Littérature américaine-Littérature moderniste américaine : 1915-1945

Littérature américaine 1915-1945

Dates historiques importantes :

1914 : Début de la Première Guerre mondiale (assassinat de l’archiduc Ferdinand)
1917 : La révolution russe éclate ; les États-Unis entrent dans la Première Guerre mondiale
1918 : Armistice déclaré dans la Première Guerre mondiale (arrêt des combats)
1920 : Le 19e amendement de la Constitution donne le droit de vote aux femmes ; le 18e amendement interdisant la fabrication, la vente et l’importation de boissons alcoolisées entre en vigueur (Prohibition)
1925 : Procès Scopes Tennessee Evolution (débat pour savoir si les écoles peuvent enseigner l’évolution).
1927 : Charles Lindbergh traverse l’Atlantique en solitaire
1929 : Le marché boursier s’effondre, marquant le début de la Grande Dépression
1933 : Abrogation de la prohibition
1936 : Début de la guerre civile espagnole
1939 : Hitler envahit la Tchécoslovaquie et la Pologne (début de la Seconde Guerre mondiale)
1941 : Le Japon attaque Pearl Harbor (début de la participation des États-Unis à la Seconde Guerre mondiale)
1945 : L’Allemagne et le Japon capitulent ; fin de la Seconde Guerre mondiale.

Littérature américaine de 1914-1945 : Quelques faits saillants

La première moitié du vingtième siècle est une période extrêmement riche pour les lettres américaines. Ce que j’énumère ici ne fera qu’effleurer la surface. Mais j’ai essayé d’inclure un échantillon des œuvres les plus célèbres et les plus caractéristiques des écrivains les plus discutés, un excellent début pour quiconque veut saisir la saveur de la littérature moderniste américaine.

Pour une introduction aux caractéristiques de la littérature moderniste américaine, voir ce post.

Poésie

Vous pouvez trouver la plupart de ces poèmes en ligne à lire gratuitement. Essayez de faire des recherches sur Poetryfoundation.org et Poets.org pour trouver et vérifier les titres.

Edgar Lee Masters. Anthologie de Spoon River (1915)

Cette œuvre est une série de courts poèmes en vers libres écrits du point de vue de divers habitants de la petite ville de Spoon River, dans le Midwest. Le piège : tous les locuteurs des poèmes sont morts. En quelques lignes seulement, Masters montre comment chaque individu résumerait sa vie, révélant les péchés, les peines et les frustrations qu’il cachait aux autres de son vivant.

La plupart des personnages sont basés sur des personnes réelles que Masters connaissait à Lewistown, dans l’Illinois, où il a grandi. Il n’est pas surprenant que les habitants aient interdit le livre lorsque Masters l’a publié, mécontents du portrait cynique que Spoon River dressait de personnes qu’ils reconnaissaient, sans parler de sa vision jaunâtre de la vie dans les petites villes. De nos jours, cependant, selon un article paru dans le magazine Humanities, Lewistown célèbre l’œuvre écrite par son célèbre résident. Vous pouvez lire comment Lewistown célèbre Spoon River ici.

Et en effet, pour les amateurs de modernisme, Spoon River est quelque chose à célébrer, puisqu’elle a inspiré de nombreuses œuvres à venir, dont Winesburg, Ohio de Sherwood Anderson. Cette œuvre capture également la vie malheureuse exiguë des Américains des petites villes, mais sous forme de fiction plutôt que de poésie.

L’œuvre de Masters était la préférée de beaucoup de mes étudiants. Je pense que vous aimerez échantillonner quelques-uns des nombreux poèmes du volume.

Ezra Pound, Diverses œuvres (listées ci-dessous).

Ezra Pound est maintenant aussi célèbre pour son fascisme que pour sa poésie. En tant que partisan de Mussolini pendant la Seconde Guerre mondiale, il a été emprisonné en 1945 par des soldats américains, puis confiné à l’hôpital pour aliénés St. Elizabeth à Washington DC jusqu’en 1958.

