Muzyka soul pojawiła się w późnych latach 50. i wczesnych 60. jako jedna z najbardziej charakterystycznych form w historii amerykańskiej muzyki popularnej. Dla czarnych Amerykanów szczególnie, muzyka soul zdefiniowała lata sześćdziesiąte, oferując kulturową ścieżkę dźwiękową do ruchu praw obywatelskich i większego przebudzenia czarnej świadomości i dumy. Przeboje soulowe zdominowały listy przebojów w tej dekadzie, ale zdefiniowanie, czym dokładnie jest soul, nie okazało się łatwym zadaniem, nawet dla największych artystów. WilsonPickett zdefiniował soul jako „nothin’ but a feelin'”. Don Covay powiedział: „Dla piosenkarza soul to całkowita wolność wokalna”. Aretha Franklin wyjaśniła: „Soul dla mnie to uczucie, dużo głębi i możliwość wydobycia na powierzchnię tego, co dzieje się wewnątrz…. To tylko emocje, sposób, w jaki wpływają na innych ludzi.” Elementy gatunku żyją dalej, ale klasyczny okres muzyki soul, od około 1960 do 1975 roku, pozostaje jednym z najważniejszych wkładów do amerykańskiej kultury popularnej ze względu na swój styl, surową, emocjonalną siłę i głębię uczuć. Obok jazzu, jest to jeden z najbardziej oryginalnych wkładów Ameryki do kultury światowej.
Jeśli zdefiniowanie muzyki soul okazało się nieuchwytne, jej początki nie były. Muzyka soul pojawiła się w latach 50. jako skrzyżowanie rhythm and bluesa z muzyką gospel. Muzyka soul łączyła grzesznika sobotniej nocy i pokutnika niedzielnego poranka w jedną osobę lub jedną piosenkę, tak jak istniały one w prawdziwym życiu. Łącząc tematykę R&B z elementami gospel (śpiew call-and-response, bliskie harmonie, tematyka świętowania, straty i tęsknoty), wcześni artyści soulowi często sekularyzowali utwory gospel, zmieniając kluczowe słowa: piosenka gospel „Talkin’ 'Bout Jesus” stała się „Talkin’ 'Bout You”; „This Little Light of Mine” stała się „This Little Girl of Mine”; „I’ve Got a Savior” stało się „I Got a Woman”. To przejście odzwierciedlało zmiany zachodzące w czarnej społeczności po II wojnie światowej, kiedy to coraz więcej czarnych Amerykanów przenosiło się z wiejskiego Południa na miejską Północ. Pierwsi przybysze z Północy stworzyli muzykę R&B w połowie lat 40-tych jako wyraz nowych realiów życia w tych miejskich dzielnicach. Później, gdy więcej czarnych z Południa napłynęło do tych społeczności, przynieśli oni ze sobą elementy południowej muzyki gospel. Obie formy muzyczne współistniały jako odrębne przejawy czarnego życia. Wkrótce jednak skrzyżowały się, produkując to, co stało się muzyką soul.
Uznanym ojcem tego krzyża był Ray Charles. Wszystkie zsekularyzowane pieśni gospel wymienione powyżej były hitami dla Charlesa w połowie lat 50-tych. Urodzony w 1930 roku w Albany, Georgia, Charles przeniósł się do Seattle jako nastolatek i pojawił się w późnych latach 40. jako crooner w stylu Nat „King” Cole’a, grając w lokalnych klubach, takich jak Rocking Chair i Black and Tan. Tam zwrócił na siebie uwagę SwingtimeRecords, jednej z wczesnych firm nagraniowych R&B, która wydała kilka bluesowych i inspirowanych Cole’em utworów, wśród nich „Kissa Me Baby” i „Confession Blues”. Przenosząc się do Atlantic Records w 1952 roku, Charles zaczął rozwijać bardziej ziemisty styl, który nabył pracując z muzykami bluesowymi Guitar Slim i Lowell Fulsom. W Atlantic, zaczął łączyć elementy bluesa ze stylistyką gospel, której nauczył się jako dziecko w Georgii. Ten styl stał się podstawą muzyki soul i zapewnił Charlesowi ciąg hitów w latach 50-tych, w tym „Lonely Avenue”, „I Got a Woman”, „Hallelujah I Love Her So” i być może jego największy hit, „What’d I Say”, który łączył w sobie segment gospel call-and-response między Charlesem a jego śpiewakami rezerwowymi, Raelettes, jęki, które z łatwością mogły pochodzić z sypialni lub ambony, oraz napędzający zespół R&B.
