Historyczne awangardy wznieciły pożar w historii sztuki początku XX wieku. Krytyka performance RoseLee Goldberg wyraźnie łączy eksperymenty futuryzmu, konstruktywizmu, dadaizmu, Bauhausu, a następnie surrealizmu z początkiem historii Sztuki Performance w XX wieku. W tym artykule wznawiam krótką historię Performance Art.
Narodziny Performance Art
W ciągu ostatniego stulecia ciało artysty i jego działanie zyskały centralną rolę w praktyce live art, stopniowo odnajdując swoje własne słownictwo w terminie performance. Żywa relacja między artystą, sztukami performatywnymi i publicznością, a także instytucjami, które goszczą, nie jest niczym nowym w historii sztuki, ale można ją prześledzić od opowieści wokół ognia naszych przodków, przez rapsody i teatr grecki, przez średniowieczne zabawy, teatr renesansowy i barokowy, operę, po wydarzenia futurystyczne i kabarety dadaistów. W XX wieku performer nie reprezentuje już mitów bogów, maski czy postaci, ale jest artystą, a performance ustanawia jego obecność w społeczeństwie.
Dla Goldberga performance ze swej natury wymyka się precyzyjnej definicji innej niż prosty opis, jaki daje w swoim eseju: „sztuka na żywo uprawiana przez artystów”. Dla Mariny Abramovic performance wyróżnia się na tle typowo teatralnych przedstawień: „jedynym teatrem, jaki robię, jest mój własny, moje życie jest jedynym, w którym mogę grać”. Dla samej artystki stwierdzenie to nie oznacza jednak, że performance odrzuca teatr jako przestrzeń dla własnych działań, wręcz przeciwnie – RoseLee Goldberg podkreśla, jak bardzo wpłynął on na odnowę samego języka teatralnego. Dla krytyków pochodzenia południowoafrykańskiego performance jest zazwyczaj wizualną ekspresją, która nie wymaga tłumaczenia i koncentruje się na ciele; wykorzystuje najnowocześniejsze technologie, ma powołanie do efemerycznych i uniwersalnych gestów, trwa krótko lub bardzo długo i konstruuje bardzo złożone ikonografie, od krytyki społecznej po starożytne rytuały, od elementów autobiograficznych po krytykę metartystyczną.
Sztuka performance: od futurystów do Black Mountain College
Goldberg opublikował jedno z pierwszych opracowań na temat historii sztuki performance w 1979 roku, kiedy reszta krytyków sztuki zaczęła uznawać performance nie za przerywaną ekspresję artystyczną, ale za namacalny wyraz refleksji sztuki konceptualnej. W swoim eseju odnajduje korzenie historii performance w XX wieku w środowiskach, w których awangardowi artyści eksperymentowali z ideami własnych plakatów, zanim stworzyli swoje wizualne ekspresje poprzez malarstwo czy rzeźbę, takich jak Cabaret Voltaire w Zurychu. Zapał futuryzmu powinien być zatem pierwszymi iskrami performansu XX wieku, przechodząc z Europy do Stanów Zjednoczonych za pośrednictwem artystów szukających schronienia przed wojną.
Od lat 40. w Black Mountain College John Cage i Merce Cunnigham badali pojęcia przypadku i nieokreśloności, tworząc nieintencjonalną muzykę i nową praktykę taneczną, sympatyzując ze wschodnią filozofią zen i rozwijając swoje refleksje na temat świtu performansu. „Sztuka nie powinna być oddzielona od życia, ale powinna być działaniem w jego obrębie. Jak wszystko, co dzieje się w jego toku, ze swoimi przypadkowymi wypadkami, swoją złożonością, swoim nieładem i rzadkimi momentami piękna” – zastanawia się Cage, który w 1952 roku zaprezentował swoje słynne 4’33”, nie wydając żadnego dźwięku na fortepianie i pozwalając publiczności wsłuchiwać się w odgłosy wytwarzane przez otoczenie. W odniesieniu do tego wydarzenia Cage stwierdza „moim ulubionym utworem jest ten, którego zawsze słucham wokół siebie, gdy wszystko jest spokojne”.
