De historische avant-gardes hebben de geschiedenis van de kunst in het begin van de 20e eeuw in brand gestoken. RoseLee Goldberg’s performance kritiek legt een duidelijk verband tussen de experimenten van het Futurisme, Constructivisme, Dada, Bauhaus en vervolgens het Surrealisme en de oorsprong van de geschiedenis van de Performance Art in de 20ste eeuw. In dit artikel hervat ik een korte geschiedenis van de Performance Art.
De geboorte van de Performance Art
In de loop van de vorige eeuw krijgen het lichaam van de kunstenaar en zijn actie een centrale rol in de live art praktijk, en vinden geleidelijk aan een eigen vocabulaire in de term performance. De live relatie tussen de kunstenaar, de uitvoerende kunsten en het publiek, en ook de instellingen die de actie organiseren, is niets nieuws in de kunstgeschiedenis, maar kan worden teruggevoerd op de verhalen rond het vuur van onze voorouders, via rapsods en Grieks theater, via middeleeuwse spelen, Renaissance en Barok theater, Opera, tot Futuristische manifestaties en Dada cabarets. In de twintigste eeuw vertegenwoordigt de performer niet langer de mythen van de goden, een masker of een personage, maar is hij de kunstenaar en de performance vestigt zijn aanwezigheid in de maatschappij.
Voor Goldberg onttrekt de performance zich uit de aard der zaak aan een precieze definitie, anders dan de eenvoudige omschrijving die hij in zijn essay geeft: “live kunst door kunstenaars”. Voor Marina Abramovic onderscheidt de performance zich van de typisch theatrale voorstelling: “het enige theater dat ik doe is mijn eigen, mijn leven is het enige dat ik kan acteren”. Maar voor de kunstenares zelf betekent deze uitspraak niet dat de performance het theater verwerpt als een ruimte voor haar eigen handelen, integendeel, RoseLee Goldberg benadrukt hoe ze de vernieuwing van de theatertaal zelf heeft beïnvloed. Voor critici van Zuid-Afrikaanse origine neigt de performance ertoe een visuele expressie te zijn die geen vertaling behoeft en zich richt op het lichaam; ze maakt gebruik van de modernste technologieën, heeft een roeping voor het efemere en universele gebaren, heeft een korte of zeer lange duur en construeert zeer complexe iconografieën, variërend van sociale kritiek tot oude rituelen, van autobiografische elementen tot metartistische kritiek.
Performance Art: from Futurists to Black Mountain College
Goldberg publiceerde een van de eerste studies over de geschiedenis van de performancekunst in 1979, toen de rest van de kunstcritici performance was gaan erkennen als niet een onderbroken kunstuiting, maar een tastbare uitdrukking van de reflecties van de conceptuele kunst. In zijn essay traceert hij de wortels van de geschiedenis van de performance in de 20ste eeuw terug tot de kringen waar avant-garde kunstenaars experimenteerden met de ideeën van hun eigen affiches alvorens hun visuele uitingen te creëren via schilderkunst of beeldhouwkunst, zoals het Cabaret Voltaire in Zürich. De vurigheid van het Futurisme zou dus de eerste vonken moeten zijn van de performance van de 20ste eeuw, overgaand van Europa naar de Verenigde Staten via kunstenaars die beschutting zochten voor de oorlog.
Sinds de jaren veertig hebben John Cage en Merce Cunnigham aan het Black Mountain College de begrippen toeval en onbepaaldheid onderzocht, niet-intentionele muziek en een nieuwe danspraktijk gecreëerd, sympathiserend met de oosterse Zen-filosofie en hun bespiegelingen uitgewerkt over de dageraad van de performance. “Kunst moet niet worden onderscheiden van het leven, maar moet een actie daarin zijn. Zoals alles wat in zijn loop gebeurt, met zijn toevallige ongelukken, zijn complexiteit, zijn wanorde en zijn zeldzame momenten van schoonheid”, aldus Cage, die in 1952 zijn beroemde 4’33” presenteerde, zonder enig geluid op de piano te produceren en het publiek te laten luisteren naar de geluiden die door de omgeving werden voortgebracht. In verwijzing naar deze gebeurtenis verklaart Cage “mijn favoriete stuk is het stuk dat ik altijd rondom mij beluister als alles rustig is”.
