Förra året kom en assistent i den kurs i textförfattande som jag undervisar i vid University of British Columbia till mig med ett problem. Hon rättade uppgifter där våra studenter hade ombetts att komponera en låt i en genre som de själva valt, och hon tyckte att ett av bidragen, från en blivande rappare, var kvinnofientligt. Jag lyssnade på demon, som innehöll många hänvisningar till kvinnor som ”bitches” och ”hoes” och som beskrev hur de utförde sexuella handlingar. Jag bestämde mig för att ordna ett möte med studenten.
Under vårt enskilda möte minns jag att studenten hävdade att hans texter inte skilde sig från dem som skrevs av artister som han för tillfället lyssnade på, artister som hade manliga och kvinnliga lyssnare. Han började räkna upp namn, bland annat en nittonårig artist vid namn YBN Nahmir från Birmingham, Alabama. I en av YBN Nahmirs låtar, ”Bounce Out with That”, sjunger rapparen: ”Fuck a bitch and then I put it in a bitch throat / Never give a bitch yo’ phone, that’s a no-no”. YBN Nahmir har ingen brist på liknande texter och ingen brist på fans heller – nästan fyra miljoner månatliga lyssnare på Spotify och hundratals miljoner visningar på YouTube. ”Bounce Out with That” hade till och med en förstaplats på Billboard Bubbling Under Hot 100 Singles chart.
Studenten hade rätt: hans arbete låg i linje med de artister han lyssnade på, artister som hade framgångsrika karriärer. Ändå visste jag som mentor i en universitetsmiljö vad mitt svar som utbildare måste vara – studenten måste skicka in ett nytt verk på nytt. Men som låtskrivare och inspelningskonstnär själv, för att inte tala om musikälskare, verkade frågan mer komplicerad. Å ena sidan anser jag att artister är fria att utforska och uttrycka sig som de vill. Men har professionella låtskrivare – särskilt män – ett ansvar för att skapa verk som inte bara låter bra utan också är moraliskt bra?
Frågan om sexism i sångtexter är en fråga som upprepade gånger har dykt upp i mina kurser i textförfattande. I ett annat nyligen inträffat scenario som jag kan minnas höll en student en presentation om en låt som har rockat fester, nattklubbar och bröllop sedan 1980, och som jag har njutit av otaliga gånger: AC/DC:s ”You Shook Me All Night Long”. De inledande raderna går så här: ”Hon var en snabb maskin, hon höll sin motor ren / Hon var den bästa jävla kvinna jag någonsin sett”. Studentens slutsats? Ännu ett exempel på en låtskrivare som objektifierar kvinnors kroppar. Jag bestämde mig för att fråga några kvinnliga vänner om de också tyckte att texter som dessa var stötande. En av dem sa att hon egentligen inte stördes av dem; en annan menade att det faktum att de länge har hyllats är ett tecken på hur manscentrerad musikindustrin alltid har varit. ”Jag är dock inte för censur”, tillade hon.
Som min vän anser jag att censur är en svår, om inte farlig, väg att gå – det som kränker en lyssnare kanske inte kränker en annan. Att få fullständig konsensus om huruvida en sångtext är sexistisk är svårt, men även om konsensus skulle uppnås, vad skulle vi då göra härnäst?
I samlingen Under min tumme: Songs That Hate Women and the Women Who Love Them diskuterar författaren Fiona Sturgess sin motstridiga tillgivenhet för AC/DC. ”Deras låtar befolkas av strippor, prostituerade och unga män med till synes oförstörbara erektioner. De är verkligen förfärliga”, skriver hon innan hon tillägger: ”Man, jag älskar AC/DC”. Hennes kärlek, säger hon, handlar delvis om nostalgi – hon har lyssnat på bandet sedan hon var tolv år gammal – men, tillägger hon, det har mer att göra med det sätt på vilket deras musik får henne att tända till: ”Det är det faktum att deras låtar är fyllda av precision och kraft och är lika catchiga som den finaste popmusiken.”
