Les avant-gardes historiques ont mis le feu à l’histoire de l’art du début du 20e siècle. La critique de la performance de RoseLee Goldberg relie clairement les expériences du Futurisme, du Constructivisme, de Dada, du Bauhaus puis du Surréalisme à l’origine de l’histoire de l’Art Performance au 20ème siècle. Dans cet article, je reprends une brève histoire de l’art performance.
La naissance de l’art performance
Au cours du siècle dernier, le corps de l’artiste et son action acquièrent un rôle central dans la pratique de l’art vivant, trouvant progressivement son propre vocabulaire dans le terme performance. La relation en direct entre l’artiste, le spectacle vivant et le public, ainsi que les institutions qui accueillent l’action, n’est pas nouvelle dans l’histoire de l’art, mais peut être retracée depuis les histoires autour du feu de nos ancêtres, en passant par les rhapsodes et le théâtre grec, par les jeux médiévaux, le théâtre de la Renaissance et du Baroque, l’Opéra, jusqu’aux événements futuristes et les cabarets Dada. Au cours du XXe siècle, le performeur ne représente plus les mythes des dieux, un masque ou un personnage, mais il est l’artiste et la performance établit sa présence au sein de la société.
Pour Goldberg, la performance, par sa nature même, échappe à une définition précise autre que la simple description qu’il en donne dans son essai : » l’art en direct par des artistes « . Pour Marina Abramovic, la performance se démarque de la représentation typiquement théâtrale : « le seul théâtre que je fais est le mien, ma vie est la seule que je puisse jouer ». Mais pour l’artiste elle-même, cette déclaration n’implique pas que la performance rejette le théâtre comme espace pour ses propres actions, au contraire, RoseLee Goldberg souligne comment elle a influencé le renouvellement du langage théâtral lui-même. Pour les critiques d’origine sud-africaine, la performance tend à être une expression visuelle qui ne nécessite pas de traduction et se concentre sur le corps ; elle utilise les technologies les plus modernes, a une vocation pour les gestes éphémères et universels, a une durée courte ou très longue et construit des iconographies très complexes, allant de la critique sociale aux rituels anciens, des éléments autobiographiques à la critique métartistique.
L’art de la performance : des Futuristes au Black Mountain College
Goldberg a publié l’une des premières études sur l’histoire de l’art de la performance en 1979, alors que le reste des critiques d’art avait commencé à reconnaître la performance non pas comme une expression artistique intermittente, mais comme une expression tangible des réflexions de l’art conceptuel. Dans son essai, il fait remonter les racines de l’histoire de la performance au XXe siècle aux cercles où les artistes d’avant-garde expérimentaient les idées de leurs propres affiches avant de créer leurs expressions visuelles par la peinture ou la sculpture, comme le Cabaret Voltaire à Zurich. La ferveur du futurisme devrait donc être les premières étincelles de la performance du XXe siècle, passant de l’Europe aux États-Unis par le biais d’artistes cherchant à se mettre à l’abri de la guerre.
Depuis les années 1940, au Black Mountain College, John Cage et Merce Cunnigham étudient les notions de hasard et d’indétermination, créant une musique non intentionnelle et une nouvelle pratique de la danse, sympathisant avec la philosophie zen orientale et élaborant leurs réflexions sur l’aube de la performance. « L’art ne doit pas être distingué de la vie, mais doit être une action en son sein. Comme tout ce qui se passe dans son cours, avec ses accidents accidentels, sa complexité, son désordre et ses rares moments de beauté » reflète Cage, qui en 1952 a présenté son célèbre 4’33 », sans produire aucun son sur le piano et en laissant le public écouter les bruits produits par l’environnement. En référence à cet événement, Cage déclare « mon morceau préféré est celui que j’écoute toujours tout autour de moi quand tout est calme ».
