Mikä tekee hyvän valokuvan?

Lukuaika: 6 minuuttia

Daguerrotyypin keksiminen 1830-luvulla johti satojen oppaiden julkaisemiseen, joissa kerrottiin yksityiskohtaisesti, mikä on hyvä tai huono kuva. Nämä pamfletit, jotka levittivät jäykkää valokuvauksen ortodoksisuutta, hallitsivat lähestymistapoja välineeseen koko 1800-luvun lopun ja 1900-luvun alun ajan. Valokuvaajia kannustettiin tavoittelemaan teknistä täydellisyyttä ja välttämään yleisiä virheitä, kuten epätarkkuutta ja solarisaatiota. Tuloksena syntyneet kuvat esittivät idealisoidun version elämästä – virheettömiä muotokuvia ja täydellisesti sommiteltuja maisemia – jotka puolestaan vaikuttivat katsojien käsityksiin maailmasta.

1920-luvulla tämä alkoi kuitenkin muuttua. Modernismin tulo ja valokuvauksen tunnustaminen omaksi taidemuodokseen saivat aikaan paljon kokeellisemman lähestymistavan. Valokuvaaja, taidekauppias ja kustantaja Alfred Stieglitz oli tärkeä voima tässä muutoksessa. Hän julkaisi kuuluisan manifestin kaltaisen artikkelin Twelve Random Don’ts (Kaksitoista satunnaista kieltoa), jonka tarkoituksena oli satiirisesti pilkata edellisen vuosisadan aikana asetettuja valokuvauksen tiukkoja sääntöjä. Stieglitzin kommentti kiteyttää monien modernististen valokuvaajien, kuten Man Rayn ja László Moholy-Nagyn, omaksuman kumouksellisen lähestymistavan, sillä he käyttivät aktiivisesti teknisiä virheitä luovassa toiminnassaan. Hitaasti se, mitä oli pidetty ”huonona” valokuvana, alkoi muokata valokuvausta. Huolimatta digitaalisen valokuvauksen kehityksestä – ja sen näennäisestä kyvystä eliminoida tekniset virheet – nykytaiteilijat ovat edelleen kokeilleet virheiden luovaa potentiaalia.

Makujen suhteellisuus ja se, mikä on hyvä tai huono valokuva, on SFMOMA:n näyttelyn Don’t! Photography and the Art of Mistakes. Clément Chéroux’n Matthew Klukin ja Sally Martin Katzin avustuksella kuratoima näyttely havainnollistaa, miten virheistä voi ajan myötä tulla onnistumisia; mikään ei ole lopullista ja taiteen kehitys on arvaamatonta. Näyttely rakentuu teknisten virheiden ympärille. Virheet, kuten solarisaatio ja kaksoisvalotus, selitetään ja asetetaan suhteessa ikonisiin taideteoksiin, joita ne tulivat määrittelemään, mikä havainnollistaa ”hyvän” ja ”huonon” valokuvauksen katoavaisuutta.

BJP-Online keskusteli kuraattori Clément Chéroux’n kanssa virheiden tekemisen merkityksestä ja näyttelyn kokoamiseen liittyvistä monimutkaisuuksista.

–

BJP-Online: Digitaalisen valokuvauksen aikakaudella voisi väittää, että valokuvausväline on tavallaan kiertänyt ympyrän – digitaalinen valokuvaus mahdollistaa virheettömien kuvien luomisen. Mikä merkitys on virheiden tarkastelemisella ja sen pohtimisella, miten virheiden tekeminen voi nykyään ruokkia ihmisten luovia käytäntöjä?

Clément Chéroux: Näyttelyssä on kaunis sitaatti Diane Arbusilta, joka kuuluu seuraavasti: ”On tärkeää ottaa huonoja kuvia”. Tämä on tärkeää, koska jos et tee yhtään huonoa valokuvaa, et myöskään tee yhtään hyvää valokuvaa. Tämä on valokuvauksen historian kannalta ratkaisevan tärkeää. Suurin osa 1900-luvun merkittävimmistä valokuvaajista myönsi jossain vaiheessa uraansa, että he tekivät virheitä. Mutta he ymmärsivät sen tärkeyden.

Näyttely on järjestetty sen ajatuksen ympärille, että virhe on portti johonkin uuteen. Virhe paljastaa jotain, mitä ei ehkä ole ajatellut aiemmin: uuden tavan tehdä valokuvia.

Olen myös hyvin kiinnostunut sen merkityksestä, mitä kutsumme serendipiteetiksi, joka on ollut hyvin tärkeää tieteessä ja myös ruoanlaitossa. Uskon, että jotkut valokuvauksen historian parhaista valokuvaajista olivat niitä, jotka tekivät virheen, mutta tunnistivat tuon virheen joksikin mielenkiintoiseksi, ja ehkä mielenkiintoisemmaksi kuin se, mitä he olivat etsimässä. Uskon todella, että tämä on valokuvauksen historian kannalta ratkaisevan tärkeää.