Wielki sezon sztuki performance w latach 50-60
W latach 50. na zajęcia Johna Cage’a uczęszczali między innymi Allan Kaprow, George Brecht, Dick Higgins, George Segal, Jim Dine, Claes Oldernburg i Robert Rauchenberg. W 1959 roku Kaprow dał początek 18 Happenings in 6 Parts, które prawdopodobnie zainspirowałyby różne działania grupy artystów określanych przez krytyka George’a Macuniasa nazwą Fluxus na początku lat sześćdziesiątych i to nie tylko w Stanach Zjednoczonych. W 1954 roku w Japonii grupa Gutai przeprowadziła serię akcji, których artyści przełamywali płótna i malowali bezpośrednio ciałem; na przełomie lat 50. i 60. w Europie Yves Klein i Piero Manzoni również proponowali akcje, których celem było niedopuszczenie do relegowania sztuki do galerii czy muzeów, członkowie akcjonizmu wiedeńskiego przeprowadzali krwawe performance, a inni artyści, tacy jak Jackson Pollok i Nam June Paik, również eksperymentowali z działaniem ciała w swoich praktykach artystycznych. Co więcej, akcje z tych lat nie były wykonywane wyłącznie przez artystów płci męskiej: oprócz Atsuko Tanaki z grupy Gutai, w 1961 roku Niki de Saint-Phalle zaprezentował swoje obrazy postrzałowe, w 1963 roku Carolee Schneeman wykonała słynną akcję Eye Body, a w następnym roku Meat Joy, w 1965 roku Shigeko Kubota wystąpiła z Vagina Painting w Nowym Jorku, natychmiast ustanawiając obecność kobiet w praktyce performance.
Ruchy studenckie 1968 roku wyznaczyły nadejście lat 70., które doprowadziły do ostatecznego uznania performansu w historii sztuki.
W tych latach ciało i obecność artysty, wraz z doświadczaniem sztuki jednocześnie z publicznością, przyjęły centralną rolę dla performansu, a niektórzy artyści całkowicie poświęcili się performansowi. Działania tych performerów były również bardzo różne: mogły być krótkie lub długie; mogły być intymne lub działać na dużą skalę; mogły być zaprogramowane lub improwizowane; mogły być autobiograficzne lub szokujące, ezoteryczne lub satyryczne; mogły dotyczyć krytyki społecznej, mówić o grupach marginalizowanych, różnorodności lub samej sztuce, relacji z jej rynkiem oraz relacji między artystą a publicznością.
Sztuka performance między XX a XXI wiekiem
Więc performance jest złożoną ekspresją artystyczną, która walczy o rozpoznanie siebie w szerszej definicji niż ta, którą podał Goldberg. Moje badania traktują performans XX wieku jako doświadczenie, w którym performer jest artystą ustanawiającym swoją obecność w społeczeństwie. Dla krytyków performance, gdy na początku XXI wieku muzeum staje się również miejscem rozrywki, performance staje się okazją do bezpośredniego spotkania z artystą i okazją do rozmowy o roli sztuki w świecie. Pod koniec pierwszej dekady naszego wieku, wystawa w MoMA 100 Years of Performance Art z 2009 roku pokazuje na około stu monitorach historię sztuki performance od czasu Manifestu Futurystów z 1909 roku, świadcząc o roli performance w historii sztuki poprzedniego stulecia, a retrospektywny performance Mariny Abramovic The Artist Is Present z 2010 roku w tym samym muzeum potwierdza centralność obecności artysty w sztuce współczesnej. Obecności, która jest zawsze złożona w swoich relacjach z publicznością, instytucjami i rynkiem.
Przybliżając się do lat 20. XX wieku, performance nadal jest wyrażeniem używanym przez artystów do badania złożonych relacji pomiędzy praktyką artystyczną, osobami w nią zaangażowanymi i życiem codziennym, podejmując centralne kwestie w międzynarodowej debacie poprzez działania, które nadal pozostają niekonwencjonalne i anarchiczne. Ciągła uwaga społeczna, z jaką wiąże się performance, wydaje się podtrzymywać przy życiu badania nad relacjami między praktyką artystyczną a życiem codziennym.
Thornton S., 33 artystów w 3 aktach, Feltrinelli, 2015.
W Cabaret Voltaire od 5 lutego 1916 roku zaczęły gościć wiersze i interwencje niektórych z najbardziej wpływowych artystów tamtych czasów, takich jak Kandinsky, Lichtenstein, Arp i Tzara.
Cage J., Notations, New York, 1969.
Kaprow A., Assemblage, Environments & Happenings, New York, 1966.
Jones A., Body Art: Performing the Subject, Minnesota University Press, 1998.
Właśnie w latach 70. niektórzy artyści zaczęli metodycznie poświęcać się sztuce performance, wśród nich: Marina Abramovic, Bruce Nauman, Gina Pane, Gilbert&George, Vito Acconci, Joan Jonas, Chris Burden i Ana Mendieta.
Goldberg R., The First Decade of the New Century 2001 to 2010, w: Performance Art. From Futurism to Present, Thames&Hudson, 2011 edition.
MOMA, Marina Abramovic: The Artist is Present, Exh.Cat. 2010.