On peut être en désaccord véhément avec la politique de Pound, comme je le fais, et pourtant reconnaître une grande dette envers lui pour avoir aidé à développer les principes esthétiques étonnamment nouveaux qui ont conduit à une révolution dans l’écriture de la poésie au 20ème siècle. Au-delà de ses théories, Pound a activement soutenu nombre des plus grands écrivains américains modernistes du XXe siècle, dont T. S. Eliot, Robert Frost, Williams, H.D., Hemingway et Moore. Pour un échantillon de son propre travail, voir ce qui suit :

« A Retrospect » et « A Few Don’ts » (1918, 1913)

Ces deux brefs extraits de ses écrits résument les principes qui, selon lui et ses collègues, devraient régir un nouveau type de poésie adapté à l’ère moderne. Vous pouvez lire « A Retrospect » et « A Few Don’ts » ici.

« Dans une station du métro » (un poème imagiste, 1913).

Cette série de poèmes partage l’un des thèmes favoris de Pound : Les Américains ne sont pas assez raffinés ou éduqués pour apprécier le grand art. « Un pacte » explique sa querelle de longue date avec Walt Whitman, qui célébrait la démocratie et écrivait sur, et pour, le commun des mortels, à l’opposé de ce en quoi Pound croyait.

« Portrait d’une femme » (1912).
Dans ce poème, une femme est critiquée pour son manque de pensées originales, témoignant du culte du moderniste pour l’originalité et l’authenticité tant dans le caractère que dans l’esprit.

T. S. Eliot. « Le chant d’amour de J. Alfred Prufrock », (1915) ; « Les hommes creux », (1925) ; The Waste Land (1922) ; « Burnt Norton », 1936.

Pour la quintessence de l’expression du haut modernisme de l’angoisse du XXe siècle, il faut se tourner vers le poète T. S. Eliot. Dans les deux premiers poèmes célèbres et assez accessibles énumérés ici, Eliot explore le peu de sens de la vie humaine, en particulier dans la nouvelle culture mécanisée impersonnelle du début du 20e siècle. Vous voulez aller plus loin ? Dirigez-vous ensuite vers LE poème phare du haut modernisme littéraire, The Waste Land. En plus d’une dose de confusion moderniste angoissée, Eliot nous donne également certaines des images les plus inoubliables et des sons les plus beaux et les plus musicaux de tous les poèmes jamais écrits, qui valent la peine d’être vécus même si sa vision de la vie vous dérange.

Plus tard dans sa vie, Eliot s’est détourné de cette vision de la réalité comme un flux de sensations sans signification pour se tourner vers l’idée qu’au sein de l’interminable parade de changements du temps, les gens peuvent effectivement percevoir une réalité éternelle significative, ou Logos, une bonté durable sous les réalités de surface. Il explore cette idée dans « Burnt Norton ».

H.D. (Hilda Doolittle). « Mid-Day, » (1916) ; « Oread, » (1914) ; « Leda, » (1919) ; « Helen, » (1924)

Auparavant sa petite amie puis plus tard membre du cercle littéraire d’Ezra Pound, H.D. s’est efforcée de mettre en pratique nombre de ses préceptes pour écrire de la poésie moderne. Elle est devenue l’un des écrivains imagistes les plus accomplis et les plus reconnus. Dans les poèmes imagistes, les émotions sont transmises au moyen d’images vivantes, sans longues explications verbales ni langage abstrait. Ce bref échantillon des œuvres de H.D. vous présente quelques-uns des plus célèbres poèmes imagistes de l’époque. Ces œuvres illustrent également l’intérêt des modernistes pour la mythologie classique.

Autre praticien de l’Imagisme, Lowell a défendu cette méthode d’écriture de la poésie à travers son œuvre et en donnant des conférences sur la méthode imagiste d’écriture de la poésie. Elle est devenue si célèbre pour ses idées qu’Ezra Pound a commencé à appeler l’Imagisme « Amy-gism ». Je trouve ses poèmes charmants, moins impénétrables que certains autres travaux de haute modernité. Dans cet échantillon, on peut aussi voir clairement le féminisme de Lowell.

Très jeune, je ne voyais pas grand-chose à admirer dans l’œuvre de Williams, qui est écrite dans le langage le plus simple possible, en se concentrant sur les objets les plus banals et les plus ordinaires, comme les chariots rouges, les prunes dans un bol et la carotte sauvage qui germe dans un champ. Mais maintenant que je comprends ses objectifs esthétiques et que j’ai fait l’expérience de ce qu’est réellement la vie, j’adore son œuvre !

