La música soul surgió a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 como una de las formas más distintivas de la historia de la música popular estadounidense. Especialmente para los estadounidenses de raza negra, la música soul definió la década de 1960, ofreciendo una banda sonora cultural al movimiento por los derechos civiles y al despertar más amplio de la conciencia y el orgullo negros. Los éxitos del soul dominaron las listas de éxitos durante esa década, pero definir exactamente lo que era el soul no fue tarea fácil, ni siquiera para algunos de sus mejores artistas. WilsonPickett definió el soul como «nada más que un sentimiento». Don Covay dijo: «Para un cantante, el soul es la libertad vocal total». Aretha Franklin explicó: «Para mí, el soul es un sentimiento, mucha profundidad y ser capaz de sacar a la superficie lo que está sucediendo en el interior…. Es simplemente la emoción, la forma en que afecta a otras personas». Hay elementos del género que perduran, pero el periodo clásico de la música soul, entre 1960 y 1975 aproximadamente, sigue siendo una de las contribuciones más importantes a la cultura popular estadounidense por su estilo, su fuerza cruda y emotiva y su profundidad de sentimientos. Junto con el jazz, es una de las contribuciones más originales de Estados Unidos a la cultura mundial.
Si la definición de la música soul resultó esquiva, sus orígenes no lo fueron. La música soul surgió en la década de 1950 como un cruce entre el rhythm and blues y la música gospel. La música soul combinaba al pecador del sábado por la noche y al arrepentido del domingo por la mañana en una sola persona o una sola canción, tal como existían en la vida real. Al combinar los temas del R&B con los elementos del gospel (canto de llamada y respuesta, armonías cercanas y temas de celebración, pérdida y anhelo), los primeros artistas de soul a menudo secularizaban las melodías del gospel cambiando las palabras clave: la canción gospel «Talkin’ ‘Bout Jesus» se convirtió en «Talkin’ ‘Bout You»; «This Little Light of Mine» se convirtió en «This Little Girl of Mine»; «I’ve Got a Savior» se convirtió en «I Got a Woman». Esta transición reflejaba los cambios que se estaban produciendo en la comunidad negra después de la Segunda Guerra Mundial, ya que cada vez más estadounidenses de raza negra se trasladaban del sur rural al norte urbano. Los primeros en llegar al Norte habían creado la música R&B a mediados de los años 40 como expresión de las nuevas realidades de la vida en estos barrios urbanos. Más tarde, a medida que más negros del Sur llegaban a estas comunidades, trajeron consigo elementos de la música gospel del Sur. Ambas formas musicales coexistieron como expresiones separadas de la vida negra. Sin embargo, pronto se cruzaron, produciendo lo que se convirtió en la música soul.
El padre reconocido de este cruce fue Ray Charles. Todas las canciones evangélicas secularizadas mencionadas anteriormente fueron éxitos para Charles a mediados de la década de 1950. Nacido en 1930 en Albany (Georgia), Charles se trasladó a Seattle cuando era adolescente y surgió a finales de la década de 1940 como crooner al estilo de Nat «King» Cole tocando en clubes locales como el Rocking Chair y el Black and Tan. Allí llamó la atención de SwingtimeRecords, una de las primeras compañías de grabación de R&B de propiedad negra, y publicó varios temas de blues e inspirados en Cole, entre ellos «Kissa Me Baby» y «Confession Blues». Al pasar a Atlantic Records en 1952, Charles comenzó a desarrollar un estilo más terrenal que adquirió trabajando con los músicos de blues Guitar Slim y Lowell Fulsom. En Atlantic, empezó a combinar elementos de blues con estilos de gospel que había aprendido de niño en Georgia. Ese estilo se convirtió en la base de la música soul y proporcionó a Charles una serie de éxitos durante la década de 1950, como «Lonely Avenue», «I Got a Woman», «Hallelujah I Love Her So» y, quizás, su mayor éxito, «What’d I Say», que combinaba un segmento de llamada y respuesta gospel entre Charles y sus coristas, las Raelettes, gemidos que podrían haber salido fácilmente del dormitorio o del púlpito, y una banda de R&B.