Podążając blisko po piętach Charlesa był Sam Cooke, który doszedł do sławy jako główny wokalista grupy gospel Soul Stirrers przed rozwinięciem bardziej popowego stylu soul, który przyniósł mu takie hity jak „You Send Me”, „Twistin’ the Night Away” i „Bring It on Home to Me”. Jackie Wilson również zaczynał w grupie wokalnej Dominoes, zanim wykuł swój popowo-soulowy styl z takimi utworami jak „Reet Petite”, „Lonely Tear-drops” i „Baby Workout”. Podczas gdy muzyka Charlesa utrzymywała bliski związek z surowymi elementami muzyki R&B, Wilson i Cooke przenieśli małżeństwo R&B i gospel bliżej sfery pop.
Potrzebne były trzy wytwórnie płytowe, aby wprowadzić soul do głównego nurtu. Byli Atlantic Records w Nowym Jorku, Motown Records w Detroit, i Stax/Volt Records w Memphis. Podczas gdy liczne mniejsze wytwórnie wniosły nieoceniony wkład w muzykę soulową, te trzy wytwórnie były odpowiedzialne za jedne z najbardziej wybuchowych utworów soulowych lat 50. i 60. Większość największych talentów w muzyce soul, z kilkoma bardzo znaczącymi wyjątkami, była związana z tymi trzema wytwórniami. I, podczas gdy nie było główne indywidualne talenty na każdej etykiecie roster, każda firma udało się zbudować unikalny dźwięk, który identyfikuje każdego artysty z jego lub jej konkretnego label.
Herb Abramson i Ahmet Ertegun utworzone Atlantic Records w 1947 roku. Ich początkowe wydania były w żyłach jazzu, ale przeniósł się do R&B w 1949 roku i stał się jednym z dominujących niezależnych wytwórni płytowych w tej dziedzinie w 1950 roku ze względu na ich sukcesy z takich artystów R&B jak Ruth Brown, Ray Charles, Joe Turner, LaVern Baker, the Clovers, i innych. Wraz z sukcesem płyt Charlesa w rodzącym się stylu soul, Atlantic jeszcze bardziej zagłębił się w muzykę soulową. We wczesnych i średnich latach 60-tych, Atlantic miał hity soul z The Drifters „Up on the Roof,” „This Magic Moment,” i „Save the Last Dance for Me”; Ben E. King’s „Stand by Me” i „Spanish Harlem”; Percy Sledge’s „When a Man Loves a Woman”; Wilson Pickett’s „Land of 1000 Dances”, „Mustang Sally” i „Funky Broadway”; Don Covay’s „Seesaw”; i Solomon Burke „Just out of Reach”. Atlantic głównych innowacji dźwięku było przynieść soul „uptown” z bardziej polerowane, profesjonalny dźwięk osiągnięty przez dodanie aranżacji smyczkowych i przy użyciu profesjonalnych Brill Building songwriters.
Atlantic największy sukces, jednak przyszedł w 1967 roku z odkryciem piosenkarki Aretha Franklin. Franklin była idealnym ucieleśnieniem muzyki soul, łącząc silne zaplecze w muzyce kościelnej (jej ojciec, wielebny C. L. Franklin, był znanym pastorem New Bethel Baptist Church w Detroit) z głębią uczuć i stylem wymaganym do przeniesienia jej szkolenia gospel do świata muzyki świeckiej. Na początku lat 60. podpisała kontrakt z wytwórnią Columbia Records, gdzie próbowała zostać piosenkarką pop/soul w stylu Sama Cooke’a. Jej płyty w tym stylu nie powiodły się. Jej płyty w tym duchu wypadły słabo, a kiedy jej kontrakt z Columbią wygasł w 1967 roku, producent Jerry Wexler podpisał z nią kontrakt w Atlantic. Tam Wexler zabrał Franklin do Fame Studios Ricka Halla w Muscle Shoals w Alabamie, gdzie odniósł on sukces w przerabianiu brzmienia Wilsona Picketta. Muscle Shoals należące do Halla, z kombinacją czarnych i białych muzyków z Południa, zyskiwało reputację gorącego zagłębia muzyki soul, miejsca, w którym tak ważny w muzyce soul feeling wydawał się łatwiejszy do wydobycia. Tam Franklin przemodelowała swoje brzmienie, wydobywając na światło dzienne swoje gospelowe korzenie. W 1967 roku zadebiutowała w wytwórni Atlantic albumem I Never Loved a Man the Way I Love You, który w tym samym roku dotarł do drugiego miejsca na listach przebojów. Zarówno piosenka tytułowa, jak i cover Otisa Reddinga „Respect” trafiły na pierwsze miejsce listy przebojów R&B w tym samym roku. Album zawierał również utwory „Do Right Woman-Do Right Man”, „Baby, Baby, Baby” i „Save Me”, z których wszystkie stały się klasykami soulu. W ciągu roku Franklin wydała dwie kolejne płyty, na których znalazły się takie przeboje jak „Baby I Love You”, „Chain of Fools” i hit „(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”, który znalazł się w pierwszej dziesiątce zarówno na listach przebojów pop, jak i R&B. Te wydania przyniosły Franklin niekwestionowany tytuł „Królowej soulu” i ugruntowały Atlantic jako dom niektórych z najpotężniejszych muzyki soul kiedykolwiek wyprodukowanej.
