La soul music a émergé à la fin des années 1950 et au début des années 1960 comme l’une des formes les plus distinctives de l’histoire de la musique populaire américaine. Pour les Noirs américains en particulier, la musique soul a défini les années 1960, offrant une bande sonore culturelle au mouvement des droits civiques et à l’éveil plus large de la conscience et de la fierté noires. Les tubes soul ont dominé les hit-parades au cours de cette décennie, mais définir exactement ce qu’était la soul n’a pas été une tâche facile, même pour certains de ses plus grands artistes. Wilson Pickett a défini la soul comme « nothin’ but a feelin' ». Don Covay a déclaré : « Pour un chanteur, la soul est une liberté vocale totale. » Aretha Franklin a expliqué : « Pour moi, la soul est un sentiment, beaucoup de profondeur et la capacité de faire remonter à la surface ce qui se passe à l’intérieur….. C’est juste l’émotion, la façon dont elle affecte les autres. » Des éléments du genre perdurent, mais la période classique de la musique soul, de 1960 à 1975 environ, reste l’une des plus importantes contributions à la culture populaire américaine pour son style, sa puissance brute et émotive, et sa profondeur de sentiment. Avec le jazz, c’est l’une des contributions les plus originales de l’Amérique à la culture mondiale.
Si la définition de la soul music s’est avérée insaisissable, ses origines ne l’étaient pas. La soul music est apparue dans les années 1950 comme un croisement entre le rhythm and blues et le gospel. La soul music combinait le pécheur du samedi soir et le repenti du dimanche matin en une seule personne ou une seule chanson, tout comme ils existaient dans la vie réelle. En combinant les thèmes du R&B avec les éléments du gospel (chant call-and-response, harmonies serrées et thèmes de la célébration, de la perte et de la nostalgie), les premiers artistes soul ont souvent sécularisé les airs de gospel en changeant les mots clés : la chanson gospel » Talkin’ ‘Bout Jesus » est devenue » Talkin’ ‘Bout You » ; » This Little Light of Mine » est devenue » This Little Girl of Mine » ; » I’ve Got a Savior » est devenue » I Got a Woman « . Cette transition reflète les changements survenus dans la communauté noire après la Seconde Guerre mondiale, alors que de plus en plus de Noirs américains quittaient les régions rurales du Sud pour s’installer dans les villes du Nord. Les premiers arrivants dans le Nord avaient créé la musique R&B au milieu des années 1940 pour exprimer les nouvelles réalités de la vie dans ces quartiers urbains. Plus tard, lorsque les Noirs du Sud ont afflué dans ces communautés, ils ont apporté avec eux des éléments du gospel du Sud. Les deux formes musicales ont coexisté en tant qu’expressions distinctes de la vie des Noirs. Elles se sont cependant rapidement croisées, produisant ce qui est devenu la soul music.
Le père reconnu de ce croisement est Ray Charles. Toutes les chansons gospel sécularisées mentionnées ci-dessus ont été des succès pour Charles au milieu des années 1950. Né en 1930 à Albany, en Géorgie, Charles s’installe à Seattle à l’adolescence et émerge à la fin des années 1940 comme un crooner de style Nat « King » Cole jouant dans des clubs locaux tels que le Rocking Chair et le Black and Tan. C’est là qu’il attire l’attention de SwingtimeRecords, l’une des premières maisons de disques R&B appartenant à des Noirs, et qu’il sort un certain nombre de morceaux de blues et d’inspiration Cole, dont « Kissa Me Baby » et « Confession Blues ». En passant chez Atlantic Records en 1952, Charles a commencé à développer un style plus terreux qu’il avait acquis en travaillant avec les musiciens de blues Guitar Slim et Lowell Fulsom. Chez Atlantic, il a commencé à combiner des éléments de blues avec des styles de gospel qu’il avait appris dans son enfance en Géorgie. Ce style est devenu la base de la musique soul et a fourni à Charles une série de succès au cours des années 1950, notamment « Lonely Avenue », « I Got a Woman », « Hallelujah I Love Her So », et peut-être son plus grand succès, « What’d I Say », qui combinait un segment d’appel et de réponse gospel entre Charles et ses choristes, les Raelettes, des gémissements qui auraient pu facilement provenir soit de la chambre à coucher, soit de la chaire, et un groupe R&B entraînant.
