es sich doch zumindest so an, als habe er Spaß. Sleepwalker ist übergangsweise und oft unwesentlich, aber es stellt eine wichtige Abkehr von den übertrieben selbstbewussten Vorlieben dar, die die Kinks von einer großartigen Band in eine zutiefst schräge Ein-Mann-Revue zu verwandeln drohten.
Während das anfängliche Konzept von Preservation Act die Andeutungen einer großen sozialen Erzählung zu haben scheint, hängt es im Laufe seiner drei LPs nur zaghaft zusammen. Preservation Act 1 ist erfolgreicher als Act 2 – es ist kürzer, weniger plump und didaktisch, und die Songs sind viel stärker. „One Of The Survivors“ ist ein lustiger Rocker, der die Frage beantwortet, was aus Village Greens eigenem Johnny Thunder geworden ist (Antwort: Er ist fett geworden, aber er rockt immer noch), während das majestätische, orchestrale „Daylight“ einen temperamentvollen Überblick über das Village und seine verschiedenen Bewohner gibt. Einer der stärksten und schönsten Tracks auf der Platte ist „Sweet Lady Genevieve“, ein schmachtender Klagegesang, der an Ray Davies‘ entfremdete Frau geschrieben wurde und die gequälte Seele des Künstlers offenbart – ein schöner und roher Moment auf einem Album, das größtenteils aus breiter Theatralik und Zeichentrickfiguren besteht.
Der Gedanke, dass die Band sich für ein New Wave-Publikum neu erfinden sollte, schien seltsam und unwahrscheinlich, aber kein anderer bedeutender Künstler der 60er und 70er Jahre außer David Bowie war in der Lage, dieses Kunststück so gekonnt zu vollbringen wie die Kinks, indem sie Musik schufen, die sowohl ihrer Zeit entsprach als auch dem etablierten Standard der Band gerecht wurde. Auf State Of Confusion von 1983 sind die Davies Brothers nicht gewillt, sich leise in die gute Nacht zu verabschieden, zumindest nicht, ohne vorher noch einmal richtig Gas zu geben. In Anlehnung an Roxy Music, Madness und andere von ihnen beeinflusste Bands schufen die Kinks ein scharfes, bewegendes und dickhäutiges Album, das an das „We’re-Still-Here“-Meisterwerk „Some Girls“ ihrer alten Kollegen von den Stones erinnert.
Die Kinks, die nie für halbe Sachen zu haben waren, agieren mit dem wahnsinnigen Bombast des 1980er Hit-Doppel-Live-Sets völlig ohne Subtilität, behalten aber dennoch einen guten Teil ihres unnachahmlichen Charmes. Nach endlosen, quasi-ironischen Flirts mit dem Stadionrock geht die Band hier aufs Ganze und pumpt sowohl neues als auch altes Material zu geradezu lächerlichen Höhen des Arena-Pomps auf. Das soll nicht heißen, dass „One For The Road“ kein Erfolg ist – die Band klingt großartig, das Publikum ist begeistert, und die gesamte Atmosphäre ist die von siegreichen Helden, die einen längst verdienten Triumph in den Staaten feiern. Alte Standards wie „Victoria“ werden mit der gleichen Verve wie neuere Highlights wie „The Hard Way“ dargeboten, wobei der Nettoeffekt irgendwo zwischen krass und zeitlos liegt. One For The Road ist wohl die überzeugendste Zusammenfassung all der Dinge, die die Band bei ihrer Rückkehr zu kommerziellem Ruhm in den späten 70er Jahren sowohl richtig als auch falsch gemacht hat, und ein wichtiges historisches Dokument, das man sich auf jeden Fall zulegen sollte, wenn man in der Stimmung für ein altmodisches populistisches Mitsinglied ist.
