Qu’est-ce qu’une bonne photographie ?

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L’invention du daguerréotype dans les années 1830 a donné lieu à la publication de centaines de manuels détaillant ce qui constituait une bonne ou une mauvaise image. Diffusant une orthodoxie photographique rigide, ces pamphlets ont dominé les approches du médium à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Les praticiens étaient encouragés à viser la perfection technique et à éviter les erreurs courantes telles que le flou et la solarisation. Les images qui en résultent dépeignent une version idéalisée de la vie – des portraits impeccables et des paysages parfaitement composés – qui, à leur tour, influencent la perception du monde par les spectateurs.

Cependant, dès les années 1920, cette situation a commencé à changer. L’avènement du modernisme et la reconnaissance de la photographie comme une forme d’art à part entière ont précipité une approche beaucoup plus expérimentale. Le photographe, marchand d’art et éditeur Alfred Stieglitz a joué un rôle important dans cette transition. Il a publié un article célèbre, semblable à un manifeste, intitulé Twelve Random Don’ts, destiné à faire la satire des restrictions photographiques imposées au cours du siècle précédent. Le commentaire de Stieglitz résume l’approche subversive adoptée par de nombreux photographes modernistes, tels que Man Ray et László Moholy-Nagy, qui utilisaient activement les erreurs techniques dans leur pratique créative. Lentement, ce qui avait été considéré comme de la « mauvaise » photographie a commencé à façonner le médium. Malgré le développement de la photographie numérique – et sa capacité apparente à éliminer les erreurs techniques – les artistes contemporains ont continué à expérimenter le potentiel créatif de l’erreur.

La relativité du goût, et ce qui constitue une bonne ou une mauvaise photographie, existe au cœur de l’exposition du SFMOMA intitulée Don’t ! La photographie et l’art de l’erreur. Organisée par Clément Chéroux, avec l’aide de Matthew Kluk et Sally Martin Katz, l’exposition illustre comment les erreurs peuvent devenir des succès avec le temps ; rien n’est définitif et l’évolution de l’art est imprévisible. L’exposition est structurée autour d’une série d’erreurs techniques. Des erreurs telles que la solarisation et la double exposition sont expliquées, et positionnées par rapport à des œuvres d’art iconiques qu’elles sont venues définir, illustrant ainsi le caractère éphémère de la « bonne » et de la « mauvaise » photographie.

BJP-Online s’est entretenu avec le commissaire Clément Chéroux sur l’importance de faire des erreurs, et les complexités liées à la mise en place de l’exposition.

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BJP-Online : À l’ère de la photographie numérique, on pourrait dire que le médium photographique a, en un sens, bouclé la boucle – la photographie numérique nous permet de créer des images exemptes d’erreurs. Quelle est l’importance de regarder les erreurs, et de penser à la façon dont faire des erreurs peut nourrir les pratiques créatives des gens aujourd’hui ?

Clément Chéroux : Il y a une belle citation de Diane Arbus dans l’exposition, qui se lit comme suit : « Il est important de prendre de mauvaises photos ». C’est important parce que si vous ne faites pas de mauvaises photographies, vous ne ferez pas non plus de bonnes photographies. C’est un élément crucial pour l’histoire de la photographie. La majorité des plus grands photographes du XXe siècle ont reconnu, à un moment donné de leur carrière, qu’ils faisaient des erreurs. Mais, ils ont compris l’importance de le faire.

L’exposition est organisée autour de l’idée qu’une erreur est un point d’entrée vers quelque chose de nouveau. L’erreur révèle quelque chose auquel vous n’aviez peut-être pas pensé auparavant : une nouvelle façon de faire des photographies.

Je suis également très intéressé par l’importance de ce que nous appelons la sérendipité, qui a été très importante dans la science et aussi dans la cuisine. Je crois que certains des meilleurs photographes dans l’histoire de la photographie étaient ceux qui faisaient une erreur mais reconnaissaient cette erreur comme quelque chose d’intéressant, et peut-être plus intéressant que ce qu’ils cherchaient. Je crois vraiment que c’est quelque chose qui est si crucial pour l’histoire de la photographie.