Siguiendo los pasos de Charles estaba Sam Cooke, que había llegado a la fama como cantante principal del grupo de gospel Soul Stirrers antes de desarrollar un estilo de soul más orientado al pop que le proporcionó éxitos como «You Send Me», «Twistin’ the Night Away» y «Bring It on Home to Me». Jackie Wilson también empezó en un grupo vocal, los Dominoes, antes de forjar un estilo pop-soul con canciones como «Reet Petite», «Lonely Tear-drops» y «Baby Workout». Mientras que la música de Charles mantenía una estrecha conexión con los elementos crudos de la música R&B, Wilson y Cooke acercaron el matrimonio entre el R&B y el gospel al ámbito del pop.
Hicieron falta tres compañías discográficas para llevar el soul a la corriente principal. Fueron Atlantic Records en Nueva York, Motown Records en Detroit y Stax/Volt Records en Memphis. Aunque muchos sellos más pequeños hicieron contribuciones inestimables a la música soul, estos tres sellos fueron los responsables de parte de la música soul más explosiva de las décadas de 1950 y 1960. La mayoría de los principales talentos de la música soul, con algunas excepciones muy notables, estaban en estos tres sellos discográficos. Y, aunque había grandes talentos individuales en la lista de cada sello, cada compañía logró construir un sonido único que identificaba a cada artista con su sello particular.
Herb Abramson y Ahmet Ertegun formaron Atlantic Records en 1947. Sus primeros lanzamientos fueron en el ámbito del jazz, pero en 1949 se adentraron en el R&B y se convirtieron en uno de los sellos discográficos independientes dominantes en ese campo en la década de 1950 debido a sus éxitos con artistas de R&B como Ruth Brown, Ray Charles, Joe Turner, LaVern Baker, los Clovers y otros. Con el éxito de los discos de Charles en el emergente estilo soul, Atlantic se adentró aún más en la música soul. A principios y mediados de la década de 1960, Atlantic obtuvo éxitos soul con «Up on the Roof», «This Magic Moment» y «Save the Last Dance for Me» de The Drifters; «Stand by Me» de Ben E. King. King con «Stand by Me» y «Spanish Harlem»; Percy Sledge con «When a Man Loves a Woman»; Wilson Pickett con «Land of 1000 Dances», «Mustang Sally» y «Funky Broadway»; Don Covay con «Seesaw» y Solomon Burke con «Just out of Reach». La principal innovación sonora de Atlantic consistió en llevar el soul a la parte alta de la ciudad, con un sonido más pulido y profesional, gracias a la incorporación de arreglos de cuerda y a la utilización de compositores profesionales del Brill Building.
El mayor éxito de Atlantic, sin embargo, llegó en 1967 con el descubrimiento de la cantante Aretha Franklin. Franklin era la encarnación perfecta de la música soul, ya que combinaba una sólida formación en música religiosa (su padre, el reverendo C. L. Franklin, era el conocido ministro de la iglesia baptista New Bethel de Detroit) con la profundidad de sentimientos y el estilo necesarios para llevar su formación evangélica al mundo de la música secular. A principios de los años 60 firmó con Columbia Records, donde intentó convertirse en una cantante de pop/soul al estilo de Sam Cooke. Sus discos en esta línea no tuvieron éxito, y cuando su contrato con Columbia expiró en 1967, el productor Jerry Wexler la fichó para Atlantic. Allí, Wexler llevó a Franklin a los estudios Fame de Rick Hall en Muscle Shoals, Alabama, donde había tenido éxito al remodelar el sonido de Wilson Pickett. Muscle Shoals, con su combinación de músicos sureños blancos y negros, se estaba convirtiendo en un semillero de música soul, un lugar en el que el sentimiento necesario para la música soul parecía aflorar más fácilmente. Allí, Franklin rehízo su sonido, dejando aflorar sus raíces evangélicas. Debutó en Atlantic en 1967 con el álbum I Never Loved a Man the Way I Love You (Nunca amé a un hombre como te amo a ti), que llegó al número dos en las listas de álbumes de ese año. Tanto la canción principal como la versión de Franklin de «Respect» de Otis Redding llegaron al número uno de las listas de R&B de ese año. El álbum también contenía «Do Right Woman-Do Right Man», «Baby, Baby, Baby» y «Save Me», que se han convertido en clásicos del soul. Franklin publicó dos discos más en el espacio de un año, con éxitos como «Baby I Love You», «Chain of Fools» y el éxito «(You Make Me Feel Like) A Natural Woman», que se situó entre los diez primeros en las listas de pop y R&B. Estos lanzamientos le valieron a Franklin el título indiscutible de «Reina del Soul» y consolidaron a Atlantic como el hogar de una de las músicas soul más poderosas jamás producidas.