Suivant de près les talons de Charles, Sam Cooke, qui s’était fait connaître en tant que chanteur principal du groupe gospel The Soul Stirrers avant de développer un style soul plus orienté vers la pop qui lui a apporté des succès tels que « You Send Me », « Twistin’ the Night Away » et « Bring It on Home to Me ». De même, Jackie Wilson avait débuté dans un groupe vocal, les Dominoes, avant de se forger un style pop-soul entraînant avec des chansons telles que « Reet Petite », « Lonely Tear-drops » et « Baby Workout ». Alors que la musique de Charles a maintenu un lien étroit avec les éléments bruts de la musique R&B, Wilson et Cooke ont rapproché le mariage R&B et gospel du domaine de la pop.
Il a fallu trois maisons de disques pour faire entrer la soul dans le courant dominant. Il s’agit d’Atlantic Records à New York, de Motown Records à Detroit et de Stax/Volt Records à Memphis. Si de nombreux petits labels ont apporté une contribution inestimable à la musique soul, ces trois labels sont à l’origine de certaines des musiques soul les plus explosives des années 1950 et 1960. La plupart des grands talents de la musique soul, à quelques exceptions notables près, ont travaillé pour ces trois labels. Et, bien qu’il y ait eu des talents individuels majeurs sur chaque liste de labels, chaque société a réussi à construire un son unique qui identifiait chaque artiste avec son label particulier.
Herb Abramson et Ahmet Ertegun ont formé Atlantic Records en 1947. Leurs premières sorties étaient dans la veine du jazz, mais ils se sont tournés vers le R&B en 1949 et sont devenus l’un des labels indépendants dominants dans ce domaine dans les années 1950 grâce à leurs succès avec des artistes R&B tels que Ruth Brown, Ray Charles, Joe Turner, LaVern Baker, les Clovers, et d’autres. Avec le succès des disques de Charles dans le style soul émergent, Atlantic s’engage encore plus loin dans la musique soul. Entre le début et le milieu des années 1960, Atlantic a connu des succès soul avec « Up on the Roof », « This Magic Moment » et « Save the Last Dance for Me » des Drifters, ainsi que « Stand by Me » de Ben E. King. King avec « Stand by Me » et « Spanish Harlem » ; Percy Sledge avec « When a Man Loves a Woman » ; Wilson Pickett avec « Land of 1000 Dances », « Mustang Sally » et « Funky Broadway » ; Don Covay avec « Seesaw » et Solomon Burke avec « Just out of Reach ». La principale innovation sonore d’Atlantic a été d’apporter la soul « uptown » avec un son plus poli et professionnel accompli en ajoutant des arrangements de cordes et en utilisant des auteurs-compositeurs professionnels du Brill Building.
Le plus grand succès d’Atlantic, cependant, est venu en 1967 avec la découverte de la chanteuse Aretha Franklin. Franklin était l’incarnation parfaite de la musique soul, combinant une solide expérience de la musique d’église (son père, le révérend C. L. Franklin, était le célèbre pasteur de la New Bethel Baptist Church de Détroit) avec la profondeur de sentiment et le style requis pour faire passer sa formation gospel dans le monde de la musique profane. Elle a d’abord signé avec Columbia Records au début des années 1960, où elle a tenté de devenir une chanteuse pop/soul dans le style de Sam Cooke. Ses disques dans cette veine n’ont pas eu beaucoup de succès, et lorsque son contrat avec Columbia a expiré en 1967, le producteur Jerry Wexler l’a engagée chez Atlantic. Là, Wexler emmène Franklin aux Fame Studios de Rick Hall à Muscle Shoals, en Alabama, où il avait réussi à remodeler le son de Wilson Pickett. Le Muscle Shoals de Hall, avec sa combinaison de musiciens noirs et blancs du Sud, était en train de se forger une réputation de foyer de la soul music, un endroit où le sentiment indispensable à la soul music semblait ressortir plus facilement. C’est là que Franklin a refait son son, en laissant ressortir ses racines gospel. Elle a fait ses débuts sur Atlantic en 1967 avec l’album I Never Loved a Man the Way I Love You, qui a atteint la deuxième place du classement des albums cette année-là. La chanson-titre et la reprise par Franklin de la chanson « Respect » d’Otis Redding ont atteint la première place du classement R&B cette année-là. L’album contient également « Do Right Woman-Do Right Man », « Baby, Baby, Baby » et « Save Me », qui sont tous devenus des classiques de la soul. Franklin a sorti deux autres disques en l’espace d’un an, dévoilant des succès tels que » Baby I Love You « , » Chain of Fools » et le fracassant » (You Make Me Feel Like) A Natural Woman « , qui s’est retrouvé dans le top 10 des palmarès pop et R&B. Ces sorties ont valu à Franklin le titre incontesté de « Reine de la Soul » et ont cimenté Atlantic comme le foyer de la musique soul la plus puissante jamais produite.