Pisarz piosenek, producent i jednorazowy właściciel sklepu z płytami Berry Gordy, Jr. założył Motown Records w 1960 roku w prostym białym bungalowie przy 2648 West Grand Boulevard w Detroit, Michigan. Gordy z powodzeniem pisał i produkował piosenki dla Jackie Wilsona („Lonely Teardrops”) i Barretta Stronga („Money”) w późnych latach 50-tych, które czerpały z innowacji Raya Charlesa w łączeniu stylów R&B i gospel. W 1960 roku Gordy odszedł od niezależnej produkcji (gdzie wynajmował piosenki innym wytwórniom) i założył własną wytwórnię Tamla, która później stała się częścią Motown. W Motown, Gordy stworzył formułę pisania piosenek, produkcji i nagrywania, która do końca lat 60-tych sprzedała więcej singli niż jakakolwiek inna firma. Zrobił to za pomocą czegoś, co przypominało produkcję na linii montażowej, a Gordy określił swoją rolę jako „kontrolę jakości”. Po pierwsze, zebrał zespół znakomitych autorów piosenek i producentów, w tym Smokeya Robinsona i zespół Briana Hollanda, Lamonta Doziera i Eddiego Hollanda, którzy pisali jeden hit za drugim dla Gordy’ego. Następnie stworzył zespół, w skład którego weszli Benny Benjamin na perkusji, Joe Messina na gitarze, James Jamerson na basie, Earl Van Dyke na instrumentach klawiszowych i inni stali bywalcy. Wspólnie, autorzy tekstów, zespoły produkcyjne i house band stworzyli charakterystyczny styl, który był niepowtarzalny. Następnie, czerpiąc z bogatych lokalnych talentów Detroit, Gordy montował lub podpisywał umowy z grupami wokalnymi lub indywidualnymi piosenkarzami, którzy nagrywali piosenki.
Część daru Gordy’ego polegała na przekształcaniu surowego talentu ulicznego w dopracowany produkt muzyczny, co robił używając tego procesu linii montażowej i swojego oka do obiecujących młodych talentów, nazywając Motown „Dźwiękiem Młodej Ameryki”. Do gwiazd Motown należały zespoły Supremes („Baby Love”, „You Can’t Hurry Love”, „Love Child”), Marvin Gaye („I Heard It through the Grapevine”, „Pride and Joy”), Four Tops („Standing in the Shadows of Love”, „Bernadette,”Reach out I’ll Be There”), The Temptations („My Girl”, „Ain’t Too Proud to Beg”), Mary Wells („My Guy”), Martha and the Vandellas, Smokey Robinson and the Miracles („I Second That Emotion”, „The Tracks of My Tears”), The Marvelettes, Jr. Walker and the All-Stars, Stevie Wonder („Uptight”, „Signed, Sealed, Delivered, I’m Yours”, „For Once in My Life”) oraz Gladys Knight and the Pips, wśród wielu innych. Ogólnokrajowy sukces formuły Motown polegał na tym, że jej muzyka znajdowała oddźwięk zarówno w czarnych, jak i białych społecznościach, a wiele z powyższych przebojów zdobywało szczyty list przebojów zarówno w kategorii R&B, jak i Pop przez całe lata 60. Od samego początku, z powodów komercyjnych lub innych, Gordy podążał za integracyjnym podejściem, a jego sukces popchnął muzykę soulową stworzoną w Motown bliżej i bliżej większej sfery popu.