El compositor, productor y antiguo propietario de una tienda de discos Berry Gordy, Jr. fundó Motown Records en 1960 en un sencillo bungalow blanco en el 2648 de West Grand Boulevard en Detroit, Michigan. Gordy había escrito y producido con éxito canciones para Jackie Wilson («Lonely Teardrops») y Barrett Strong («Money») durante los últimos años de la década de 1950 que se basaban en las innovaciones de Ray Charles en la fusión de los estilos R&B y gospel. En 1960, Gordy dejó de producir de forma independiente (donde alquilaba canciones a otros sellos) y creó su propio sello, Tamla, que más tarde pasó a formar parte de Motown. En Motown, Gordy creó una fórmula de composición/producción/grabación que, a finales de la década de 1960, vendería más singles que ninguna otra compañía. Lo hizo con lo que parecía una producción en cadena, y Gordy se refería a su papel como «control de calidad». En primer lugar, reunió un equipo de compositores y productores de primera línea, como Smokey Robinson y el equipo de Brian Holland, Lamont Dozier y Eddie Holland, que escribieron un éxito tras otro para Gordy. A continuación, formó una banda de la casa que incluía a Benny Benjamin en la batería, Joe Messina en la guitarra, James Jamerson en el bajo, Earl Van Dyke en los teclados y otros miembros habituales. Juntos, los equipos de composición y producción y la banda de la casa establecieron un estilo característico e inconfundible. A continuación, aprovechando el rico talento local de Detroit, Gordy reunía o contrataba a grupos vocales o cantantes individuales para grabar las canciones.
Parte del don de Gordy consistía en transformar el talento callejero en bruto en un producto musical pulido, lo que hacía utilizando este proceso de cadena de montaje y su ojo para los jóvenes talentos prometedores, llamando a Motown el «Sonido de la joven América». La lista de estrellas de Motown incluía a las Supremes («Baby Love», «You Can’t Hurry Love», «Love Child»), Marvin Gaye («I Heard It through the Grapevine», «Pride and Joy»), los Four Tops («Standing in the Shadows of Love», «Bernadette,», «Reach out I’ll Be There»), los Temptations («My Girl», «Ain’t Too Proud to Beg»), Mary Wells («My Guy»), Martha and the Vandellas, Smokey Robinson and the Miracles («I Second That Emotion», «The Tracks of My Tears»), las Marvelettes, Jr. Walker and the All-Stars, Stevie Wonder («Uptight», «Signed, Sealed, Delivered, I’m Yours», «For Once in My Life»), y Gladys Knight and the Pips, entre muchos otros. El éxito nacional de Motown con esta fórmula radicó en la capacidad de su música para resonar tanto en las comunidades negras como en las blancas, y muchos de los éxitos mencionados encabezaron las listas de R&B y Pop a lo largo de la década de 1960. Desde el principio, por razones comerciales o de otro tipo, Gordy siguió un enfoque integracionista, y su éxito hizo que la música soul creada en la Motown se acercara cada vez más al ámbito del pop.
