Was macht eine gute Fotografie aus?

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Die Erfindung der Daguerreotypie in den 1830er Jahren führte zur Veröffentlichung von Hunderten von Handbüchern, in denen beschrieben wurde, was ein gutes oder schlechtes Bild ausmacht. Diese Pamphlete, die eine starre fotografische Orthodoxie verbreiteten, beherrschten den Umgang mit dem Medium in den späten 1800er und frühen 1900er Jahren. Die Praktiker wurden dazu angehalten, technische Perfektion anzustreben und häufige Fehler wie Unschärfe und Solarisation zu vermeiden. Die daraus resultierenden Bilder zeigen eine idealisierte Version des Lebens – makellose Porträts und perfekt komponierte Landschaften -, die wiederum die Wahrnehmung der Welt durch die Betrachter beeinflussten.

Ab den 1920er Jahren begann sich dies jedoch zu ändern. Das Aufkommen der Moderne und die Anerkennung der Fotografie als eigenständige Kunstform führten zu einem wesentlich experimentelleren Ansatz. Der Fotograf, Kunsthändler und Verleger Alfred Stieglitz war eine wichtige Kraft in diesem Übergang. Er veröffentlichte einen manifesten Artikel mit dem Titel Twelve Random Don’ts (Zwölf zufällige Verbote), in dem er sich über die strengen fotografischen Vorschriften des vergangenen Jahrhunderts lustig machte. Stieglitz‘ Kommentar steht stellvertretend für den subversiven Ansatz vieler modernistischer Fotografen wie Man Ray und László Moholy-Nagy, die technische Fehler in ihrer kreativen Praxis aktiv einsetzten. Langsam begann das, was als „schlechte“ Fotografie angesehen wurde, das Medium zu prägen. Trotz der Entwicklung der digitalen Fotografie – und ihrer scheinbaren Fähigkeit, technische Fehler zu eliminieren – haben zeitgenössische Künstler weiterhin mit dem kreativen Potenzial von Fehlern experimentiert.

Die Relativität des Geschmacks und die Frage, was eine gute oder schlechte Fotografie ausmacht, stehen im Mittelpunkt der Ausstellung Don’t! Fotografie und die Kunst des Irrtums. Die von Clément Chéroux mit Unterstützung von Matthew Kluk und Sally Martin Katz kuratierte Schau zeigt, wie Fehler im Laufe der Zeit zu Erfolgen werden können; nichts ist endgültig und die Entwicklung der Kunst ist unvorhersehbar. Die Ausstellung ist um eine Reihe von technischen Fehlern herum aufgebaut. Fehler wie Solarisation und Doppelbelichtung werden erklärt und in Beziehung zu ikonischen Kunstwerken gesetzt, die sie definiert haben, um so die Vergänglichkeit von „guter“ und „schlechter“ Fotografie zu veranschaulichen.

BJP-Online sprach mit dem Kurator Clément Chéroux über die Bedeutung von Fehlern und die Komplexität, die mit der Zusammenstellung der Ausstellung verbunden ist.

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BJP-Online: Im Zeitalter der digitalen Fotografie könnte man sagen, dass sich in gewisser Weise der Kreis zum fotografischen Medium geschlossen hat – die digitale Fotografie ermöglicht es uns, Bilder ohne Fehler zu schaffen. Wie wichtig ist es, Fehler zu betrachten und darüber nachzudenken, wie das Machen von Fehlern in die heutigen kreativen Praktiken der Menschen einfließen kann?

Clément Chéroux: In der Ausstellung gibt es ein schönes Zitat von Diane Arbus, das lautet: „Es ist wichtig, schlechte Bilder zu machen.“ Das ist wichtig, denn wenn man keine schlechten Fotos macht, wird man auch keine guten Fotos machen. Das ist etwas, das für die Geschichte der Fotografie entscheidend ist. Die meisten der bedeutendsten Fotografen des 20. Jahrhunderts haben irgendwann in ihrer Karriere erkannt, dass sie Fehler machen. Aber sie haben verstanden, wie wichtig es ist, das zu tun.

Die Ausstellung basiert auf der Idee, dass ein Fehler ein Zugang zu etwas Neuem ist. Der Fehler offenbart etwas, worüber man vorher vielleicht nicht nachgedacht hat: eine neue Art, Fotos zu machen.

Ich interessiere mich auch sehr für die Bedeutung dessen, was wir „Serendipity“ nennen, was in der Wissenschaft und auch in der Küche sehr wichtig ist. Ich glaube, dass einige der besten Fotografen in der Geschichte der Fotografie diejenigen waren, die einen Fehler machten, aber diesen Fehler als etwas Interessantes erkannten, vielleicht interessanter als das, wonach sie suchten. Ich glaube wirklich, dass dies etwas ist, das für die Geschichte der Fotografie so entscheidend ist.

