20世紀初頭の美術史に火をつけた歴史的前衛芸術家たち。 ローズリー・ゴールドバーグのパフォーマンス批評は、未来派、構成主義、ダダ、バウハウス、そしてシュルレアリスムの実験を、20世紀におけるパフォーマンス・アートの歴史の起源に明確に結びつけています。 本稿では、パフォーマンス・アートの歴史を簡単に振り返る。
パフォーマンス・アートの誕生
前世紀の間に、芸術家の身体とその行為は、ライブアート活動の中心的役割を果たし、次第にパフォーマンスという用語に独自の語彙を見出した。 芸術家、舞台芸術、公衆、そしてその行為を主催する施設との間のライブな関係は、芸術の歴史において何も新しいものではなく、我々の祖先の火を巡る物語、狂言やギリシャ演劇、中世のゲーム、ルネッサンスやバロックの演劇、オペラ、未来派のイベントやダダのカバレットまでさかのぼることができる。 20世紀には、パフォーマーはもはや神々の神話や仮面やキャラクターを表すのではなく、アーティストであり、パフォーマンスは社会の中でその存在を確立している」
ゴールドバーグにとって、パフォーマンスはその本質から、彼のエッセイで与えられる単純な説明以外の正確な定義を持ち得ない。 「アーティストによるライブ・アート」である。 マリナ・アブラモヴィッチにとって、パフォーマンスは、典型的な演劇的表現から際立ったものである。 「私が行う唯一の演劇は私自身であり、私の人生は私が演じることができる唯一のものである」。 しかし、アーティスト自身にとってこの発言は、パフォーマンスが彼女自身の行為のための空間としての劇場を拒絶することを意味するものではなく、それどころか、ローズリー・ゴールドバーグは、それが演劇言語自体の更新にいかに影響を与えたかを強調している。 南アフリカ出身の批評家にとって、パフォーマンスは翻訳を必要とせず、身体に焦点を当てた視覚的表現である傾向がある。最新のテクノロジーを使い、はかないものや普遍的なジェスチャーへの召命を持ち、短いまたは非常に長い時間を持ち、社会批判から古代儀式まで、自伝的要素からメタ芸術批判まで、非常に複雑な図像を構築するのだ。
パフォーマンス・アート：未来派からブラック・マウンテン・カレッジまで
ゴールドバーグは、他の美術評論家たちがパフォーマンスを断続的な芸術表現ではなく、概念芸術の反省を具体的に表現したものとして認識し始めていた1979年にパフォーマンス・アートの歴史に関する最初の研究の一つを発表しました。 そのエッセイの中で彼は、20世紀におけるパフォーマンスの歴史のルーツを、チューリッヒのキャバレー・ヴォルテールのような、前衛芸術家が絵画や彫刻による視覚表現を生み出す前に、自らのポスターのアイデアで実験を行っていた界隈にまで遡る。 したがって、未来派の熱気は、戦争からの避難を求めるアーティストを通じてヨーロッパからアメリカに渡った20世紀のパフォーマンスの最初の火種となるはずだ。
1940年代以降、ブラックマウンテン大学でジョン・ケージとマース・カニガムは偶然性と不確定性の概念を探求し、非意図的音楽と新しいダンスの実践を生み出し、東洋の禅哲学と共鳴してパフォーマンスの幕開けへの考察を練り上げた。 「芸術は生活と区別されるべきではなく、生活の中の行為であるべきだ。 偶発的な事故、複雑さ、無秩序さ、そして稀な美しさを持つ、その過程で起こるすべてのもののように」と語るケージは、1952年にピアノの音を一切出さず、観客に環境から生じる音を聴かせる有名な『4分33秒』を発表した。 8567>
50年代から60年代にかけてのパフォーマンス・アートの最盛期