Sturgess har uppenbarligen blandade känslor när det gäller att vara ett knytnävshoppande AC/DC-fan, men hon kan inte, eller kanske inte vill, överge sin tillgivenhet för en grupp som hon beskriver som ”hopplöst osofistikerad”. Hon går till och med så långt att hon letar efter det positiva i bandets låtskrivande och föreslår vid ett tillfälle att kvinnorna i dessa låtar kan ha mer makt än vad vissa tror. Som i ”You Shook Me All Night Long”, där kvinnan ”tar mer än sin del” och får den manliga karaktären att ”kämpa för luft”. Hon hänvisar också till bandmedlemmarnas personliga liv som inte är särskilt rockstjärniga – ledarsångaren Brian Johnsons intresse för West End-musikaler, gitarristen Angus Youngs avtändande beteende – vilket i hennes ögon gör dessa lustfyllda berättelser till rena fantasier och därför ofarliga.
Förra sommaren, under en bilresa till en musikfestival djupt inne i British Columbia, var min vän med och spelade DJ. Ett av hans val var den australiensiska singer-songwritern Alex Camerons album Forced Witness, och till en början älskade jag alla de catchiga melodierna och 80-talets produktionsstil. Men jag slogs också av hur ofta jag hörde ordet ”pussy”. Medan vi körde undrade jag: ”Vad är det egentligen jag lyssnar på här?” Senare dök ”faggot” upp ur högtalarna och fick mig att ifrågasätta om artisten var både kvinnofientlig och homofobisk.
En andra lyssning avslöjade dock något annat. Min vän nämnde hur sångarens leveransstil och djupa, baritonsång visade att Cameron kanske spelar en karaktär och använder sig av en nästan tecknad version av bravado. Ytterligare forskning visade att dessa instinkter var riktiga: Cameron, som en gång tog på sig en skrynklig gubbmask för ett skivomslag, spelade verkligen en karaktär. Som en journalist på Pitchfork uttryckte det: ”Det finns tio låtar på Forced Witness, och var och en av dem sjungs av en komplett skitstövel”. I ”Marlon Brando” försöker en sådan skitstövel uppvakta en kvinna med sin swagger:
Girl, I guess I just want you to be with me.
I want you to say that my hair looks nice
And my face has a Beckham-like quality.
Och jag vet att jag har misslyckats och jag vet att det inte är rätt
att kalla män för bögar och att starta slagsmål
Men jag kan inte sluta, jag är en damm som svämmar över, jag är en flod som rinner ut i det okontrollerade.
Cameron är inte den förste låtskrivaren som använder sig av ett macho alter ego i namn av en samhällskommentar. Eminem talade som Slim Shady för att spotta ut homofobiska och misogyna skällsord, men försöket till parodi välkomnades inte av alla. (Eminems egen mamma såg det verkligen inte så när hon stämde sin son för förtal på grund av hur han hade porträtterat henne i intervjuer). Man skulle kunna hävda att ha ett alter ego helt enkelt är ett bekvämt sätt att säga vilka hatiska saker som helst utan att stanna upp och fundera på om det svider hos dem som berörs av smädelsen. I sin Exclaim!-recension av Forced Witness skriver Tim Forster: ”Även om ursäkten är att han är ’in character’, skulle Cameron förmodligen kunna hoppa över att åberopa ett visst anti-homosexuellt f-ord (det ser inte riktigt bra ut på heterosexuella artister, även om det är i syfte att kritisera dem).”
En låtskrivare kan kanske känna sig säker bakom en karaktärs sköld, men faktum är att ord har makt. Den Toronto-baserade låtskrivaren Hannah Georgas vet verkligen detta. Hon berättade för mig om det ögonblick då hon äntligen lyssnade på texten till en av sina favoritlåtar – Notorious B.I.G:s ”Hypnotize” – när hon var ute och sprang. ”Jag stannade bokstavligen i mina spår”, sa hon. Texten i fråga: ”Your daughter’s tied up in a Brooklyn basement / Face it, not guilty, that’s how I stay filthy / Richer than Richie.”
Det som oroar Georgas är den effekt som kvinnohat i låttexter kan ha på yngre lyssnare. Hon nämner den kanadensiska artisten The Weeknd som ett exempel på en sångare som är överallt på radion och vars texter kan ge ett negativt exempel. Hon hänvisar till låten ”The Hills”, som lyder: ”I’mma let you know and keep it simple / Tryna keep it up don’t seem so simple / I just fucked two bitches ’fore I saw you / And you gon’ have to do it at my tempo”. ”Jag vet att massor av människor älskar hans musik”, säger Georgas. ”Jag tycker bara att det sänder ett dåligt budskap.”