Dans son livre Spring and All publié en 1923, Williams soutient que la poésie de style ancien ne sert qu’à éloigner les gens d’une expérience directe de la vie réelle. La poésie ancienne perpétue ce qu’il appelle « la belle illusion », des fantasmes abstraits sur le sens de la vie qui maintiennent les expériences authentiques réelles à distance des lecteurs.

Son propre travail, d’autre part, utilise l’Imagination pour s’amener, et donc les lecteurs, à voir et à vivre pleinement le moment exact qu’ils vivent : « Pour affiner, clarifier, intensifier ce moment éternel dans lequel nous sommes les seuls à vivre, il n’y a qu’une seule force – l’imagination. » Cette quête poétique semble prémonitoire aujourd’hui, alors que la science médicale nous a montré tous les avantages de la « Mindfulness », un ensemble de pratiques pour aider les gens à être pleinement présents dans le « maintenant », en acceptant les impressions sensorielles, les émotions et les pensées de chaque instant immédiat.

Williams a repoussé ses amis du Haut Modernisme, Pound et Eliot, lorsqu’ils ont critiqué les Américains pour être des lecteurs ou des sujets inaptes à la grande poésie. Comme Walt Whitman, Pound trouvait que le quotidien était le matériau le plus magnifique pour la poésie, et les Américains son public favori.

« Spring and All » (le poème) est la réponse de Williams à The Waste Land d’Eliot, qui pleure la mort de la culture occidentale. La réponse de Williams au point de vue de The Waste Land est que la culture n’est pas morte, elle ne fait que dormir et se développer, tout comme les plantes hibernent en hiver, mais sont toujours en train de renaître.

La plupart de mes étudiants ont vraiment aimé lire Williams. Essayez-en pour vous-même, en abordant chaque œuvre avec un esprit ouvert et présent.

Tout le monde a entendu parler de Robert Frost, et la plupart ont lu certaines de ses œuvres quelque part sur leur chemin. Beaucoup de ses poèmes sont écrits dans des formes traditionnelles, comme les vers blancs (5 unités iambiques qui ne riment pas, comme les pièces de Shakespeare), ou la forme du sonnet, ou d’autres types de poèmes structurés de façon traditionnelle. Le langage est simple et clair. Les sujets portent sur le monde quotidien, en particulier les gens et les choses autour de la ferme de Frost dans le New Hampshire, où il a vécu de 1901 à 2009.

Cependant, ne supposez pas, d’après la surface simple et « démodée » de sa poésie, que Frost n’est pas un moderniste complet. Le thème de presque tous les poèmes est notre manque constant de certitude quant aux vérités ultimes, malgré notre tendance humaine à sauter sur des platitudes et des explications faciles pour tous les phénomènes de la vie.

Dans « The Road Not Taken », par exemple, le locuteur prétend que sa vie a changé parce qu’il a choisi de suivre le chemin que très peu de gens ont emprunté – « le chemin le moins fréquenté ». Mais ce que le poème dit en réalité, c’est que les chemins étaient, en réalité, presque exactement les mêmes – aucun n’avait été plus emprunté que l’autre. Et bien que le locuteur sache qu’à l’avenir il prétendra aux gens que son choix d’un chemin a été significatif dans sa vie, il n’y a aucun moyen de savoir si son choix a fait une quelconque différence. La certitude est recherchée mais minée par la nébulosité de la vie et du hasard – un thème commun à de nombreux poèmes de Frost.

Approchez les poèmes de Frost avec l’idée que, d’une manière ou d’une autre, la plupart remettent en question la certitude humaine, et vous verrez peut-être un nouveau Robert Frost que vous n’avez pas remarqué auparavant.

Claude McKay, « If We Must Die » (1919) ; « America » (1921).