Nach ein paar wilden Jahren, in denen sie sich mit Rays immer verwirrenderen Großprojekten abmühten, begannen die Kinks in den späten 1970er Jahren, sich wieder einem kommerzielleren Ansatz zuzuwenden. Nachdem die Band mit dem gaumenbereinigenden „Sleepwalker“ den Grundstein gelegt hatte, lieferte sie auf dem 1978er Album „Misfits“ eine Reihe zielgerichteter, prägnanter und häufig brillanter Stücke. Das seltsame, aber wunderbare „Rock And Roll Fantasy“ ist eines von Rays bewegendsten Bekenntnissen, während der Titeltrack an die Art von großartigen Soul-Balladen erinnert, die die Faces einst so glühend machten. Dave steuert die ergreifende spirituelle Kontemplation „Trust Your Heart“ bei, die die auffallende Melancholie des Albums unterstreicht und eine Art Antwort auf die verwundete Seelensuche seines Bruders zu sein scheint.
Gestaltet, um aus dem Erfolg der epochalen Single „You Really Got Me“ Kapital zu schlagen, und aufgefüllt mit Covers von Chuck Berry, Bo Diddley und anderen, ist das erste abendfüllende Album der Kinks eine angenehm schlampige Angelegenheit, die die latente Größe, die bald auftauchen sollte, nur andeutet. Im Großen und Ganzen gibt es hier nicht allzu viel, was die aufstrebenden Kinks von den Legionen britischer Bands unterscheidet, die 1964 ähnliche Bearbeitungen des amerikanischen R&B machten, aber wenn Ray auf der zweiten Seite unauffällig das klassische Original „Stop Your Sobbing“ einstreut, ist der Klang des langsam heranreifenden Genies unüberhörbar.
Auf dem angenehm ungestümen „Give The People What They Want“ aus dem Jahr 1981 versuchen die Kinks, den kommerziellen Boden zurückzugewinnen, den sie an Power-Pop-Nachfolger wie Cheap Trick und Van Halen verloren hatten, was ihnen auch weitgehend gelingt. Im Titeltrack, einer Art Meta-Kommentar zu den bescheidenen künstlerischen Ambitionen des Albums, das zweifellos über die Köpfe des Arena-Publikums hinwegging, für das es konzipiert wurde, hat Ray die Zunge fest im Mund. „Destroyer“ geht sogar noch einen Schritt weiter und recycelt bewusst das Riff von „All Day, And All Of The Night“ und verwandelt es sowohl in einen massiven kommerziellen Hit als auch in eine starke Demonstration des Selbsthasses. All das ist ein guter, giftiger Spaß, wie ihn nur die Kinks liefern können, aber der beste Moment ist immer noch, wenn Ray kurz seinen Giftstift bei „Better Things“ zückt, einem wunderschönen, klagenden Lied der müden Ermutigung, das zu den besten gehört, die er je geschrieben hat.
1965 ist eine bravouröse Sammlung von rauem Garagen- und Blues-Rock Kinda Kinks wäre eine spektakuläre Errungenschaft für so ziemlich jeden Künstler und leidet nur im Vergleich mit den späteren Ausbrüchen dieser Band an erstaunlicher Inspiration. Für sich genommen ist diese Ansammlung von treffsicheren Covers und fesselnden Eigenkompositionen (einschließlich Rays zeitlosem „Tired Of Waiting For You“) neben „Beatles For Sale“ und „Out Of Our Heads“ das beste Beispiel für eine großartige Band, die ihr Handwerkszeug beherrscht, bevor sie es völlig neu erfindet.