Oro över unga öron är inte nytt. År 1985 grundade Tipper Gore och en grupp kvinnor kända som ”Washington Wives” Parents Music Resource Center (PMRC) för att ta itu med oron över barns exponering för teman som droger, våld och sex i musiken. Artister, däribland Frank Zappa, Dee Snider från Twisted Sister och till och med folksångaren John Denver, gick till motangrepp under utfrågningar i senatens kommitté och hävdade att censur bara underblåste nyfikenhet och skulle få den motsatta effekt som PMRC önskade. Dessutom påpekade de att texterna lätt kunde misstolkas och därför demoniseras orättvist. I slutändan beslutade Recording Industry Association of America att sätta varningsetiketter med explicit innehåll på album efter bolagens eget gottfinnande.
Ett av de första banden som fick en av dessa svartvita stämplar var 2 Live Crew från Florida. Deras album från 1989, As Nasty as They Wanna Be – med den topplistade ”Me So Horny” – ansågs till och med vara obscent av en amerikansk domstol 1990. Den amerikanske historikern och kritikern Henry Louis Gates Jr. försvarade dock 2 Live Crews texter som att de upprätthåller vissa litterära traditioner inom den svarta kulturen, inklusive en tradition som kallas ”playing the dozens”, där två personer utbyter förolämpningar med hjälp av överdrifter och överdrifter. Han beskrev 2 Live Crews musik som ”karnevalisk” och kallade gruppens arbete för parodi.
Shad, en kanadensisk hiphopartist och värd för serien Hip Hop Evolution på Netflix, tog också upp ämnet humor i texter. Det finns en tradition av raunchiness i hiphop som måste beaktas, berättade han. ”Ofta har du människor utanför kulturen som tittar på texterna utifrån sin kulturella lins och som inte nödvändigtvis förstår hur det hörs av kvinnor i den kulturen”, säger han. Shad menar att lyssnarna också måste ta hänsyn till varifrån texterna kommer – i fallet med 2 Live Crew, Florida. Det faktum att artisterna befinner sig i södern, säger han, och det faktum att de är nära Karibien påverkar troligen det lyriska innehållet på ett sätt som skiljer sig från det som skulle kunna påverka en rappare i New York. Detta kan också förklara omslagsbilden till As Nasty as They Wanna Be, som föreställde fyra kvinnor på en strand i stringbikinis som spänner över bandet.
Men alla kvinnor gav inte 2 Live Crew ett godkännande. I sin essä ”Beyond Racism and Misogyny” från 1997 erkände advokaten och medborgarrättsaktivisten Kimberlé Crenshaw att man använde sig av svarta kulturella traditioner som verbalt skryt, men ansåg ändå att texterna var kvinnofientliga. Hon bad läsaren att fundera över orättvisan i att tvinga kvinnor att ständigt uthärda kvinnohat i texterna, även om avsikten är humor, överdrift eller ett försök till social kommentar. ”Även om det kan vara sant att det svarta samhället är mer bekant med de kulturella former som har utvecklats till rap”, skrev hon, ”bör den bekantskapen inte göra slut på diskussionen om huruvida misogynin inom rap är acceptabel.”
Sex har legat i säng med sångtexter i årtionden, om inte århundraden. När allt kommer omkring fungerar musiken som ett kärl för mänskligt uttryck, och sex är en inneboende del av detta. På 1920-talet gav bluesmusik fylld av anspelningar – känd som ”dirty blues” – världen låtar som ”Shave ’Em Dry” av Lucille Bogan och ”Big Ten Inch” av Bull Moose Jackson, som senare övertogs av Aerosmith. Men det är svårt att avgöra om lyssnarna dras till musiken på grund av det sexuella innehållet eller på grund av andra element – folk kan också dras till musiken på grund av beatet, produktionen eller det övergripande ljudet. ”Big Ten Inch”, till exempel, visar upp Jacksons brinnande saxofonkunskaper, och jag misstänker att en stor del av dragningskraften hos ”You Shook Me All Night Long” är de gitarrriffs som håller ihop det hela.