Although Gordy’s formula was responsible for most of Motown’s success, in the later 1960s and early 1970s, a few of his early artists began to break out of the Motown formula, maturing musically to create very personal, signature styles all their own. Dwaj najbardziej prominentni i wyjątkowi to Marvin Gaye i Stevie Wonder. Gaye wyłamał się z formuły Motown w sposób zdecydowany, wydając w 1971 roku aktualny album What’s Going On: zarówno utwór tytułowy, jak i „What’s Happening Brother” poruszały temat wojny w Wietnamie, „Mercy Mercy Me” – środowiska naturalnego, a „Inner City Blues” – kryzysu miejskiego w amerykańskich gettach. Wonder stał się muzyczną siłą sam w sobie dzięki serii ważnych albumów we wczesnych latach 70-tych, na których napisał i zaśpiewał wszystkie piosenki oraz zagrał na większości instrumentów. Zawarte w albumach takich jak Innervisions, Talking Book, Fulfillingness First Finale, Music of My Mind i jego opus double-album Songs in the Key of Life, Wonder zdobył wielkie hity z takimi piosenkami jak „You Are the Sunshine of My Life”, „Isn’t She Lovely”, „I Wish” i „Superstition”. Jego piosenki często miały również aktualny zwrot, z takimi utworami jak „Living for the City” i „Village Ghetto Land” na temat problemów miejskich, a „Too High” na temat uzależnienia od narkotyków. „Higher Ground” był wezwaniem do czarnego samoupełnomocnienia, a „You Haven’t Done Nothin” większą krytyką białej struktury władzy. Klasyczna era Motown zakończyła się po 1971 roku, kiedy Gordy przeniósł firmę do Los Angeles i zrezygnował z bezpośredniej kontroli nad produkcją studyjną. Wraz z tymi zmianami, charakterystyczny dźwięk rozpadł się.
Jeśli Atlantic i Motown zdefiniowały soul na miejskiej Północy, Memphis’s Stax/Volt Records, podczas swojego klasycznego okresu w latach 1960-1968, praktycznie zdefiniował południowy soul, dźwięk jednocześnie zrelaksowany i łatwy, ale wypełniony muzycznym napięciem, które pozostawiło słuchaczy błagających o więcej, które stało się tak łatwo rozpoznawalne jak dźwięk Motown. Jim Stewart i jego siostra Estelle Axton założyli w 1959 roku Satellite Records, zmieniając nazwę na Stax do 1961 roku (Volt Records było późniejszą filią) i zaczęli nagrywać lokalnych czarnych muzyków, zakładając w końcu studio w starym kinie w Memphis przy 926 E. McLemore Avenue. Wśród pierwszych nagrywających artystów byli lokalny DJ Rufus Thomas i jego córka Carla. Carla Thomas zdobyła wczesny przebój w 1960 roku z utworem „Gee Whiz”, który dotarł do pierwszej dziesiątki zarówno na liście przebojów R&B jak i Pop. Następnym hitem Staxu był utwór „Last Night”, instrumentalny numer zespołu Mar-Keys, który zawierał unikalną kombinację organów, gitary i rogów, która stała się znakiem rozpoznawczym Staxu/Volt. Mimo że Stax/Volt nie był tak ściśle zarządzany jak Motown, stosował niektóre z tych samych technik. Instrumentalny zespół Booker T. and the MGs stał się w zasadzie zespołem domowym Stax, a ponadto sam zdobył wiele hitów, takich jak „Green Onions” i „Time Is Tight”. Stax korzystał również z podstawowej grupy autorów piosenek i producentów, wśród których najbardziej znani byli David Porter i Isaac Hayes, którzy napisali wiele z wielkich hitów Staxu, w tym „Hold On! I’m Comin” i „Soul Man” Sama i Dave’a oraz „B-A-B-Y” Carli Thomas. Wiele gwiazd Stax/Volt było również pisarzami, w tym Eddie Floyd, który był współautorem swoich własnych hitów, między innymi „Knock on Wood” i „Raise Your Hand”. Jeszcze bardziej płodny był gitarzysta MG Steve Cropper, który oprócz grania na gitarze na wielu płytach Stax/Volt, był również współautorem wielu piosenek z innymi artystami Stax/Volt, w tym najlepiej sprzedającego się singla Stax/Volt wszechczasów, „(Sittin’ on) The Dock of the Bay” z Otisem Reddingiem. Podobnie jak Aretha Franklin w wytwórni Atlantic, Redding był zdecydowanie największą gwiazdą Stax/Volt i jednym z najbardziej charakterystycznych wokalistów soulowych w historii, z potężnym, surowym, emocjonalnym stylem, który zdawał się wydobywać każdą nutę uczucia z każdej piosenki. Płodny autor tekstów, jak również, Redding miał niektóre z największych hitów Stax/Volt, w tym „Respect,” „Try a Little Tenderness,” „These Arms of Mine,” „Mr. Pitiful,” „The Happy Song (Dum-Dum),” i dosłownie dziesiątki innych przed jego przedwczesnej śmierci w katastrofie lotniczej w grudniu 1967.