Né en Jamaïque, Claude McKay est venu en Amérique en 1912 dans sa jeunesse, et a fini par publier des poèmes sur l’expérience d’être Noir en Amérique pendant les premières années du 20e siècle. « Si nous devons mourir », ainsi que son recueil de poèmes Harlem Shadows de 1922, est considéré comme ayant lancé la Renaissance de Harlem en littérature, qui fut un épanouissement de l’expression littéraire des écrivains afro-américains dans les années 1920 et 1930. Comme McKay le fait dans ces deux poèmes, de nombreux écrivains de la Renaissance de Harlem se sont attaqués sans crainte aux problèmes de la discrimination raciale et de la violence antiraciale, notamment le lynchage. McKay a écrit avec force sur ces thèmes et sur d’autres, souvent en utilisant des formes poétiques traditionnelles, comme les deux sonnets cités ici.

Écrivain prolifique et novateur, Hughes était une figure de proue de la Renaissance de Harlem. Bien que ses thèmes soient souvent similaires à ceux de McKay, son style était très différent. Plutôt que de choisir des formes poétiques traditionnelles, il a innové sa propre forme poétique, inspirée par des auteurs de versets libres comme Whitman, incorporant des cadences avec des rythmes de jazz. De nombreux poèmes mettent en scène des personnages de toutes sortes, façonnés par Hughes pour représenter différents types d’Afro-Américains. À la fois charmants et puissants, les poèmes de Hughes sont accessibles, poignants et significatifs, et s’avèrent souvent être les préférés de mes étudiants.

Stevens était un type de personne rare, un succès à la fois dans les affaires et dans la littérature. Il était cadre dans le domaine des assurances pour une compagnie basée à Hartford, dans le Connecticut, devenant finalement vice-président, et poète lauréat du prix Pulitzer. Sa poésie est réfléchie, intellectuelle, dépouillée, mais avec des images vives.

Sa poésie n’est pas transparente à la première lecture ; elle taquine plutôt l’esprit et récompense de multiples relectures. Je l’adore, même si je ne comprends pas tout. Je suis néanmoins enchantée par la façon dont ses poèmes élargissent mon esprit et augmentent ma conscience de chaque moment de la vie.

Un bon point de départ pour lire Stevens : aborder les poèmes en gardant à l’esprit quelques-uns de ses thèmes majeurs. Il ne croyait pas en une vie après la mort, et sa poésie s’interroge souvent sur la manière de tirer le meilleur parti de la vie que nous avons, en augmentant notre attention et notre plaisir à chaque instant. Il célébrait à la fois les plaisirs sensuels et intellectuels.

Il appréciait également la capacité de l’esprit à considérer l’expérience d’une myriade de points de vue, dans des contextes et des buts très différents. « Treize façons de regarder un merle » est un excellent exemple de cette idée. De combien de façons pouvez-vous regarder un merle ? Consultez le poème de Stevens pour voir comment le merle tangible et l’IDÉE du « merle » peuvent jouer différents rôles dans la façon dont un esprit pense.

Marianne Moore, « Poetry » (1921) ; « The Mind is an Enchanting Thing » (1944)

Comme Stevens, Moore était une poétesse très intellectuelle – certains diraient, une « poétesse de poètes » en raison de son intérêt pour les techniques poétiques inhabituelles que la plupart des lecteurs non entraînés manqueraient. (Par exemple, « Poetry » est structuré en fonction du nombre de syllabes dans chaque ligne, plutôt que selon le mètre poétique traditionnel. Pour des explications sur le mètre traditionnel, voir ce billet). Cependant, vous n’avez pas besoin d’attraper tous les feux d’artifice techniques pour apprécier ce qu’elle a à dire sur la façon dont l’esprit fonctionne, et quel rôle la poésie doit jouer dans la vie d’une personne même ordinaire.

Écrivain aux multiples talents, Millay est devenue connue comme un symbole de la femme moderne indépendante et libérée des années 1920 et 1930. Typiquement, elle écrivait en utilisant les formes traditionnelles de la poésie, comme le sonnet, comme le montre cet échantillon de son travail. Dans plusieurs de ses poèmes, elle revendique son droit, en tant que femme, à une pleine expression sexuelle et à jouer un rôle égal à celui des hommes dans les relations amoureuses.