Oavsett detta kommer sånger om sex inte att försvinna någonstans. En av de mest anmärkningsvärda förändringarna under de senaste åren är att laddade texter inte längre är en domän för män. Riot grrrl-rörelsen på 1990-talet, med band som Bikini Kill och Sleater-Kinney, föddes i delstaten Washington vid en tidpunkt då kvinnor kände att de behövde få sina röster hörda i havet av manscentrerade musikgrupper. Nyligen talade den stigande popstjärnan Héloïse Letissier från bandet Christine and the Queens med The Guardian om sin låt ”Damn (What Must a Woman Do)” och beskrev den som ”en sång som handlar om ren kåthet”. Hon tillägger att på hennes album ”handlar så många låtar om att vara lika kåt som en man”. I låten ”Damn” går refrängen så här:
Damn, what must a woman do?
Para follarse, para follarse
Do I have to pay?
’Cause I sure can pay, can pay
Do I have to wait?
I don’t wanna wait, no way.
Para follarse kan översättas från spanska till engelska med: ”att knulla”. Samtidigt antyder Letissiers typ av sexualitet också en flytande könstillhörighet. I låten ”iT” från 2014 års Chaleur Humaine sjunger hon i refrängen ”I’ve got it, I’m a man now”. Senare sjunger gruppsången: ”She’s a man now / And there’s nothing we can do to make her change her mind / She’s a man now”, medan resten av världen hyllar hennes val. Ja, det finns sexuellt innehåll här, men inget av det verkar vara på någons bekostnad.
Men jag vet fortfarande inte vad jag ska göra med AC/DC och ”You Shook Me All Night Long”. En del av mig tycker fortfarande om dessa beroendeframkallande, knackiga gitarrriff – för att inte tala om det faktum att jag hör många andra låtar nuförtiden som får AC/DC:s jämförelse av den kvinnliga formen med en hot rod att verka lite oskyldig. Kanske kan man lära sig något genom att läsa Fiona Sturgess uppsats om bandet på nytt. I den beskriver hon hur hon ser sin tioåriga dotters kärlek till AC/DC blomma upp, och hon vet att hon var ansvarig för att detta skedde. Sedan, vid ett tillfälle, beskriver hon hur hon ser en av dotterns vänner gå fram framför en spegel och fråga om hon är för tjock. Men i stället för att dra ur kontakten med AC/DC valde Sturgess att tala med sin dotter och erbjuda henne en alternativ berättelse, en berättelse som handlar om självkänsla och om att se förbi de kvinnliga stereotyper som presenteras i media. Sturgess avslutade sin uppsats med en känsla av optimism, en förhoppning om att hennes dotter skulle kunna fortsätta att njuta av AC/DC, men göra det med kritiska öron. Jag gillar verkligen hur det låter.
Gillar du vad du läser?
Faktbaserad journalistik är vår passion och din rättighet.
Vi ber läsare som dig att stödja The Walrus så att vi kan fortsätta att leda det kanadensiska samtalet.
Med COVID-19 spelar nu mer än någonsin The Walrus journalistik, faktagranskning och evenemang på nätet en viktig roll för att informera och sammanföra människor. Från folkhälsa till utbildning och ekonomi – den här pandemin är en möjlighet att förändra saker och ting till det bättre.
Vi presenterar kanadensiska röster och kanadensisk expertis i berättelser som når utanför våra kuster, och vi är övertygade om att denna rapportering kan förändra världen runt omkring oss. The Walrus täcker allt detta med originalitet, djup och eftertänksamhet, och för in olika perspektiv på viktiga konversationer samtidigt som vi sätter den högsta ribban för faktagranskning och stringens.
Inget av detta skulle vara möjligt utan dig.
Som ideell förening arbetar vi hårt för att hålla våra kostnader nere och vårt team smalt, men detta är en modell som kräver individuellt stöd för att kunna betala våra bidragsgivare på ett rättvist sätt och bibehålla styrkan i vår oberoende bevakning.
Skänningar på 20 dollar eller mer kommer att få ett kvitto från skattemyndigheten för välgörenhet.
Varje bidrag gör skillnad.
Support The Walrus idag. Tack.