L’auteur-compositeur, producteur et ancien propriétaire de magasin de disques Berry Gordy, Jr. a fondé Motown Records en 1960 dans un simple bungalow blanc au 2648 West Grand Boulevard à Détroit, Michigan. Gordy avait écrit et produit avec succès des chansons pour Jackie Wilson (« Lonely Teardrops ») et Barrett Strong (« Money ») à la fin des années 1950, qui s’inspiraient des innovations de Ray Charles en fusionnant les styles R&B et gospel. En 1960, Gordy abandonne la production indépendante (où il loue des chansons à d’autres labels) et lance son propre label, Tamla, qui fera plus tard partie de Motown. À Motown, Gordy a mis au point une formule d’écriture, de production et d’enregistrement de chansons qui a permis de vendre plus de singles à la fin des années 1960 que toute autre société. Il y est parvenu grâce à ce qui ressemblait à une production à la chaîne, et Gordy qualifiait son rôle de « contrôle de la qualité ». Tout d’abord, il a réuni une équipe d’auteurs-compositeurs et de producteurs de premier ordre, dont Smokey Robinson et l’équipe de Brian Holland, Lamont Dozier et Eddie Holland, qui ont écrit un hit après l’autre pour Gordy. Ensuite, il met en place un groupe maison comprenant Benny Benjamin à la batterie, Joe Messina à la guitare, James Jamerson à la basse, Earl Van Dyke aux claviers, et d’autres habitués. Ensemble, les auteurs-compositeurs, les équipes de production et l’orchestre ont créé un style unique et inimitable. Puis, puisant dans les riches talents locaux de Détroit, Gordy rassemblait ou signait des groupes vocaux ou des chanteurs individuels pour enregistrer les chansons.
Une partie du don de Gordy résidait dans la transformation du talent brut de la rue en un produit musical poli, ce qu’il faisait en utilisant ce processus de chaîne de montage et son œil pour les jeunes talents prometteurs, appelant Motown le « son de la jeune Amérique ». La liste des stars de la Motown comprenait les Supremes (« Baby Love », « You Can’t Hurry Love », « Love Child »), Marvin Gaye (« I Heard It through the Grapevine », « Pride and Joy »), les Four Tops (« Standing in the Shadows of Love », « Bernadette », »Reach out I’ll Be There »), les Temptations (« My Girl », « Ain’t Too Proud to Beg »), Mary Wells (« My Guy »), Martha and the Vandellas, Smokey Robinson and the Miracles (« I Second That Emotion », « The Tracks of My Tears »), les Marvelettes, Jr. Walker and the All-Stars, Stevie Wonder (« Uptight », « Signed, Sealed, Delivered, I’m Yours », « For Once in My Life »), et Gladys Knight and the Pips, parmi beaucoup d’autres. Le succès national de la Motown grâce à cette formule réside dans la capacité de sa musique à résonner dans les communautés noires et blanches, et nombre des tubes susmentionnés ont figuré en tête des classements R&B et Pop tout au long des années 1960. Dès le début, pour des raisons commerciales ou autres, Gordy a suivi une approche intégrationniste, et son succès a poussé la musique soul créée à la Motown de plus en plus près du grand domaine de la pop.