Le poète e. e. cummings personnifie le non-conformisme – c’est pourquoi il a refusé d’utiliser des majuscules ou de suivre les règles de ponctuation ordinaires. Sa poésie est très originale, charmante et généralement critique à l’égard du conformisme étroit de l’ère moderne mécanisée. (Une amie m’a dit un jour qu’elle avait surmonté une longue maladie débilitante en lisant Cummings. Les étudiants adorent souvent son œuvre ; j’avais une étudiante qui avait eu du mal à lire beaucoup de poèmes en classe, mais elle est tombée amoureuse du poème d’amour de Cummings  » somewhere I have never travelled  » et a fini par écrire une analyse spectaculaire de l’œuvre. Peut-être que vous en tomberez amoureux aussi !

Fiction

Sherwood Anderson, Winesburg, Ohio (1919). Lisez le livre en entier, ou ayez un avant-goût en lisant ces sélections : « Grotesques » (introduction), « Mains », « Mère » et « Aventure »

Anderson a été inspiré par le recueil de poèmes de Masters, Spoon River Anthology, dans lequel l’histoire des habitants d’une ville entière était révélée pièce par pièce dans une série de poèmes du point de vue de nombreuses personnes différentes. Anderson a appliqué la même idée à sa série innovante de nouvelles, chacune mettant en scène un habitant différent de la petite ville de Winesburg, Ohio, basée sur la ville réelle de Clyde, dans l’Ohio. Ensemble, ces fragments individuels forment une image totale de la vie dans les petites villes au début du vingtième siècle.

Comme Masters, Anderson s’est concentré sur la façon dont la vie dans les petites villes conduit à des désirs réprimés et à des rêves non réalisés pour la plupart de ses habitants. En conséquence, les gens deviennent progressivement si étroitement concentrés sur un seul désir inassouvi qu’ils deviennent des caricatures de leur ancien moi, qu’Anderson décrit comme des « grotesques ».

Les thèmes d’Anderson et sa vision sombre de la petite ville américaine ont inspiré les écrivains qui l’ont suivi, comme William Faulkner, qui a rencontré Anderson alors qu’il vivait à la Nouvelle-Orléans.

Le style journalistique maigre, méchant et plat qu’Hemingway a inventé a été immensément influencé par l’écriture d’aujourd’hui, qui évite largement la grammaire complexe et s’en tient à des phrases courtes et percutantes et à un vocabulaire courant. Ce style dépouillé peut sembler être une affectation, ou tout simplement devenir ennuyeux, mais quand Hemingway le fait – eh bien, c’est de l’art. Il suffit de le lire pour le voir.

De toutes les œuvres citées ici, Le soleil se lève aussi est ma préférée. D’une certaine manière, dans ce premier roman, il a pris une histoire où il ne se passe pas grand-chose, avec des personnages presque servilement copiés de personnes réelles qu’il connaissait, et l’a transformée en un symbole de la façon dont la vie de tant de gens a déraillé à cause de leurs expériences dans la Première Guerre mondiale.

Lisez Le soleil se lève aussi lentement, parce que le style minimal demande aux lecteurs de remplir de nombreux blancs, et vous ne voudrez pas manquer la façon dont les objets ordinaires deviennent des symboles chargés et des motifs émotionnels. Par exemple, comment un verre vide et une femme ivre montant dans une limousine peuvent-ils vous arracher le cœur ? Je ne sais pas, mais lisez le livre et voyez Hemingway à l’œuvre. Si vous aimez Le soleil se lève aussi, essayez quelques-uns des autres livres. Vous pouvez ne pas être d’accord avec son point de vue sur certaines choses – je ne le suis certainement pas – mais quand je lis Hemingway, je sais que je suis en présence de l’un des plus grands. Essayez-le.

F. Scott Fitzgerald. The Great Gatsby (1925), « Babylon Revisited » (1931) et Tender is the Night (1934).

Tout le monde connaît The Great Gatsby ; si vous ne l’avez pas lu, vous avez probablement vu l’une des versions cinématographiques. Malgré cela, je vous suggère de le relire, en gardant cette fois à l’esprit que Gatsby est une œuvre littéraire moderniste. Qu’est-ce que cela signifie ? Tout d’abord, il faut s’attendre à ce que l’histoire soit présentée par fragments, selon de multiples points de vue, sans qu’aucune autorité centrale ne puisse garantir aux lecteurs que telle ou telle personne voit toute la vérité. Si Nick Carraway, en tant que narrateur, est le plus souvent un observateur digne de confiance, même lui est circonscrit par ses propres valeurs et idées préconçues, et gêné par le fait que nous ne pouvons jamais entrevoir plus qu’un fragment de la vie ou de l’esprit de quelqu’un d’autre.