Stax/Volt kontynuowane po śmierci Redding, ale rzeczy nigdy nie były całkiem takie same. Pomimo kilku hitów w okresie 1968-1972, Stax podupadł wraz z rozwiązaniem Booker T. i MGs oraz utratę umowy z Atlantic Records, która dawała Atlantic prawa do dystrybucji nagrań Staxu od wczesnych lat 60-tych. Wraz z zerwaniem tej umowy, Atlantic przejął najlepiej sprzedające się katalogi Staxa, Otisa Reddinga i Sama i Dave’a, które były w wielu aspektach sercem imperium Stax/Volt. Problemy te powoli osłabiały charakterystyczny styl Stax, a firma zbankrutowała w 1975 roku.
Podczas gdy artyści Atlantic, Motown i Stax/Volt zrobili wiele, aby zdefiniować muzykę soul w latach 60-tych, najbardziej charakterystyczny i być może najbardziej wpływowy innowator tego gatunku nie pochodził z tych trzech wytwórni, ale w osobie Jamesa Browna z Augusty w stanie Georgia. Urodzony w 1933 roku Brown pojawił się jako wczesny wokalista R&B/soul w połowie lat 50. z takimi przebojami jak „Please, Please, Please” i „Try Me”. Zdobył więcej przebojów na początku lat 60-tych, ale jego rozkwit przypadł na późniejszą część dekady, kiedy to odszedł od bardziej standardowych form soulowych, aby stworzyć własną markę soul/funk, bardziej intensywne i mocne brzmienie, które pojawiło się w takich utworach jak „Cold Sweat”, „Papa’s Got a Brand New Bag”, „Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine” i „I Got You (I Feel Good)”. Brown stworzył również mocne piosenki w okresie rozkwitu czarnej władzy, w tym „Say It Loud-I’m Black and I’m Proud”, „I Don’t Want Nobody to Give Me Nothing (Open Up the Door I’ll Get It Myself)”, „Get Up, Get into It, and Get Involved” i „Soul Power”. Stylistyczne innowacje Browna w muzyce soul wpłynęły na rozwój zarówno muzyki funk w latach siedemdziesiątych, jak i muzyki rap w latach osiemdziesiątych.
Although wielcy artyści soul, tacy jak Al Green, the Staple Singers, Curtis Mayfield, wspomniani Marvin Gaye i Stevie Wonder, i wielu innych kontynuowali nagrywanie muzyki soul, klasyczna era soul zakończyła się w połowie lat siedemdziesiątych, gdy czarna muzyka rozpadła się na takie style, jak disco i funk, które podkreślały rytmy taneczne nad dobrze wykonanym śpiewem i pisaniem piosenek. Wielkie wytwórnie płytowe, które pełniły rolę ważnych nośników muzyki soul, podążyły również w innych kierunkach. Atlantic skierował się bardziej w stronę rocka, Motown wyjechał do Los Angeles, a Stax/Volt rozpadł się w wyniku problemów finansowych. Pod względem stylu, związek z muzyką gospel, który był tak charakterystyczny dla soulu, stał się mniej wpływowy w czarnej muzyce ogólnie, a soul ewoluował w bardziej jednorodny dźwięk znany jako „urban contemporary” music.
-Timothy Berg
Dalsza lektura:
George, Nelson. The Death of Rhythm and Blues. New York, Plume, 1988.
Guralnick, Peter. Sweet Soul Music: Rhythm and Blues and the Southern Dream of Freedom. New York, Harper & Row, 1986.
Haralambos, Michael. Right On: Od bluesa do soulu w czarnej Ameryce. New York, Drake Publishers, 1975.
Hirshey, Gerri. Nowhere to Run: The Story of Soul Music. New York, Times Books, 1984.
Miller, Jim, editor. The Rolling Stone Illustrated History of Rock & Roll. New York, Random House/Rolling Stone Press, 1980.
Shaw, Arnold. The World of Soul: Black America’s Contribution to the Pop Music Scene. New York, Cowles Book Company, 1970.
Szatmary, David P. Rockin’ in Time: A Social History of Rock-and-Roll. Englewood Cliffs, N.J., Prentice Hall, 1991.
Various Artists. Atlantic Rhythm and Blues: 1947-1974. Atlantic Recording Corporation, 1985.
Various Artists. Beg, Scream, and Shout! The Big Ol’ Box of ’60s Soul. Rhino Records, 1997.
Various Artists. The Complete Stax/Volt Singles, 1959-1968. Atlantic Recording Corporation, 1991.
Various Artists. Hitsville U.S.A.: The Motown Singles Collection, 1959-1971. Motown Records, 1992.
.