”On tärkeää ottaa huonoja kuvia”

Diane Arbus

BJP-Online: Mitä näyttely kertoo siitä, millainen rooli maulla on valokuvauksen ja laajemminkin taiteen kehityskaaren määrittelyssä? Se, mikä on hyvä valokuva teknisesti, on usein ristiriidassa sen kanssa, mikä on hyvä valokuva tyylillisesti. Miksi luulet, että näin on?

Chéroux: Se on hyvin tärkeä osa näyttelyä. Man Ray sanoi: ”Tämän päivän temput ovat huomisen totuuksia.” Oli todella tärkeää osoittaa, että maku kehittyy. Se, mikä yhdelle sukupolvelle oli oletettavasti virhe, saattoi tulla menestykseksi tai kiinnostavaksi esteettiseksi ehdotukseksi seuraavalle sukupolvelle. Tämän päivän virhe voi olla mielenkiintoinen tulevaisuudessa.

Valokuvauksen kohdalla emme koskaan tiedä. Maku muuttuu ja kehittyy jatkuvasti. Esimerkiksi jotain, jota amatöörikontekstissa saatetaan pitää virheenä, saatetaan pitää loistavana valokuvana museossa, ja päinvastoin. On siis siirtymiä, jotka riippuvat kontekstista, jossa valokuvaa katsotaan, mutta myös ajasta.

Ja tämä olikin näyttelyn keskeinen ajatus: näyttää nämä erilaiset lähestymistavat valokuvaukseen – käsikirjojen selostama normatiivinen näkökulma ja monien taiteilijoiden paljon vapaampi näkökulma.

BJP-Online: Näyttelyn esittelytekstin lopussa kirjoitat, että: ”tämän päivän virheet voivat olla huomisen onnistumisia”. Miten ennustat valokuvausmaun kehittyvän?

Chéroux: Olen aina aika hämmentynyt, kun minulta kysytään valokuvauksen tulevaisuudesta, koska en ole ennustaja. Mutta tiedän, että menneisyyden epäonnistumiset ovat olleet hyvin tärkeitä tulevaisuuden valokuvaajille. Meidän pitäisi siis olla nykyään varovaisia sen suhteen, mitä pidämme virheenä tai onnettomuutena, koska emme voi koskaan tietää, ja ehkä siitä tulee tulevaisuudessa jotain tärkeää.

Taiteilijat ovat jo nyt kiinnostuneita uudenlaisista virheistä ja epäonnistumisista, joita digitaalitekniikan myötä on syntynyt. Esimerkiksi näyttelyn lopussa on Sarah Cwynarin teos. Hän loi sarjan, jossa hän skannasi käsikirjoja, joissa selitetään, miten saada aikaan hyvä valokuva. Skannausprosessin aikana hän siirsi kirjaa skannerissa, joten kuva vääristyy. Tämä on pohdintaa digitaalisesta ja analogisesta virheestä, mikä on myös visuaalisesti mielenkiintoista.

”Tämän päivän temput ovat huomisen totuuksia”

Man Ray

BJP-Online: On todella mielenkiintoista, miten kukin yksittäinen paneeli kuvaa virhettä ja asemoi sen sitten suhteessa taiteilijaan, joka on käyttänyt kyseistä virhettä luovasti. Miksi päätit jäsentää näyttelyn tällä tavoin?

Chéroux: Alkuperäinen ajatukseni oli jäsentää näyttely aiheen virheen, tekniikan virheen ja valokuvaajan virheen mukaan – lähestyä kysymystä virheistä niiden eri syiden kautta. Päätin kuitenkin, että tämä oli liian monimutkaista. Niinpä päädyin teknisiin virheisiin: solarisaatio, kaksoisvalotus, valovuodot jne.

Kutakin virhettä varten meillä on paneeli, joka on jaettu kahteen osaan. Ensimmäisessä osassa kerrotaan, mikä virhe on, ja toisessa osassa kerrotaan, miten ja miksi taiteilija oli kiinnostunut virheestä. Kyseessä on siis eräänlainen kaksitahoinen lähestymistapa, joka on tekninen mutta myös taidehistoriallisesti orientoitunut.

BJP-Online: Mitä haluatte katsojien ottavan näyttelystä irti? Miten haluat sen vaikuttavan siihen, miten he suhtautuvat valokuvaukseen?

Chéroux: Näyttelyn pääajatuksena on selittää, että museon tehtävänä ei ole määritellä, mikä on ”hyvä” ja mikä ”huono” valokuva. Kuten sanoin aiemmin, valokuva voi olla hyvä tietyssä paikassa ja tiettyyn aikaan, ja kymmenen tai kaksikymmentä vuotta myöhemmin, toisessa paikassa, sama valokuva voi olla jotain aivan muuta.

Tärkeintä minulle on maun suhteellisuus – se, että maku kehittyy jatkuvasti ja että se on otettava huomioon.

Ei! Photography and the Art of Mistakes on esillä SFMOMA:ssa San Franciscossa 01.12.2019 asti.