„Es ist wichtig, schlechte Bilder zu machen“

Diane Arbus

BJP-Online: Was sagt uns die Ausstellung über die Rolle, die der Geschmack bei der Entwicklung der Fotografie und der Kunst im Allgemeinen spielt? Was ein gutes Foto technisch ausmacht, steht oft im Gegensatz zu dem, was ein gutes Foto stilistisch ausmacht. Warum ist das Ihrer Meinung nach so?

Chéroux: Das ist ein sehr wichtiger Teil der Ausstellung. Man Ray sagte: „Die Tricks von heute sind die Wahrheiten von morgen.“ Es war wirklich wichtig zu zeigen, dass sich der Geschmack weiterentwickelt. Was für eine Generation ein vermeintlicher Fehler war, kann für die nächste Generation ein Erfolg oder ein interessanter ästhetischer Vorschlag sein. Ein Fehler von heute kann in der Zukunft interessant sein.

Bei der Fotografie weiß man das nie. Der Geschmack ändert sich ständig und entwickelt sich weiter. Zum Beispiel kann etwas, das in einem Amateurkontext als Fehler angesehen werden könnte, im Museum als großartige Fotografie gelten und umgekehrt. Es gibt also Verschiebungen, die von dem Kontext abhängen, in dem man das Foto betrachtet, aber auch von der Zeit.

Und das war ein zentraler Gedanke der Ausstellung: diese unterschiedlichen Herangehensweisen an die Fotografie zu zeigen – die normative Perspektive, die von Handbüchern vorgegeben wird, und die viel freiere Perspektive vieler Künstler.

BJP-Online: Am Ende des einführenden Ausstellungstextes schreiben Sie, dass: „Die Fehler von heute können die Erfolge von morgen sein“. Wie schätzen Sie die Entwicklung des fotografischen Geschmacks ein?

Chéroux: Es ist mir immer etwas peinlich, wenn man mich nach der Zukunft der Fotografie fragt, denn ich bin kein Wahrsager. Aber ich weiß, dass die Misserfolge der Vergangenheit sehr wichtig für zukünftige Fotografen waren. Wir sollten also heute vorsichtig sein mit dem, was wir als Fehler oder Unfall betrachten, denn man weiß nie, und vielleicht wird es in der Zukunft etwas Wichtiges werden.

Künstler interessieren sich bereits für die neue Art von Fehlern und Misserfolgen, die mit der Digitaltechnik entstanden sind. Zum Beispiel haben wir am Ende der Ausstellung eine Arbeit von Sarah Cwynar. Sie schuf diese Serie, in der sie Handbücher einscannte, die erklären, wie man ein gutes Foto macht. Während des Scanvorgangs bewegte sie das Buch im Scanner, so dass das Bild in gewisser Weise verzerrt wurde. Dies ist eine Reflexion über den digitalen gegenüber dem analogen Fehler, die auch visuell interessant ist.

„Die Tricks von heute sind die Wahrheiten von morgen“

Man Ray

BJP-Online: Es ist wirklich interessant, wie jede einzelne Tafel einen Fehler beschreibt und ihn dann in Bezug zu dem Künstler setzt, der diesen Fehler kreativ eingesetzt hat. Warum haben Sie sich entschieden, die Ausstellung auf diese Weise zu strukturieren?

Chéroux: Meine ursprüngliche Idee für die Ausstellung war es, sie in Bezug auf den Fehler des Subjekts, den Fehler der Technik und den Fehler des Fotografen zu strukturieren – sich der Frage der Fehler durch ihre verschiedenen Ursachen zu nähern. Aber ich entschied, dass dies zu komplex war. Also entschied ich mich für technische Fehler: Sonneneinstrahlung, Doppelbelichtung, Lichtlecks usw.

Für jeden Fehler gibt es eine Tafel, die in zwei Teile unterteilt ist. Im ersten Teil wird erklärt, worum es sich bei dem Fehler handelt, und im zweiten Teil wird erläutert, wie und warum sich der Künstler dafür interessiert hat. Es gibt also diese Art von doppeltem Ansatz, der technisch, aber auch kunsthistorisch orientiert ist.

BJP-Online: Was soll der Betrachter aus der Ausstellung mitnehmen?

Chéroux: Der Hauptgedanke der Ausstellung ist es, zu erklären, dass es nicht die Aufgabe eines Museums ist, zu definieren, was eine „gute“ Fotografie ist und was eine „schlechte“ Fotografie. Wie ich schon sagte, kann ein Foto an einem bestimmten Ort und zu einer bestimmten Zeit gut sein, und zehn oder zwanzig Jahre später, an einem anderen Ort, kann dasselbe Foto etwas ganz anderes sein.

Das Wichtigste für mich ist die Relativität des Geschmacks – die Tatsache, dass sich der Geschmack ständig weiterentwickelt und dass wir das berücksichtigen müssen.

Nicht! Photography and the Art of Mistakes ist bis zum 01. Dezember 2019 im SFMOMA, San Francisco, zu sehen.