Aunque la fórmula de Gordy fue la responsable de la mayor parte del éxito de la Motown, a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, algunos de sus primeros artistas empezaron a salirse de la fórmula de la Motown, madurando musicalmente para crear estilos muy personales y propios. Los dos más destacados y únicos fueron Marvin Gaye y Stevie Wonder. Gaye se salió del molde de la Motown de forma decisiva con el álbum de actualidad What’s Going On de 1971: tanto su tema principal como «What’s Happening Brother» abordaban la guerra de Vietnam, «Mercy Mercy Me» el medio ambiente, e «Inner City Blues» la crisis urbana en las comunidades de los guetos de Estados Unidos. Wonder se convirtió en una fuerza musical por sí mismo con una serie de importantes álbumes a principios de la década de 1970 en los que escribió y cantó todas las canciones y tocó la mayoría de los instrumentos. Incluido en álbumes como Innervisions, Talking Book, Fulfillingness First Finale, Music of My Mind y su doble álbum Songs in the Key of Life, Wonder consiguió grandes éxitos con canciones como «You Are the Sunshine of My Life», «Isn’t She Lovely», «I Wish» y «Superstition». Sus canciones también tomaban a menudo un giro temático, con temas como «Living for the City» y «Village Ghetto Land» sobre los problemas urbanos, y «Too High» sobre la adicción a las drogas. «Higher Ground» era una exhortación a la autoafirmación de los negros, y «You Haven’t Done Nothin» una crítica más amplia a la estructura de poder blanca. La era clásica de Motown terminó después de 1971, cuando Gordy trasladó la compañía a Los Ángeles y renunció al control directo de la producción en el estudio. Con esos cambios, el sonido característico se desintegró.
Si Atlantic y Motown definieron el soul en el norte urbano, Stax/Volt Records de Memphis, durante su periodo clásico de 1960-1968, prácticamente definió el soul sureño, un sonido a la vez relajado y fácil pero lleno de tensión musical que dejaba a los oyentes pidiendo más, que se hizo tan fácilmente reconocible como el sonido Motown. Jim Stewart y su hermana Estelle Axton fundaron Satellite Records en 1959, cambiando el nombre a Stax en 1961 (Volt Records fue una filial posterior), y empezaron a grabar a músicos negros locales, estableciendo finalmente un estudio en un antiguo cine de Memphis en el 926 de E. McLemore Avenue. Entre sus primeros artistas grabados estaban el DJ local Rufus Thomas y su hija Carla. Carla Thomas consiguió un primer éxito en 1960 con «Gee Whiz», que alcanzó el top ten en las listas de R&B y Pop. El siguiente éxito de Stax fue «Last Night», un tema instrumental de los Mar-Keys que presentaba una combinación única de órgano, guitarra y vientos que se convertiría en el sello del sonido de Stax/Volt. Aunque no estaba tan bien dirigida como la Motown, Stax/Volt empleaba algunas de las mismas técnicas. La banda instrumental Booker T. and the MGs se convirtió en esencia en la banda de la casa de Stax, además de conseguir numerosos éxitos por su cuenta, como «Green Onions» y «Time Is Tight». ¡Stax también se benefició de un grupo central de compositores y productores, entre los que destacan David Porter e Isaac Hayes, que escribieron muchos de los grandes éxitos de Stax, como «Hold On! I’m Comin»‘ y «Soul Man» de Sam y Dave y «B-A-B-Y» de Carla Thomas. Varias estrellas de Stax/Volt eran también escritores, como Eddie Floyd, que coescribió sus propios éxitos «Knock on Wood» y «Raise Your Hand», entre otros. Aún más prolífico fue el guitarrista de MG Steve Cropper, quien, además de tocar la guitarra en muchos discos de Stax/Volt, también coescribió muchas canciones con otros artistas de Stax/Volt, incluido el sencillo de Stax/Volt más vendido de todos los tiempos, «(Sittin’ on) The Dock of the Bay», con Otis Redding. Al igual que Aretha Franklin en Atlantic, Redding fue, con diferencia, la mayor estrella de Stax/Volt y uno de los cantantes de soul más característicos de la historia, con un estilo poderoso, crudo y emocional que parecía extraer todo el sentimiento de cada nota de una canción. Redding, que también era un prolífico compositor, consiguió algunos de los mayores éxitos de Stax/Volt, como «Respect», «Try a Little Tenderness», «These Arms of Mine», «Mr. Pitiful», «The Happy Song (Dum-Dum)» y, literalmente, docenas más antes de su prematura muerte en un accidente de avión en diciembre de 1967.