Tendre est la nuit est plus apprécié aujourd’hui qu’à l’époque de Fitzgerald. L’histoire raconte comment les personnes glamour ont souvent des identités intérieures précaires. Rosemary, une jeune actrice, est éblouie par les riches « dorés » qu’elle rencontre sur la Côte d’Azur. Elle tombe amoureuse de la belle vie de Dick Diver, de sa charmante épouse et de son groupe d’amis, sans voir qu’il s’agit d’une façade soigneusement construite. Le roman sonde la ténuité de l’amour et de la réussite professionnelle, et les facteurs qui peuvent conduire à ce que tout s’écroule.

Thomas Wolfe, Look Homeward, Angel : A Story of the Buried Life (1929).

L’œuvre de l’écrivain de Caroline du Nord Thomas Wolfe n’est pas très lue aujourd’hui, c’est pourquoi je l’appelle « le moderniste oublié ». Mais mon oh mon, les vrais aficionados de l’écrit américain manquent à l’appel en ne se familiarisant pas avec le style prolixe, idiosyncratique, dense et lyrique de Wolfe. Wolfe s’est opposé à la tendance moderniste vers une prose minimaliste et serrée ; au lieu de cela, il déverse ligne après ligne une protestation déchirée contre l’injustice de la vie, croisée avec le rêve irréalisable qui le fait avancer depuis son enfance et sa jeunesse.

Look Homeward Angel est un roman autobiographique, une description romancée de (et un hurlement de protestation contre) ses années de croissance à Asheville, en Caroline du Nord, un écrivain en herbe piégé dans une ville et une famille trop petites pour contenir ses rêves et ses ambitions. Il n’est pas non plus la seule personne de la ville qui est à l’étroit et déformée par ses voies étroites.

Wolfe est particulièrement doué pour décrire les gens et leurs manières et conversations caractéristiques. Les individus et leurs circonstances tragiques prennent vie sur la page-pour moi, seul vaut la lecture à travers le flux de la lave de Wolfe de la langue. Cela peut ne pas être à votre goût, mais donnez-lui un essai-je ne connais aucune autre écriture tout à fait comme cette production par un génie brut désinhibé.

Hemingway et Fitzgerald étaient deux des plus grands romanciers de cette époque (même si les problèmes d’alcool de Fitzgerald et la maladie mentale de sa femme l’ont empêché d’être aussi productif qu’il aurait pu l’être).

Le troisième véritable grand écrivain de fiction moderniste était William Faulkner. Il est l’un de mes écrivains préférés de tous les temps.

Lire Faulkner n’est pas facile, car beaucoup de ses œuvres sont écrites comme des flux de conscience à partir de nombreux points de vue de personnages différents. Les lecteurs entrent dans la conscience de dizaines de personnages différents, la plupart des habitants de son comté fictif de Yoknapatawpha, basé sur le pays autour de l’actuelle Oxford, Mississippi (sa ville natale).

Les narrateurs de Faulkner ne signalent généralement pas quand il passe de l’esprit d’une personne à une autre, les lecteurs doivent donc apprendre à être vigilants. Mais avec soin, vous pouvez attraper, et puis être récompensé avec la chance de faire quelque chose que nous ne pouvons jamais faire dans la vie réelle : habiter l’esprit d’une autre personne.

Light in August est plus facile à lire que les autres énumérés ici, donc je recommande de commencer par cela, et avec un couple de ses nouvelles, en gardant à l’esprit qu’il est fasciné par la façon dont les gens pensent différemment, et comment il est difficile de comprendre les motivations d’un autre humain. Il est également fasciné par la façon dont les gens deviennent liés et handicapés en grandissant dans des familles dysfonctionnelles et des cultures peu éclairées. Ce dernier thème est toujours pertinent pour les questions avec lesquelles les gens se battent aujourd’hui, les problèmes de préjugés raciaux et de classe, ainsi que les craintes que les valeurs culturelles s’effondrent.