1950年代、ジョン・ケージの教室には、アラン・カプロ、ジョージ・ブレヒト、ディック・ヒギンズ、ジョージ・セガール、ジム・ダイン、クレス・オルダーンバーグやロバート・ラウヘンバーグらも参加している。 1959年、カプロフは「6つの部分からなる18のハプニング」を発表したが、これはおそらく、アメリカだけでなく、60年代前半に評論家のジョージ・マクニアスが「フルクサス」という名前でラベルをつけたアーティスト・グループのさまざまな行動に影響を与えることになったのだろう。 1950年代後半から60年代初頭にかけて、ヨーロッパではイヴ・クラインやピエロ・マンゾーニが、芸術がギャラリーや美術館に追いやられるのを防ぐためにアクションを起こし、ウィーン・アクショニズムのメンバーが血まみれのパフォーマンスを行い、ジャクソン・ポロックやナム・ジュン・パイクといったアーティストも、それぞれの芸術活動において身体による行為を試みていたのである。 さらに、この時期のアクションは男性アーティストだけでなく、具体グループの田中敦子のほか、1961年にはニキ・ド・サンファルが銃声の絵画を発表、1963年にはカロリー・シュネーマンが有名なアイ・ボディのアクションを行い、翌年のミート・ジョイ、1965年には久保田重子によるヴァギナ絵画がニューヨークで行われ、パフォーマンスにおける女性の存在を一気に確立したのです。
1968年の学生運動は、芸術の歴史の中でパフォーマンスが決定的に認識されるようになった1970年代の到来を告げる。
この時期、観客と同時に芸術を体験することとともに、身体と芸術家の存在は、パフォーマンスの中心的役割を担い、一部のアーティストは完全にパフォーマンスに専念していた。 これらのパフォーマーの行為もまた非常に異なっていた。短かったり長かったり、親密であったり大規模であったり、プログラムされていたり即興であったり、自伝的であったり衝撃的であったり、難解であったり風刺的であったり、社会批判を扱ったり、疎外されたグループや多様性について、あるいは芸術そのものやその市場との関係やアーティストと観客との関係性について語ることがあった。
20世紀と21世紀のパフォーマンスアート
したがって、パフォーマンスは複雑な芸術表現であり、ゴールドバーグが提供した定義よりも広い定義で自分自身を認識しようと苦闘しているのである。 私の研究は、20世紀のパフォーマンスを、パフォーマーが社会の中で自分の存在を確立するアーティストであるという経験として考察しています。 パフォーマンス批評家にとって，21世紀の初めに美術館が娯楽の場にもなったとき，パフォーマンスはアーティストとの直接の出会いの場となり，世界における芸術の役割について語り合う機会となるのである． 今世紀最初の10年の終わりに、2009年にMoMAで開催された「100 Years of Performance Art」展では、1909年の未来派宣言以降のパフォーマンス・アートの歴史が100余りのモニターで紹介され、前世紀の芸術史におけるパフォーマンスの役割が証明され、2010年に同館で行われたマリナ・アブラモヴィッチの回顧公演「The Artist Is Present」は現代芸術における芸術家の存在の中心性を確認するものであった。
1920 年代にさかのぼり、パフォーマンスは、芸術的実践とそれに関わる人々、そして日常生活の間の複雑な関係を調査するためにアーティストが用いる表現であり、いまだに型破りで無秩序な行為を通して国際的な議論の中心的問題に取り組み続けている。 パフォーマンスが常に社会的に注目されることで、芸術的実践と日常生活との関係についての研究が生かされているようだ。
ソーントン S． 33 artists in 3 acts, Feltrinelli, 2015.
1916年2月5日からのキャバレー・ボルテールでは、カンディンスキー、リキテンシュタイン、アルプ、ツァラなど、当時最も影響力のあったアーティストたちの詩や介入が始まった
Cage J…,
カプロー A., Assemblage, Environments & Happenings, New York, 1966.
ジョーンズ A., Body Art:
1970年代には、まさにパフォーマンス・アートに組織的に取り組み始めたアーティストがいました。
何人かのアーティストがパフォーマンス・アートに整然と取り組み始めたのはまさに 1970 年代のことで、その中にはマリナ・アブラモヴィッチ、ブルース・ナウマン、ジーナ・パネ、ギルバート&ジョージ、ヴィト・アコンチ、ジョアン・ジョナス、クリス・バーデン、アナ・メンディエタがいる。
MOMA, Marina Abramovic: The Artist is Present, Exh.Cat. 2010.