Stax/Volt continuó tras la muerte de Redding, pero las cosas nunca volvieron a ser lo mismo. A pesar de una serie de éxitos en el período 1968-1972, Stax decayó con la disolución de Booker T. y los MG y la pérdida de su acuerdo con Atlantic Records, que había dado a Atlantic los derechos de distribución de las grabaciones de Stax, desde principios de la década de 1960. Con la ruptura de ese acuerdo, Atlantic se quedó con los catálogos más vendidos de Stax, el de Otis Redding y el de Sam and Dave, que eran en muchos sentidos el corazón del imperio Stax/Volt. Estos problemas fueron erosionando poco a poco el estilo característico de Stax, y la compañía se declaró en bancarrota en 1975.
Aunque los artistas de Atlantic, Motown y Stax/Volt hicieron mucho por definir la música soul en la década de 1960, el innovador más característico del género, y quizá el más influyente, no procedía de estos tres sellos, sino de la persona de James Brown, de Augusta, Georgia. Nacido en 1933, Brown surgió como uno de los primeros cantantes de R&B/soul a mediados de la década de 1950 con éxitos como «Please, Please, Please» y «Try Me». Consiguió más éxitos a principios de los años sesenta, pero su apogeo llegó a finales de la década, cuando se apartó de las formas más estándar del soul para crear su propia marca de soul/funk, un sonido más duro, intenso y potente que se manifestó en canciones como «Cold Sweat», «Papa’s Got a Brand New Bag», «Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine» y «I Got You (I Feel Good)». Brown también hizo poderosas canciones de declaración durante el apogeo del poder negro, como «Say It Loud-I’m Black and I’m Proud», «I Don’t Want Nobody to Give Me Nothing (Open Up the Door I’ll Get It Myself)», «Get Up, Get into It, and Get Involved» y «Soul Power». Las innovaciones estilísticas de Brown en la música soul influyeron en el desarrollo de la música funk en la década de 1970 y de la música rap en la década de 1980.
Aunque grandes artistas de soul como Al Green, los Staple Singers, Curtis Mayfield, los ya mencionados Marvin Gaye y Stevie Wonder, y muchos otros continuaron grabando música soul, la era del soul clásico terminó a mediados de la década de 1970 cuando la música negra se fragmentó en estilos como la música disco y el funk, que hacían hincapié en los ritmos de baile por encima de las canciones bien elaboradas. Los grandes sellos discográficos que habían actuado como importantes conductos para la música soul también se movieron en otras direcciones. Atlantic se decantó por el rock, Motown se marchó a Los Ángeles y Stax/Volt se desmoronó por problemas financieros. En términos de estilo, la conexión con la música góspel que tanto caracterizaba al soul perdió influencia en la música negra en general, y el soul evolucionó hacia un sonido más homogéneo conocido como música «urbana contemporánea».
-Timothy Berg
Más lecturas:
George, Nelson. The Death of Rhythm and Blues. New York, Plume, 1988.
Guralnick, Peter. Sweet Soul Music: Rhythm and Blues and the Southern Dream of Freedom. Nueva York, Harper & Row, 1986.
Haralambos, Michael. Right On: From Blues to Soul in Black America. Nueva York, Drake Publishers, 1975.
Hirshey, Gerri. Nowhere to Run: The Story of Soul Music. New York, Times Books, 1984.
Miller, Jim, editor. The Rolling Stone Illustrated History of Rock & Roll. New York, Random House/Rolling Stone Press, 1980.
Shaw, Arnold. The World of Soul: Black America’s Contribution to the Pop Music Scene. New York, Cowles Book Company, 1970.
Szatmary, David P. Rockin’ in Time: A Social History of Rock-and-Roll. Englewood Cliffs, N.J., Prentice Hall, 1991.
Various Artists. Atlantic Rhythm and Blues: 1947-1974. Atlantic Recording Corporation, 1985.
Various Artists. Beg, Scream, and Shout!: The Big Ol’ Box of ’60s Soul. Rhino Records, 1997.
Various Artists. The Complete Stax/Volt Singles, 1959-1968. Atlantic Recording Corporation, 1991.
Various Artists. Hitsville U.S.A.: The Motown Singles Collection, 1959-1971. Motown Records, 1992.