Das Studio-/Live-Album „Everybody’s In Show Biz“ von 1972, das oft als kleine Errungenschaft und Gegenstück zu den meisterhaften „Muswell Hillbilies“ angesehen wird, ist außerordentlich gut gealtert und stellt ein unschätzbares Dokument einer meisterhaften Band in ihrer lockersten und ungezwungensten Form dar. Voller ironischer Meditationen über das Leben auf der Straße, mit besonderem Augenmerk auf Snacks, erinnert diese seltsame, aber unbestreitbar großartige Sammlung von Liedern an das fröhliche Chaos der Basement Tapes von Bob Dylan und der Band, drei Jahre bevor diese Aufnahmen von 1967 offiziell veröffentlicht wurden. „Here Comes Another Day“ und Sitting In My Hotel Room“ sind klassische Geschichten über reiselustige Langeweile, während Celluloid Heroes“ Rays lebenslange Liebe zum Kino in ein grelles Licht rückt, wenn auch mit charakteristischer Ambivalenz. Bei den schrägen Live-Versionen der Hillbillies-Tracks „Alcohol“ und „Acute Schizophrenia Paranoid Blues“ läuft die Band zur Hochform auf, irgendwo zwischen einer Barrelhouse-Roots-Band und einem viktorianischen Vaudeville-Act angesiedelt. Everybody’s In Show Biz ist abwechselnd fröhlich, unausgegoren und heimtückisch ergreifend und voller zotteliger, witziger und rüpelhafter Musik von der Art, die auf den folgenden Kinks-Platten in den nächsten Jahren bald zu kurz kommen sollte.
Mit einigen der großartigsten Stücke aus dem beeindruckenden Davies-Katalog ist The Kink Kontroversy ein sprödes, bitterböses britisches Gegenstück zu der ausladenden Vermischung von Folk und elektrischem Blues, die Bob Dylan zur gleichen Zeit auf Bringing It All Back Home und Highway 61 Revisited darbot. Rays wachsende Ungeduld mit den Exzessen des Swinging London zeigt sich in den fröhlich-bratzigen Takedowns von „Dedicated Follower Of Fashion“ und „Where Have All The Good Times Gone?“, während der schwindelerregende Barrelhouse-Bounce von „It’s Too Late“ den New Orleans-Einfluss andeutet, der bald ein entscheidender Teil des sich entwickelnden Sounds der Band werden wird. Dennoch ist Kontroversy oft Daves Show, der dem wohl besten und innovativsten Gitarristen der Ära bei Stücken wie der definitiven, bedrohlichen Coverversion von Sleepy John Estes‘ „Milk Cow Blues“ und dem sofortigen Allzeit-Klassiker „To The End Of The Day“ breiten Raum lässt. Von „Kontroversy“ an sollte es fast ein Jahrzehnt dauern, bis die Kinks ein Album auf den Markt brachten, das alles andere als genial war.
Inmitten der außergewöhnlichen Flut großartiger britischer Musik im Jahr 1966, zu der auch Revolver von den Beatles, A Quick One von den Who und Aftermath von den Stones gehörten, hielten Ray und die Kinks mit dem außergewöhnlichen Face To Face mehr als nur den Hof, ein Non-Stop-Knaller von Garagen-Pop-Perlen, angereichert mit Davies‘ typisch bissigem sozialen Kommentar. Der Opener „Party Line“ ist eine brillant witzige Betrachtung von Rays immer weiter um sich greifender Paranoia, während das sardonische „Holiday In Waikiki“ „Safe European Home“ von Clash um mehr als ein Jahrzehnt vorwegnimmt. An anderer Stelle kommt die Beschäftigung der Band mit den Gefahren des auffälligen Konsums in „A House In The Country“ und „Most Exclusive Residence For Sale“ zum ersten Mal richtig zur Geltung. Obwohl die Kinks weniger bekannt sind als ihre berühmteren Zeitgenossen, sind sie auf Face To Face in einem Tempo am Schreiben und Innovieren, das selbst dem Lennon-McCartney-Moloch entspricht. Und dabei hatten sie gerade erst angefangen.