La grande saison de l’art performance entre les années 50 et 60
Durant les années 50, les cours de John Cage sont fréquentés, entre autres artistes, par Allan Kaprow, George Brecht, Dick Higgins, George Segal, Jim Dine, Claes Oldernburg et Robert Rauchenberg. En 1959, Kaprow donne vie aux 18 Happenings in 6 Parts, qui auraient probablement inspiré les diverses actions du groupe d’artistes étiqueté sous le nom de Fluxus par le critique George Macunias au début des années soixante et pas seulement aux États-Unis. En 1954, au Japon, le groupe Gutai réalise une série d’actions dont les artistes brisent les toiles et peignent directement avec le corps ; entre la fin des années 1950 et le début des années 1960, en Europe, Yves Klein et Piero Manzoni proposent également des actions visant à empêcher la relégation de l’art dans les galeries ou les musées, les membres de l’Actionnisme viennois réalisent leurs performances sanglantes et d’autres artistes tels que Jackson Pollok et Nam June Paik expérimentent également l’action du corps dans leurs pratiques artistiques respectives. De plus, les actions de ces années ne sont pas seulement réalisées par des artistes masculins : outre Atsuko Tanaka du groupe Gutai, en 1961, Niki de Saint-Phalle présente ses peintures de coups de feu, en 1963 Carolee Schneeman réalise la fameuse action Eye Body et l’année suivante Meat Joy, en 1965 Shigeko Kubota se produit avec Vagina Painting à New York, établissant immédiatement la présence des femmes dans la pratique de la performance.
Les mouvements étudiants de 1968 ont marqué l’arrivée des années 1970, qui ont conduit à la reconnaissance définitive de la performance au sein de l’histoire de l’art.
Dans ces années, le corps et la présence de l’artiste, ainsi que l’expérience de l’art simultanément avec le public, ont assumé un rôle central pour la performance et certains artistes se sont consacrés entièrement à la performance. Les actions de ces performeurs étaient également très différentes : elles pouvaient être courtes ou longues ; elles pouvaient être intimes, ou agir à grande échelle ; elles pouvaient être programmées ou improvisées ; elles pouvaient être autobiographiques ou choquantes, ésotériques ou satiriques ; elles pouvaient traiter de la critique sociale, parler des groupes marginalisés, de la diversité, ou de l’art lui-même, de la relation avec son marché et de la relation entre l’artiste et le public.
L’art de la performance entre le 20e et le 21e siècle
La performance est donc une expression artistique complexe, qui peine à se reconnaître dans une définition plus large que celle fournie par Goldberg. Ma recherche considère la performance du 20ème siècle comme une expérience dans laquelle le performeur est l’artiste qui établit sa présence au sein de la société. Pour les critiques de performance, lorsqu’au début du 21e siècle le musée devient également un lieu de divertissement, la performance devient une occasion de rencontre directe avec l’artiste et une occasion de conversation sur le rôle de l’art dans le monde. A la fin de la première décennie de notre siècle, l’exposition 2009 au MoMA 100 Years of Performance Art montre sur une centaine de moniteurs l’histoire de la performance depuis le Manifeste Futuriste de 1909, témoignant du rôle de la performance dans l’histoire de l’art du siècle précédent, et la rétrospective 2010 de Marina Abramovic The Artist Is Present au même musée confirme la centralité de la présence de l’artiste dans l’art contemporain. Une présence toujours complexe dans sa relation avec le public, les institutions et son marché.
A l’approche des années 1920, la performance continue d’être une expression utilisée par les artistes pour étudier les relations complexes entre la pratique artistique, ceux qui y participent et la vie quotidienne, en abordant des questions centrales dans le débat international à travers des actions qui continuent encore à être non conventionnelles et anarchiques. L’attention sociale constante de la performance semble maintenir vivante la recherche sur la relation entre la pratique artistique et la vie quotidienne.
Thornton S., 33 artistes en 3 actes, Feltrinelli, 2015.
Le Cabaret Voltaire à partir du 5 février 1916 a commencé à accueillir les poèmes et les interventions de certains des artistes les plus influents de l’époque comme Kandinsky, Lichtenstein, Arp et Tzara.
Cage J., Notations, New York, 1969.
Kaprow A., Assemblage, Environnements & Happenings, New York, 1966.
Jones A., Body Art : Performing the Subject, Minnesota University Press, 1998.
C’est précisément dans les années 1970 que certains artistes ont commencé à se consacrer méthodiquement à la performance, parmi lesquels : Marina Abramovic, Bruce Nauman, Gina Pane, Gilbert&George, Vito Acconci, Joan Jonas, Chris Burden et Ana Mendieta.
Goldberg R., The First Decade of the New Century 2001 to 2010, in Performance Art. From Futurism to Present, Thames&Hudson, édition 2011.
MOMA, Marina Abramovic : The Artist is Present, Exh.Cat. 2010.