Het grote seizoen van de Performance Art tussen de jaren 50 en 60
In de jaren 50 werden de lessen van John Cage, naast andere kunstenaars, bijgewoond door Allan Kaprow, George Brecht, Dick Higgins, George Segal, Jim Dine, Claes Oldernburg en Robert Rauchenberg. In 1959 gaf Kaprow leven aan de 18 Happenings in 6 Parts, die waarschijnlijk de inspiratiebron zouden zijn geweest voor de verschillende acties van de groep kunstenaars die door de criticus George Macunias in het begin van de jaren zestig onder de naam Fluxus werden gelabeld, en niet alleen in de Verenigde Staten. In 1954 voerde in Japan de groep Gutai een reeks acties uit waarbij de kunstenaars de doeken doorbraken en rechtstreeks met het lichaam schilderden; tussen het einde van de jaren vijftig en het begin van de jaren zestig stelden ook in Europa Yves Klein en Piero Manzoni acties voor om te voorkomen dat kunst zou worden gedegradeerd tot galeries of musea, de leden van het Weense Actionisme voerden hun bloedige performances uit en andere kunstenaars zoals Jackson Pollok en Nam June Paik experimenteerden ook met de actie van het lichaam in hun respectieve artistieke praktijken. Bovendien werden de acties van deze jaren niet alleen door mannelijke kunstenaars uitgevoerd: naast Atsuko Tanaka van de Gutai groep, presenteerde Niki de Saint-Phalle in 1961 zijn pistoolschotschilderijen, in 1963 voerde Carolee Schneeman de beroemde Eye Body actie uit en het jaar daarop Meat Joy, in 1965 trad Shigeko Kubota op met Vagina Painting in New York, waarmee meteen de aanwezigheid van vrouwen in de performancepraktijk werd vastgelegd.
De studentenbewegingen van 1968 markeerden de komst van de jaren zeventig, die leidden tot de definitieve erkenning van performance binnen de kunstgeschiedenis.
In deze jaren kregen het lichaam en de aanwezigheid van de kunstenaar, samen met de ervaring van kunst tegelijkertijd met het publiek, een centrale rol voor performance en sommige kunstenaars wijdden zich volledig aan performance. De acties van deze performers waren ook zeer verschillend: ze konden kort of lang zijn; ze konden intiem zijn, of op grote schaal optreden; ze konden geprogrammeerd of geïmproviseerd zijn; ze konden autobiografisch of schokkend zijn, esoterisch of satirisch; ze konden sociale kritiek behandelen, spreken over gemarginaliseerde groepen, diversiteit, of de kunst zelf, de relatie met haar markt en de relatie tussen kunstenaar en publiek.
Performance Art tussen 20ste en 21ste eeuw
De performance is dus een complexe kunstuiting, die moeite heeft zich te herkennen in een bredere definitie dan die van Goldberg. Mijn onderzoek beschouwt de performance van de 20ste eeuw als een ervaring waarin de performer de kunstenaar is die zijn of haar aanwezigheid in de maatschappij vestigt. Wanneer aan het begin van de 21ste eeuw het museum ook een plaats van vermaak wordt, wordt voor performancecritici de performance een gelegenheid voor een directe ontmoeting met de kunstenaar en een gelegenheid voor een gesprek over de rol van kunst in de wereld. Aan het einde van het eerste decennium van onze eeuw toont de tentoonstelling 100 Years of Performance Art in het MoMA in 2009 op een honderdtal monitoren de geschiedenis van de performancekunst sinds het Futuristisch Manifest van 1909 en getuigt ze van de rol van performance in de kunstgeschiedenis van de vorige eeuw, en de retrospectieve performance The Artist Is Present van Marina Abramovic in 2010 in hetzelfde museum bevestigt de centrale plaats die de aanwezigheid van de kunstenaar in de hedendaagse kunst inneemt. Een aanwezigheid die altijd complex is in haar relatie met het publiek, de instellingen en haar markt.
Naar de jaren twintig van de vorige eeuw blijft performance een expressie die door kunstenaars wordt gebruikt om de complexe relaties tussen de artistieke praktijk, degenen die erbij betrokken zijn en het dagelijks leven te onderzoeken, waarbij centrale kwesties in het internationale debat aan de orde worden gesteld door middel van acties die nog steeds onconventioneel en anarchistisch zijn. De voortdurende sociale aandacht van de performance lijkt het onderzoek naar de relatie tussen de artistieke praktijk en het alledaagse leven levend te houden.
Thornton S., 33 kunstenaars in 3 acts, Feltrinelli, 2015.
Het Cabaret Voltaire van 5 februari 1916 begon met het hosten van de gedichten en interventies van enkele van de meest invloedrijke kunstenaars van die tijd, zoals Kandinsky, Lichtenstein, Arp en Tzara.
Cage J., Notations, New York, 1969.
Kaprow A., Assemblage, Environments & Happenings, New York, 1966.
Jones A., Body Art: Performing the Subject, Minnesota University Press, 1998.
Juist in de jaren zeventig begonnen sommige kunstenaars zich methodisch toe te leggen op performancekunst, waaronder: Marina Abramovic, Bruce Nauman, Gina Pane, Gilbert&George, Vito Acconci, Joan Jonas, Chris Burden en Ana Mendieta.
Goldberg R., The First Decade of the New Century 2001 to 2010, in Performance Art. From Futurism to Present, Thames&Hudson, editie 2011.
MOMA, Marina Abramovic: The Artist is Present, Exh.Cat. 2010.