Auf ihrem dritten vollwertigen Konzeptalbum innerhalb von drei Jahren ziehen Ray und die Band die langen Messer gegen die Musikindustrie, die sie so lange ausgebeutet hatte, und das Ergebnis ist eine der emotional härtesten, rockigsten und erfolgreichsten Platten der langen Karriere der Kinks. Beginnend mit dem Proto-Pub-Rock-Ausraster „The Contenders“ und gipfelnd in dem resignierten persönlichen Mission Statement „Gotta Be Free“ ist Lola eine der ersten Platten, die die Kompromisse und Widersprüche des Lebens als Rockstar tiefgründig auslotet, und wohl immer noch die beste. Während der ironische, brillante Titelsong den Kinks ihren größten Hit seit Jahren bescherte, liegt das wahre Herz dieser wunderbaren, kuriosen Platte in Daves „Strangers“, einem hoch einsamen akustischen Lamento, das zu gleichen Teilen Ernest Tubbs und Alex Chilton ist. Rays bissiges, pissiges „Top Of The Pops“ strotzt geradezu vor Verachtung für seinen gewählten Beruf, während die verletzte Tapferkeit von „This Time Tomorrow“ das Dilemma des „geliebten Entertainers“ beleuchtet, der weiß, dass es zu spät ist, um jetzt aufzuhören. Als letzte der großen erzählerischen Platten der Kinks ist Lola eine enorme Leistung, voller Staunen, Bedauern und einem fast unerträglichen Maß an selbstbewusster Einsicht.
Bis 1971 hatten die Kinks unübertroffenes Talent und eine wandernde Muse dazu geführt, dass sie einen Sound entwickelten, der so einzigartig und berauschend war, dass er außerhalb des Zeit-Raum-Kontinuums zu existieren schien. Die äußerst eigenwillige und geniale Mischung aus Proto-Punk-Lockerheit und strengem Traditionalismus, die die brillanten Charakterzeichnungen der Muswell Hillbillies bevölkert, ist ohne Analogie. Zu gleichen Teilen aus Bolen und Bechet bestehend, ist es das ungeborene Bastardkind der amerikanischen und britischen Musikliebe, das auf Schritt und Tritt Züge beider Elternteile zeigt, ohne jemals zu verraten, wer der wahre Vater sein könnte. Vom fröhlich bedrohlichen Opener „20th Century Man“ über die morbide Burleske von „Alcohol“ bis hin zum alles nach Hause bringenden Rave des Titeltracks trifft diese erhabene Leistung nie einen falschen Ton. Als klassischer Soundtrack für Underdogs scheint Muswell Hillbillies anzuerkennen, dass die Massen immer ihre Beatles und Stones haben werden, auf denen sie sich austoben können. Für die Underdogs unter uns, nun ja, vielleicht sind wir ja alle Muswell Hillbillies Jungs.
Village Green stellt den entscheidenden Dreh- und Angelpunkt in der bemerkenswerten Entwicklung der Kinks dar und ist gleichzeitig der erste Hinweis auf die enormen Ambitionen von Ray Davies als Chronist des modernen englischen Lebens. In völliger Abkehr vom kulturellen Progressivismus der späten 60er Jahre sind Rays Versuche, den Geist der englischen Werte aus der Vorkriegszeit wieder in ein Glas mit Fassungsvermögen zu stopfen, abwechselnd bewegend, urkomisch und bissig. Der eröffnende Titeltrack und „Do You Remember Walter?“ sind bittere Pillen, die als Popkonfekt getarnt sind und vor Wut über die Unbekümmertheit ihrer Ausführung förmlich platzen. An anderer Stelle ist das Lightnin‘ Hopkins-Zitat „Last Of The Steam-Powered Trains“ eine Elegie auf das Überholte, und „Animal Farm“ deutet darauf hin, dass die Welt vielleicht ganz ohne Menschen besser dran wäre. Bei seiner Veröffentlichung weitgehend ignoriert, wurde Village Green zu Recht rehabilitiert und gilt heute als ein langlebiger und einflussreicher Pop-Klassiker. Die Kinks haben vielleicht bessere Platten gemacht, aber keine, die so spezifisch und vollständig umgesetzt wurde. Mit seiner seltsamen und unendlich fesselnden Mischung aus komödiantischer Unbekümmertheit und ohnmächtiger Wut ist Village Green so originell wie nur möglich und markiert die Trennlinie zwischen der Band als verlässlich brillanter Hitfabrik und Ray Davies als panoramisch begabtem genialen Schöpfer.