Bien que la formule de Gordy ait été responsable de la majeure partie du succès de la Motown, à la fin des années 1960 et au début des années 1970, quelques-uns de ses premiers artistes ont commencé à sortir de la formule de la Motown, mûrissant musicalement pour créer des styles très personnels, des signatures qui leur sont propres. Les deux plus importants et uniques sont Marvin Gaye et Stevie Wonder. Gaye est sorti du moule de la Motown de manière décisive avec l’album d’actualité What’s Going On en 1971 : la chanson titre et « What’s Happening Brother » abordaient la guerre au Vietnam, « Mercy Mercy Me » l’environnement et « Inner City Blues » la crise urbaine dans les ghettos américains. Wonder est devenu une force musicale à part entière avec une série d’albums importants au début des années 1970, sur lesquels il a écrit et chanté toutes les chansons et joué la plupart des instruments. Dans des albums comme Innervisions, Talking Book, Fulfillingness First Finale, Music of My Mind et son double album Songs in the Key of Life, Wonder remporte d’énormes succès avec des chansons comme « You Are the Sunshine of My Life », « Isn’t She Lovely », « I Wish » et « Superstition ». Ses chansons prennent aussi souvent un tour d’actualité, avec des titres comme « Living for the City » et « Village Ghetto Land » sur les problèmes urbains, et « Too High » sur la toxicomanie. « Higher Ground » était une exhortation à l’auto-émancipation des Noirs, et « You Haven’t Done Nothin » une critique plus large de la structure du pouvoir blanc. L’ère classique de la Motown s’est terminée après 1971, lorsque Gordy a transféré la société à Los Angeles et a abandonné le contrôle direct de la production en studio. Si Atlantic et Motown ont défini la soul dans le Nord urbain, Stax/Volt Records de Memphis, pendant sa période classique de 1960 à 1968, a pratiquement défini la soul du Sud, un son à la fois détendu et facile, mais rempli de tension musicale qui laissait les auditeurs en redemander, qui est devenu aussi facilement reconnaissable que le son Motown. Jim Stewart et sa sœur Estelle Axton ont fondé Satellite Records en 1959, changeant le nom en Stax en 1961 (Volt Records était une filiale ultérieure), et ont commencé à enregistrer des musiciens noirs locaux, établissant finalement un studio dans un ancien cinéma de Memphis au 926 E. McLemore Avenue. Parmi les premiers artistes enregistrés, on trouve le DJ local Rufus Thomas et sa fille Carla. Carla Thomas a connu un premier succès en 1960 avec « Gee Whiz », qui a atteint le top 10 du hit-parade R&B et Pop. Le succès suivant de Stax est « Last Night », un numéro instrumental des Mar-Keys qui présente une combinaison unique d’orgue, de guitare et de cornes qui deviendra la marque de fabrique du son de Stax/Volt. Bien qu’elle ne soit pas aussi étroitement gérée que la Motown, Stax/Volt utilise certaines des mêmes techniques. Le groupe instrumental Booker T. and the MGs devint essentiellement l’orchestre maison de Stax, en plus de remporter de nombreux succès comme « Green Onions » et « Time Is Tight ». Stax a également bénéficié d’un noyau d’auteurs-compositeurs et de producteurs, dont les plus importants sont David Porter et Isaac Hayes, qui ont écrit bon nombre des grands succès de Stax, notamment « Hold On ! I’m Comin »‘ et « Soul Man » de Sam et Dave et « B-A-B-Y » de Carla Thomas. Un certain nombre de vedettes de Stax/Volt étaient également des auteurs, notamment Eddie Floyd, qui a coécrit ses propres succès « Knock on Wood » et « Raise Your Hand », entre autres. Le guitariste de MG, Steve Cropper, était encore plus prolifique. En plus de jouer de la guitare sur de nombreux disques de Stax/Volt, il a coécrit de nombreuses chansons avec d’autres artistes de Stax/Volt, dont le single de Stax/Volt le plus vendu de tous les temps, « (Sittin’ on) The Dock of the Bay », avec Otis Redding. Comme Aretha Franklin chez Atlantic, Redding était de loin la plus grande star de Stax/Volt, et l’un des chanteurs de soul les plus distinctifs de tous les temps, avec un style puissant, brut et émotionnel qui semblait tirer chaque sentiment de chaque note d’une chanson. Auteur-compositeur prolifique également, Redding a eu certains des plus grands succès de Stax/Volt, y compris « Respect », « Try a Little Tenderness », « These Arms of Mine », « Mr. Pitiful », « The Happy Song (Dum-Dum) », et littéralement des dizaines d’autres avant sa mort prématurée dans un accident d’avion en décembre 1967.
