De historiska avantgardisterna satte eld på det tidiga 1900-talets konsthistoria. RoseLee Goldbergs performancekritik kopplar tydligt samman experimenten inom futurismen, konstruktivismen, dadaismen, Bauhaus och sedan surrealismen med ursprunget till performancekonstens historia under 1900-talet. I den här artikeln återupptar jag en kort historik över performancekonsten.
Performancekonstens födelse
Under loppet av det senaste århundradet får konstnärens kropp och hans handling en central roll i utövandet av livekonst, och finner så småningom sin egen vokabulär i termen performance. Det levande förhållandet mellan konstnären, scenkonsten och publiken, liksom de institutioner som står som värd för handlingen, är inget nytt i konsthistorien, utan kan spåras tillbaka till våra förfäders berättelser kring elden, genom rapsoder och grekisk teater, genom medeltida spel, renässans- och barockteater, opera, till futuristiska evenemang och dadaistiska kabaréer. Under 1900-talet representerar artisten inte längre gudarnas myter, en mask eller en karaktär, utan är konstnären och föreställningen etablerar sin närvaro i samhället.
För Goldberg undandrar sig föreställningen till sin natur en exakt definition utöver den enkla beskrivning som den ges i hans essä: ”levande konst av konstnärer”. För Marina Abramovic skiljer sig föreställningen från den typiskt teatrala framställningen: ”Den enda teater jag gör är min egen, mitt liv är det enda jag kan spela”. Men för konstnären själv innebär detta uttalande inte att föreställningen förkastar teatern som ett utrymme för hennes egna handlingar, tvärtom, RoseLee Goldberg belyser hur den har påverkat förnyelsen av själva teaterspråket. För kritiker med sydafrikanskt ursprung tenderar performance att vara ett visuellt uttryck som inte kräver någon översättning och som fokuserar på kroppen; den använder den senaste tekniken, har en kallelse för flyktiga och universella gester, har en kort eller mycket lång varaktighet och konstruerar mycket komplexa ikonografier, som sträcker sig från samhällskritik till antika ritualer, från självbiografiska element till metartistisk kritik.
Performance Art: from Futurists to Black Mountain College
Goldberg publicerade en av de första studierna om performancekonstens historia 1979, när resten av konstkritikerna hade börjat erkänna performance inte som ett intermittent konstnärligt uttryck utan som ett konkret uttryck för konceptkonstens reflektioner. I sin uppsats spårar han rötterna till performancehistorien under 1900-talet tillbaka till de kretsar där avantgardistiska konstnärer experimenterade med idéerna på sina egna affischer innan de skapade sina visuella uttryck genom måleri eller skulptur, till exempel Cabaret Voltaire i Zürich. Futurismens glöd borde därför vara den första gnistan till 1900-talets performance, som passerade från Europa till USA genom konstnärer som sökte skydd från kriget.
Sedan 1940-talet har John Cage och Merce Cunnigham vid Black Mountain College undersökt begreppen slumpmässighet och obestämdhet, skapat icke-avsiktlig musik och en ny danspraxis, sympatiserat med österländsk zenfilosofi och utarbetat sina reflektioner om performanceens gryning. ”Konsten bör inte särskiljas från livet, utan bör vara en handling inom livet. Som allt som händer i dess förlopp, med sina tillfälliga olyckor, sin komplexitet, sin oordning och sina sällsynta ögonblick av skönhet”, reflekterar Cage, som 1952 presenterade sin berömda 4’33” utan att producera något ljud på pianot och lät publiken lyssna på de ljud som producerades av omgivningen. Med hänvisning till denna händelse säger Cage ”mitt favoritstycke är det som jag alltid lyssnar på runt omkring mig när allt är lugnt”.