Der Titel Something Else beschreibt treffend die produktive Kapazität der Kinks sowie ihre kraftvollen Songwriting-Fähigkeiten im Jahr 1967 – einerseits brachten sie fast zweimal im Jahr Platten heraus, und so war dies nur eine weitere LP, die man auf den Stapel werfen konnte; andererseits ist dies ein fantastischer Hörgenuss der Superlative. Jeder Song funktioniert, vom treibenden Opener „David Watts“ bis zum überragenden Abschlusstrack „Waterloo Sunset“, dem nach eigener Aussage besten Kinks-Song und wohl einem der besten Songs, die je geschrieben wurden. Dave beweist sein Talent als Songwriter auch bei dem rootsigen, proto-alt-country „Death Of A Clown“, einem Highlight auf einem Album voller großartiger Tracks. Rays Talent für tiefgründige Erkundungen der ökonomischen Klasse in einem hochgradig gespaltenen Großbritannien zeigt sich in ausgefeilten Charakterstudien – seien es die Leute in „Harry Rag“, die einfach nur wollen, dass der Steuereintreiber ihnen genug von ihren hart verdienten Münzen übrig lässt, um Zigaretten zu kaufen, oder der verlorene und sehnsüchtige Cricket spielende Aristokrat, der nirgendwo hingehen kann, „now that labour’s in“, während seine Freundin ihre Tage auf einer Jacht in Griechenland verbringt. Für eine Band, die ursprünglich nur als eine weitere in einer langen Reihe von fabrikmäßig zusammengestellten Blues-Single-Maschinen angesehen wurde, stellt Something Else ein Beispiel dafür dar, wie Ray die zweieinhalbminütige Songform zu neuen Höhen des Einfallsreichtums führt. Er ist nicht gewillt, einfach nur ein weiterer Moptop-Mod in einer englischen Jagdjacke zu sein, sondern kündigt sich hier als eine bedeutende literarische Kraft an.
Rays Vorliebe für überdimensionierte, übermäßig ehrgeizige Rock’n’Roll-Erzählungen hat gelegentlich die besten Aspekte seines Songwriting-Genies untergraben und untergraben, aber wenn er die Balance zwischen Ehrgeiz und Ausführung richtig hinbekommt, können die Ergebnisse erstaunlich sein. Das ist bei Arthur der Fall, einem Songzyklus, der sich mit keinem geringeren Thema befasst als den psychologischen Auswirkungen der Erosion Großbritanniens als Weltmacht in der Nachkriegszeit und dem Verhältnis der Nation zu ihren verbliebenen Kolonien. Ja, es klingt eher wie ein politisches Papier als eine Rock’n’Roll-Platte, aber trotz aller Widrigkeiten ist das Endergebnis nichts weniger als aufregend. Vom zerklüfteten, gut gelaunten Stolzieren des klassischen Openers „Victoria“ über die atemberaubende, kaltblütige Betrachtung der höllischen Folgen des Krieges „Some Mother’s Son“ bis hin zum lieblichen, resignierten Höhepunkt von „Shangri-La“ ist dies der Sound einer großartigen Band, die auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte agiert. Indem er die heimatverbundenen Meditationen der Village Green Preservation Society verdoppelt, etabliert sich Ray hier als nichts Geringeres als ein entscheidender Historiker der britischen Erfahrung, der so etwas wie William Manchester mit den Faces im Rücken suggeriert. Andere mögen schwerfällige „Rock-Opern“ produziert haben, aber als ein Stück lebendiger Geschichte gibt es im Kanon des Rock’n’Roll nichts anderes als die einzigartige Brillanz von Arthur.