Cosa fa una buona fotografia?

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L’invenzione del dagherrotipo negli anni 1830 diede luogo alla pubblicazione di centinaia di manuali che dettagliavano cosa costituisse una buona o una cattiva immagine. Facendo circolare una rigida ortodossia fotografica, questi opuscoli dominarono gli approcci al mezzo per tutta la fine del 1800 e l’inizio del 1900. I praticanti sono stati incoraggiati a lottare per la perfezione tecnica e ad evitare errori comuni come la sfocatura e la solarizzazione. Le immagini che ne risultavano rappresentavano una versione idealizzata della vita – ritratti impeccabili e paesaggi perfettamente composti – che, a sua volta, influenzava la percezione del mondo da parte degli spettatori.

Tuttavia, a partire dagli anni ’20, tutto questo cominciò a cambiare. L’avvento del Modernismo e il riconoscimento della fotografia come forma d’arte a sé stante precipitarono un approccio molto più sperimentale. Il fotografo, mercante d’arte ed editore Alfred Stieglitz fu una forza importante in questa transizione. Egli pubblicò notoriamente un articolo simile a un manifesto intitolato Twelve Random Don’ts, inteso a satireggiare le restrizioni fotografiche imposte durante il secolo precedente. Il commento di Stieglitz racchiude l’approccio sovversivo adottato da molti fotografi modernisti, come Man Ray e László Moholy-Nagy, che impiegavano attivamente gli errori tecnici nella loro pratica creativa. Lentamente, ciò che era stato considerato come “cattiva” fotografia iniziò a plasmare il mezzo. Nonostante lo sviluppo della fotografia digitale – e la sua apparente capacità di eliminare gli errori tecnici – gli artisti contemporanei hanno continuato a sperimentare il potenziale creativo dell’errore.

La relatività del gusto, e ciò che costituisce una buona o cattiva fotografia, è al centro della mostra del SFMOMA Don’t! Photography and the Art of Mistakes. Curata da Clément Chéroux, con l’assistenza di Matthew Kluk e Sally Martin Katz, la mostra illustra come gli errori possono diventare successi nel tempo; niente è definitivo e l’evoluzione dell’arte è imprevedibile. La mostra è strutturata intorno a una serie di errori tecnici. Errori come la solarizzazione e la doppia esposizione sono spiegati e posizionati in relazione alle opere d’arte iconiche che sono venute a definire, illustrando così la transitorietà della fotografia “buona” e “cattiva”.

BJP-Online ha parlato con il curatore Clément Chéroux dell’importanza di fare errori, e delle complessità coinvolte nella realizzazione della mostra.

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BJP-Online: Nell’era della fotografia digitale, si potrebbe sostenere che il mezzo fotografico ha, in un certo senso, chiuso il cerchio – la fotografia digitale ci permette di creare immagini senza errori. Qual è l’importanza di guardare agli errori e di pensare a come gli errori possano alimentare le pratiche creative delle persone oggi?

Clément Chéroux: C’è una bellissima citazione di Diane Arbus nella mostra, che recita: “È importante fare brutte foto”. Questo è importante perché se non si fanno cattive fotografie, non si faranno neanche buone fotografie. Questo è qualcosa che è cruciale per la storia della fotografia. La maggior parte dei più importanti fotografi del XX secolo ha riconosciuto, ad un certo punto della sua carriera, che stava facendo degli errori. Ma hanno capito l’importanza di farlo.

La mostra è organizzata intorno all’idea che un errore è un punto di ingresso a qualcosa di nuovo. L’errore rivela qualcosa a cui si può non aver pensato prima: un nuovo modo di fare fotografia.

Sono anche molto interessato all’importanza di ciò che chiamiamo serendipità, che è stata molto importante nella scienza e anche nella cucina. Credo che alcuni dei migliori fotografi della storia della fotografia siano stati quelli che hanno commesso un errore, ma hanno riconosciuto quell’errore come qualcosa di interessante, e forse più interessante di quello che stavano cercando. Credo davvero che questo sia qualcosa di così cruciale per la storia della fotografia.