Les personnages de Faulkner viennent de tous les horizons, de riches et heureux à riches et malheureux, en passant par les plus pauvres des pauvres. Ils traversent toutes les choses pourries que les gens peuvent traverser, et font toutes les choses pourries que les gens peuvent faire aux autres. Pourtant, paradoxalement, je trouve toujours son œuvre édifiante à la fin, car quelque part, on peut toujours trouver un peu de bonté, de dignité humaine, d’espoir pour l’humanité dans le futur. Outre Hemingway, je pense que Faulkner a eu plus d’influence que tout autre écrivain sur les meilleures fictions d’aujourd’hui.

Zora Neale Hurston. Eatonville Anthology (1926), Their Eyes Were Watching God (1937), « The Gilded Six-Bits », 1933, et toute autre nouvelle qu’elle a écrite.

Auparavant membre éminent du groupe des écrivains de la Renaissance de Harlem, l’œuvre de Hurston a été oubliée dans les années 1950 et 1960, mais a été redécouverte plus tard par l’écrivain Alice Walker. Hurston était une folkloriste de formation ainsi qu’une écrivaine. Eatonville Anthology est un recueil de vignettes sur les habitants de la ville afro-américaine de Floride où Hurston a vécu jusqu’à l’âge de 13 ans ; les récits sont un mélange de fiction et de folklore, qui rend compte du dialecte authentique. Je trouve que toute l’œuvre de Hurston est un régal à lire en raison de son humour riche, de ses observations nuancées et de son amour pour les gens ; elle est également très émouvante à lire, en raison de son empathie pour les troubles et les efforts humains.

John Steinbeck, Les raisins de la colère (1939).

C’est le célèbre roman de Steinbeck, minutieusement étudié, sur la détresse des Okies qui ont été chassés du « Dust Bowl » de l’Oklahoma pendant la sécheresse des années 1930. Chassés de leurs fermes parce qu’ils ne parviennent pas à récolter et à payer leurs hypothèques, les Joad et leurs voisins se dirigent vers la Californie à la recherche de nouvelles terres à cultiver, mais ils ne trouvent que d’immenses camps de travailleurs migrants qui se disputent les rares emplois pour un salaire de subsistance. Dans cette histoire puissante qui prône et célèbre l’unité face au désastre, Steinbeck ne cache pas sa protestation contre l’inhumanité engendrée par un système capitaliste sans visage. Le roman plaide en faveur d’un traitement humain de chaque travailleur américain.

Richard Wright, « Le garçon qui était presque un homme » (1939), Native Son (1940).

L’œuvre de Richard Wright explique par une fiction vivante comment la culture d’oppression et de discrimination de l’Amérique des années 1930 a créé des destins tristes et inéluctables pour les Afro-Américains. Dans la nouvelle « Le garçon qui était presque un homme », Dave, 18 ans, est traité par sa famille et ses employeurs blancs comme un jeune garçon. Contraint de travailler sans cesse dans les champs et de remettre son maigre salaire à sa mère, il rêve de posséder une arme pour que les gens le respectent. Bigger Thomas, de Native Son, mène une vie pauvre dans le quartier sud de Chicago lorsqu’il parvient à trouver un emploi de chauffeur dans une riche famille blanche. Leurs attentes à son égard sont impossibles à interpréter pour lui, si bien qu’il se sent obligé de commettre un crime terrible.

Drama

Susan Glaspell, « Trifles » (1916).

En tant que cofondatrice du théâtre expérimental The Provincetown Players, Glaspell a eu une énorme influence sur l’innovation dans le théâtre américain, contribuant à inaugurer des drames américains sérieux à succès, tels que ceux écrits par Eugene O’Neill. « Trifles », une pièce en un acte, est un mystère de meurtre ainsi qu’une condamnation de la culture patriarcale. Dans la pièce, les hommes pensent que leurs méthodes méthodiques mais balourdes permettront de découvrir les preuves que Minnie Wright a assassiné son mari, tandis que les « petites dames » restent les bras croisés. Cependant, ce sont les femmes, avec leur compréhension plus nuancée de Minnie et des indices qu’elle laisse, qui découvrent la véritable situation et prennent des décisions au nom de la vraie justice.