Den stora säsongen för performancekonst mellan 50- och 60-talen
Under 1950-talet besöktes John Cages lektioner bland annat av Allan Kaprow, George Brecht, Dick Higgins, George Segal, Jim Dine, Claes Oldernburg och Robert Rauchenberg. 1959 gav Kaprow liv åt 18 Happenings in 6 Parts, som förmodligen skulle ha inspirerat de olika aktioner som genomfördes av den konstnärsgrupp som kritikern George Macunias kallade Fluxus i början av sextiotalet, och inte bara i USA. I Japan genomförde Gutai-gruppen 1954 en rad aktioner där konstnärerna bröt igenom dukarna och målade direkt med kroppen. I Europa föreslog Yves Klein och Piero Manzoni i slutet av 1950-talet och början av 1960-talet också aktioner som syftade till att förhindra att konsten förpassades till gallerier eller museer, medlemmarna av den wienerländska aktionismen genomförde sina blodiga performance-aktioner och andra konstnärer, som Jackson Pollok och Nam June Paik, experimenterade också med kroppens aktion i sina respektive konstnärliga praktiker. Dessutom utfördes aktionerna under dessa år inte bara av manliga konstnärer: förutom Atsuko Tanaka från Gutai-gruppen presenterade Niki de Saint-Phalle 1961 sina skottmålningar, 1963 utförde Carolee Schneeman den berömda Eye Body-aktionen och året därpå Meat Joy, 1965 uppträdde Shigeko Kubota med Vagina Painting i New York, vilket omedelbart etablerade kvinnors närvaro i performancepraxis.
Studentrörelserna 1968 markerade ankomsten till 1970-talet, vilket ledde till det definitiva erkännandet av performance inom konsthistorien.
Under dessa år intog kroppen och konstnärens närvaro, tillsammans med upplevelsen av konsten samtidigt med publiken, en central roll för performance och vissa konstnärer ägnade sig helt åt performance. Dessa artisters handlingar var också mycket olika: de kunde vara korta eller långa, de kunde vara intima eller agera i stor skala, de kunde vara programmerade eller improviserade, de kunde vara självbiografiska eller chockerande, esoteriska eller satiriska, de kunde handla om samhällskritik, tala om marginaliserade grupper, om mångfald eller om konsten i sig själv, förhållandet till dess marknad och förhållandet mellan konstnär och publik.
Performance Art between 20th and 21st century
Performance är därför ett komplext konstnärligt uttryck, som kämpar för att känna igen sig i en bredare definition än den som Goldberg ger. I min forskning betraktar jag 1900-talets performance som en erfarenhet där artisten är den konstnär som etablerar sin närvaro i samhället. För performancekritiker, när museet i början av 2000-talet också blir en plats för underhållning, blir performance en möjlighet till ett direkt möte med konstnären och ett tillfälle till samtal om konstens roll i världen. I slutet av vårt århundrades första decennium visar 2009 års utställning på MoMA 100 Years of Performance Art på ett hundratal monitorer performancekonstens historia sedan Futuristmanifestet 1909, vilket vittnar om performancekonstens roll i det föregående århundradets konsthistoria, och 2010 års retrospektiva föreställning av Marina Abramovic The Artist Is Present på samma museum bekräftar den centrala roll som konstnärens närvaro har i samtidskonsten. En närvaro som alltid är komplex i sitt förhållande till allmänheten, institutionerna och dess marknad.
Med utgångspunkt i 1920-talet fortsätter performance att vara ett uttryck som används av konstnärer för att undersöka de komplexa relationerna mellan konstnärlig praktik, de som är involverade i den och vardagen, och som tar upp centrala frågor i den internationella debatten genom aktioner som fortfarande är okonventionella och anarkistiska. Föreställningens ständiga sociala uppmärksamhet tycks hålla forskningen om förhållandet mellan konstnärlig praktik och vardagsliv vid liv.
Thornton S., 33 artists in 3 acts, Feltrinelli, 2015.
Från och med den 5 februari 1916 började Cabaret Voltaire stå värd för dikter och interventioner av några av tidens mest inflytelserika konstnärer som Kandinsky, Lichtenstein, Arp och Tzara.
Cage J., Notations, New York, 1969.
Kaprow A., Assemblage, Environments & Happenings, New York, 1966.
Jones A., Body Art: Performing the Subject, Minnesota University Press, 1998.
Det var just under 1970-talet som vissa konstnärer började ägna sig metodiskt åt performancekonst, bland dem: Marina Abramovic, Bruce Nauman, Gina Pane, Gilbert&George, Vito Acconci, Joan Jonas, Chris Burden och Ana Mendieta.
Goldberg R., The First Decade of the New Century 2001 to 2010, in Performance Art. From Futurism to Present, Thames&Hudson, 2011 edition.
MOMA, Marina Abramovic: The Artist is Present, Exh.Cat. 2010.