“È importante fare brutte foto”

Diane Arbus

BJP-Online: Cosa ci dice la mostra sul ruolo che il gusto gioca nel definire la traiettoria della fotografia, e delle arti, più in generale? Ciò che costituisce una buona fotografia tecnicamente spesso contrasta con ciò che costituisce una buona fotografia stilisticamente. Perché pensa che sia così?

Chéroux: Questa è una parte molto importante della mostra. Man Ray ha detto: “I trucchi di oggi sono le verità di domani”. Era davvero importante mostrare che il gusto si evolve. Ciò che era presumibilmente un errore per una generazione potrebbe diventare un successo, o una proposta estetica interessante, per la prossima. Un errore di oggi potrebbe essere interessante in futuro.

Con la fotografia non si sa mai. Il gusto è in continuo cambiamento ed evoluzione. Per esempio, qualcosa che potrebbe essere considerato un errore in un contesto amatoriale potrebbe essere considerato una grande fotografia nel museo, e viceversa. Quindi ci sono spostamenti che dipendono dal contesto in cui si guarda la fotografia, ma anche dal tempo.

E questa era un’idea centrale della mostra: mostrare questi diversi approcci alla fotografia – la prospettiva normativa esposta dai manuali, e la prospettiva molto più libera di molti artisti.

BJP-Online: Alla fine del testo introduttivo della mostra lei scrive che: “gli errori di oggi possono essere i successi di domani”. Come prevede che si evolverà il gusto fotografico?

Chéroux: Sono sempre piuttosto imbarazzato quando la gente mi chiede del futuro della fotografia perché non sono un indovino. Ma so che i fallimenti del passato sono stati molto importanti per i futuri fotografi. Quindi, dovremmo stare attenti oggi a ciò che consideriamo un errore o un incidente, perché non si sa mai e, forse in futuro, diventerà qualcosa di importante.

Gli artisti sono già interessati al nuovo tipo di errori e fallimenti che sono emersi con la tecnologia digitale. Per esempio, alla fine della mostra, abbiamo un lavoro di Sarah Cwynar. Ha creato questa serie in cui ha scannerizzato dei manuali che spiegano come ottenere una buona fotografia. Durante il processo di scansione, ha spostato il libro nello scanner, quindi c’è una sorta di distorsione dell’immagine. Questa è una riflessione sull’errore digitale contro quello analogico, che è anche visivamente interessante.

“I trucchi di oggi sono le verità di domani”

Man Ray

BJP-Online: È davvero interessante come ogni singolo pannello descriva un errore e poi lo posizioni in relazione all’artista che ha impiegato quell’errore in modo creativo. Perché hai deciso di strutturare la mostra in questo modo?

Chéroux: La mia idea iniziale per la mostra era di strutturarla in termini di errore del soggetto, errore della tecnica e errore del fotografo – per affrontare la questione degli errori attraverso le loro diverse cause. Ma ho deciso che questo era troppo complesso. Così, mi sono fissato sugli errori tecnici: solarizzazione, doppia esposizione, perdite di luce, ecc.

Per ogni errore, abbiamo un pannello diviso in due parti. La prima parte spiega cos’è l’errore, e la seconda parte spiega come e perché l’artista era interessato ad esso. Quindi c’è questo tipo di approccio a doppio effetto, che è tecnico ma anche orientato alla storia dell’arte.

BJP-Online: Cosa vuoi che gli spettatori traggano dalla mostra? Come vuole che influenzi la loro percezione della fotografia?

Chéroux: L’idea principale della mostra è spiegare che il ruolo di un museo non è quello di definire cosa sia una “buona” fotografia e cosa una “cattiva” fotografia. Come ho detto prima, una fotografia può essere buona in un certo luogo e in un certo momento, e dieci o venti anni dopo, in un altro luogo, la stessa foto può essere qualcosa di completamente diverso.

La cosa più importante per me è la relatività del gusto – il fatto che il gusto è in continua evoluzione e che dobbiamo tenerne conto.

Non farlo! Photography and the Art of Mistakes è in mostra al SFMOMA, San Francisco, fino al 01 dicembre 2019.