Thornton Wilder, Our Town, 1938.

Décrite par Wilder comme du « méta-théâtre », cette pièce de style expérimental raconte l’histoire de la petite ville de Grover’s Corner, New Hampshire, dans une série de vignettes largement espacées. La pièce attire l’attention sur le fait qu’il s’agit d’une pièce de théâtre, en utilisant peu d’accessoires ou de décors, en faisant du régisseur un personnage qui s’adresse directement au public, et en mettant en scène une femme morte qui sort de sa tombe pour prendre la parole au troisième acte.

Eugene O’Neill, The Iceman Cometh (1939) ; Long Day’s Journey into Night (1940).

Eugene O’Neill est probablement le premier grand dramaturge américain. Ses pièces sondent la culpabilité et le chagrin qui se cachent juste derrière les visages courageux et innocents derrière lesquels tant de gens s’efforcent de se cacher. Dans les représentations, les pièces sont puissantes et émouvantes.

The Iceman Cometh se concentre sur les clients de longue date du saloon de Harry Hope, qui parlent sans cesse de rêves chimériques qu’ils ne réaliseront jamais, mais qu’ils utilisent pour masquer leurs culpabilités passées. Long Day’s Journey into Night met en scène un acteur vieillissant, sa femme et ses deux fils adultes. En une longue journée, chaque membre de la famille sonde son chagrin et sa culpabilité face à la perte du rêve de chacun pour sa vie. Ils passent une grande partie de la pièce à se blâmer les uns les autres, mais arrivent à la fin à faire face aux dépendances et aux problèmes psychologiques distincts qui ont pris le dessus sur leurs vies.

Tennessee Williams, La Ménagerie de verre (1944).

Autre des plus grands dramaturges américains, Williams est devenu célèbre pour cette pièce basée sur des souvenirs autobiographiques. La pièce met en scène Tom Wingfield, un aspirant poète, et son souvenir d’une soirée avec sa mère, Amanda, ancienne belle du Sud, et sa sœur Laura, pathologiquement timide, qui porte un appareil orthopédique à la jambe.

Mère Amanda essaie de pousser ses deux enfants à améliorer leur situation, mais ceux-ci ne peuvent ou ne veulent pas répondre comme elle l’espère. Au moment de l’incident montré dans la pièce, Wingfield travaille péniblement dans un entrepôt pour aider à soutenir sa mère et sa sœur, son père ayant quitté la famille des années auparavant. Sur l’insistance de sa mère, il ramène à la maison un prétendant potentiel pour Laura ; mais bien sûr, les choses tournent mal.

Suggestions pour la liste de lecture?

Vous vous retrouvez à crier parce que votre œuvre moderniste américaine préférée manque dans cette liste ? Laissez un commentaire sur notre post sur le modernisme américain ici!

(FYI : Commentaires retenus pour la modération.)

Lien vers l’index des chronologies des classiques littéraires

*Crédits photos:

Jardin d’amour par Wassily Kandinski , via Wikimedia Commons

Vallée de la rivière Monongahela, Pittsburgh par John Kane, 1917. Metropolitan Museum of Art , via Wikimedia Commons.

T. S. Eliot. Par Lady Ottoline Morrell , via Wikimedia Commons.

William Carlos Williams. Par unknown (believed to be passport photograph) , via Wikimedia Commons.

Marianne Moore. Par George Platt Lynes , via Wikimedia Commons.

Libido de la forêt par Paul Klee, 1917. Paul Klee , via Wikimedia Commons.

Hemingway et ses amis. Crédit photo sur ce post.

William Faulkner. Crédit photo sur ce post.

Zora Neale Hurston. Par la mémoire de la Floride – Portrait de Zora Neale Hurston : Eatonville, Floride, Domaine public, via Wikimedia Commons.

Richard Wright. Par Carl Van Vechten , via Wikimedia Commons.

Le Cri. Par Edvard Munch , via Wikimedia Commons.

Long Day’s Journey into Night film trailer. Bande-annonce distribuée par Embassy Pictures , via Wikimedia Commons.