Stax/Volt a continué après la mort de Redding, mais les choses n’ont jamais été tout à fait les mêmes. Malgré un certain nombre de succès dans la période 1968-1972, Stax a décliné avec la dissolution de Booker T. and the MGs et la perte de son accord avec Atlantic Records, qui avait donné à Atlantic les droits de distribution des enregistrements de Stax, depuis le début des années 1960. Avec la rupture de cet accord, Atlantic s’est emparé des plus grosses ventes de Stax, les catalogues d’Otis Redding et de Sam and Dave, qui étaient à bien des égards le cœur de l’empire Stax/Volt. Ces problèmes ont lentement érodé le style caractéristique de Stax, et la société a fait faillite en 1975.
Si les artistes d’Atlantic, Motown et Stax/Volt ont beaucoup fait pour définir la soul music dans les années 1960, l’innovateur le plus distinctif du genre, et peut-être le plus influent, n’est pas issu de ces trois labels mais en la personne de James Brown, d’Augusta, en Géorgie. Né en 1933, Brown s’est imposé comme l’un des premiers chanteurs de R&B/soul au milieu des années 1950 avec des succès tels que « Please, Please, Please » et « Try Me ». Il remporte d’autres succès au début des années 1960, mais son apogée survient plus tard dans la décennie, lorsqu’il s’écarte des formes de soul plus standard pour créer sa propre marque de soul/funk, un son plus dur, plus intense et plus puissant qui transparaît dans des chansons telles que « Cold Sweat », « Papa’s Got a Brand New Bag », « Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine » et « I Got You (I Feel Good) ». Brown a également écrit des chansons puissantes à l’apogée du pouvoir noir, notamment « Say It Loud-I’m Black and I’m Proud », « I Don’t Want Nobody to Give Me Nothing (Open Up the Door I’ll Get It Myself) », « Get Up, Get into It, and Get Involved » et « Soul Power ». Les innovations stylistiques de Brown dans la musique soul ont influencé le développement de la musique funk dans les années 1970 et de la musique rap dans les années 1980.
Bien que de grands artistes soul tels que Al Green, les Staple Singers, Curtis Mayfield, les Marvin Gaye et Stevie Wonder susmentionnés, et bien d’autres, aient continué à enregistrer de la musique soul, l’ère de la soul classique s’est terminée au milieu des années 1970, alors que la musique noire se fragmentait en des styles tels que le disco et le funk, qui mettaient l’accent sur les rythmes de danse plutôt que sur le chant et l’écriture de chansons bien construites. Les grandes maisons de disques qui avaient joué un rôle important dans la diffusion de la musique soul ont également pris d’autres directions. Atlantic s’est tourné vers les groupes rock, Motown est parti à Los Angeles et Stax/Volt s’est effondré à cause de problèmes financiers. En termes de style, le lien avec le gospel qui était une telle caractéristique de la soul est devenu moins influent dans la musique noire en général, et la soul a évolué vers un son plus homogène connu sous le nom de musique « contemporaine urbaine ».
-Timothy Berg
Lectures complémentaires:
George, Nelson. The Death of Rhythm and Blues. New York, Plume, 1988.
Guralnick, Peter. Sweet Soul Music : Rhythm and Blues et le rêve sudiste de liberté. New York, Harper & Row, 1986.
Haralambos, Michael. Right On : From Blues to Soul in Black America. New York, Drake Publishers, 1975.
Hirshey, Gerri. Nowhere to Run : L’histoire de la musique soul. New York, Times Books, 1984.
Miller, Jim, éditeur. The Rolling Stone Illustrated History of Rock & Roll. New York, Random House/Rolling Stone Press, 1980.
Shaw, Arnold. Le monde de la soul : la contribution de l’Amérique noire à la scène de la musique pop. New York, Cowles Book Company, 1970.
Szatmary, David P. Rockin’ in Time : A Social History of Rock-and-Roll. Englewood Cliffs, N.J., Prentice Hall, 1991.
Various Artists. Atlantic Rhythm and Blues : 1947-1974. Atlantic Recording Corporation, 1985.
Various Artists. Beg, Scream, and Shout ! The Big Ol’ Box of ’60s Soul. Rhino Records, 1997.
Various Artists. The Complete Stax/Volt Singles, 1959-1968. Atlantic Recording Corporation, 1991.
Various Artists. Hitsville U.S.A. : The Motown Singles Collection, 1959-1971. Motown Records, 1992.