« Il est important de prendre de mauvaises photos »

Diane Arbus

BJP-Online: Que nous dit l’exposition sur le rôle que joue le goût dans la définition de la trajectoire de la photographie, et des arts, plus largement ? Ce qui constitue une bonne photographie sur le plan technique contraste souvent avec ce qui constitue une bonne photographie sur le plan stylistique. Pourquoi, selon vous, en est-il ainsi ?

Chéroux : C’est une partie très importante de l’exposition. Man Ray a dit : « Les trucs d’aujourd’hui sont les vérités de demain ». C’était vraiment important de montrer que le goût évolue. Ce qui était supposé être une erreur pour une génération pouvait devenir un succès, ou une proposition esthétique intéressante, pour la suivante. Une erreur d’aujourd’hui pourrait être intéressante dans le futur.

On ne sait jamais avec la photographie. Le goût change et évolue constamment. Par exemple, quelque chose qui pourrait être considéré comme une erreur dans un contexte amateur pourrait être considéré comme une grande photographie dans le musée, et vice versa. Il y a donc des glissements qui dépendent du contexte dans lequel vous regardez la photographie, mais aussi de l’époque.

Et c’était une idée centrale de l’exposition : montrer ces différentes approches de la photographie – la perspective normative exposée par les manuels, et la perspective beaucoup plus libre de nombreux artistes.

BJP-Online : A la fin du texte introductif de l’exposition, vous écrivez que : « les erreurs d’aujourd’hui peuvent être les succès de demain ». Comment prévoyez-vous l’évolution du goût photographique ?

Chéroux : Je suis toujours assez gêné quand on me demande l’avenir de la photographie car je ne suis pas un diseur de bonne aventure. Mais, je sais que les échecs passés ont été très importants pour les futurs photographes. Donc, nous devrions faire attention aujourd’hui à ce que nous considérons comme une erreur ou un accident, parce que nous ne savons jamais et, peut-être dans le futur, cela deviendra quelque chose d’important.

Les artistes s’intéressent déjà au nouveau type d’erreurs et d’échecs qui sont apparus avec la technologie numérique. Par exemple, à la fin de l’exposition, nous avons un travail de Sarah Cwynar. Elle a créé cette série dans laquelle elle a scanné des manuels expliquant comment réaliser une bonne photographie. Pendant le processus de numérisation, elle a déplacé le livre dans le scanner, ce qui a entraîné une sorte de déformation de l’image. Il s’agit d’une réflexion sur l’erreur numérique par rapport à l’erreur analogique, ce qui est également visuellement intéressant.

« Les astuces d’aujourd’hui sont les vérités de demain »

Man Ray

BJP-Online : Il est vraiment intéressant de voir comment chaque panneau individuel décrit une erreur et la positionne ensuite par rapport à l’artiste qui a employé cette erreur de manière créative. Pourquoi avez-vous décidé de structurer l’exposition de cette manière ?

Chéroux : Mon idée initiale pour l’exposition était de la structurer en termes d’erreur du sujet, d’erreur de la technique et d’erreur du photographe – pour aborder la question des erreurs à travers leurs différentes causes. Mais j’ai décidé que c’était trop complexe. Alors, je me suis contenté des erreurs techniques : solarisation, double exposition, fuites de lumière, etc.

Pour chaque erreur, nous avons un panneau divisé en deux parties. La première partie explique ce qu’est l’erreur, et la deuxième partie explique comment et pourquoi l’artiste s’y est intéressé. Il y a donc cette sorte d’approche en double acte, qui est technique mais aussi orientée vers l’histoire de l’art.

BJP-Online : Que voulez-vous que les spectateurs retiennent de l’exposition ? Comment voulez-vous qu’elle influence leur perception de la photographie ?

Chéroux : L’idée principale de l’exposition est d’expliquer que le rôle d’un musée n’est pas de définir ce qu’est une « bonne » photographie et ce qu’est une « mauvaise » photographie. Comme je l’ai déjà dit, une photographie peut être bonne dans un certain endroit, et à un certain moment, et dix ou vingt ans plus tard, dans un autre endroit, la même photo peut être quelque chose de complètement différent.

La chose la plus importante pour moi est la relativité du goût – le fait que le goût évolue constamment et que nous devons en tenir compte.

Ne le faites pas ! Photography and the Art of Mistakes est exposée au SFMOMA, San Francisco, jusqu’au 01 décembre 2019.

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