Vad gör ett bra fotografi?

Lästid: 6 minuter

Uppfinningen av daguerreotypen på 1830-talet gav upphov till hundratals handböcker som beskrev vad som var en bra eller dålig bild. Dessa broschyrer, som spred en rigid fotografisk ortodoxi, dominerade förhållningssättet till mediet under slutet av 1800-talet och början av 1800-talet. Utövarna uppmuntrades att sträva efter teknisk perfektion och undvika vanliga fel som oskärpa och solarisering. De bilder som blev resultatet skildrade en idealiserad version av livet – felfria porträtt och perfekt komponerade landskap – vilket i sin tur påverkade tittarnas uppfattning om världen.

På 1920-talet började dock detta förändras. Modernismens intåg och erkännandet av fotografiet som en egen konstform påskyndade ett mycket mer experimentellt tillvägagångssätt. Fotografen, konsthandlaren och förläggaren Alfred Stieglitz var en viktig kraft i denna övergång. Han publicerade en berömd manifestliknande artikel med titeln ”Twelve Random Don’ts”, som syftade till att göra sig lustig över de fotografiska restriktioner som införts under det föregående århundradet. Stieglitz’ kommentar sammanfattar det subversiva tillvägagångssätt som många modernistiska fotografer, till exempel Man Ray och László Moholy-Nagy, använde sig aktivt av tekniska fel i sin kreativa verksamhet. Långsamt började det som hade betraktats som ”dåligt” fotografi att forma mediet. Trots utvecklingen av det digitala fotografiet – och dess skenbara förmåga att eliminera tekniska misstag – har samtida konstnärer fortsatt att experimentera med felens kreativa potential.

Smakens relativitet, och vad som utgör ett bra eller dåligt fotografi, utgör kärnan i SFMOMA:s utställning Don’t! Photography and the Art of Mistakes. Utställningen, som curerats av Clément Chéroux med hjälp av Matthew Kluk och Sally Martin Katz, illustrerar hur misstag kan bli framgångar med tiden; ingenting är slutgiltigt och konstens utveckling är oförutsägbar. Utställningen är uppbyggd kring en serie tekniska fel. Misstag som solarisering och dubbelexponering förklaras och placeras i förhållande till ikoniska konstverk som de kom att definiera, vilket illustrerar hur förgängligt ”bra” och ”dåligt” fotografi är.

BJP-Online har talat med curatorn Clément Chéroux om vikten av att göra misstag och om det komplicerade arbetet med att sammanställa utställningen.

–

BJP-Online: I den digitala fotografins era skulle man kunna hävda att det fotografiska mediet på sätt och vis har gått i en sluten cirkel – den digitala fotografin gör det möjligt för oss att skapa bilder som är fria från fel. Vad är betydelsen av att se på misstag och tänka på hur misstag kan ge näring åt människors kreativa praktik i dag?

Clément Chéroux: Det finns ett vackert citat av Diane Arbus i utställningen som lyder: ”Det är viktigt att ta dåliga bilder”. Det är viktigt eftersom om man inte gör några dåliga fotografier kommer man inte heller att göra några bra fotografier. Detta är något som är avgörande för fotografins historia. Majoriteten av 1900-talets viktigaste fotografer erkände någon gång under sin karriär att de gjorde misstag. Men de förstod vikten av att göra det.

Utställningen är organiserad kring idén att ett misstag är en ingång till något nytt. Misstaget avslöjar något som man kanske inte har tänkt på tidigare: ett nytt sätt att göra fotografier.

Jag är också mycket intresserad av betydelsen av det vi kallar serendipity, som har varit mycket viktigt inom vetenskapen och även inom matlagning. Jag tror att några av de bästa fotograferna i fotografins historia var de som skulle göra ett misstag men som erkände detta misstag som något intressant, och kanske mer intressant än det de sökte efter. Jag tror verkligen att detta är något som är så viktigt för fotografins historia.

”Det är viktigt att ta dåliga bilder”

Diane Arbus

BJP-Online: Vad berättar utställningen om den roll som smaken spelar när det gäller att definiera fotografins och konstens utveckling i allmänhet? Vad som utgör ett bra fotografi tekniskt sett står ofta i kontrast till vad som utgör ett bra fotografi stilistiskt sett. Varför tror du att det är så?

Chéroux: Det är en mycket viktig del av utställningen. Man Ray sade: ”Dagens knep är morgondagens sanningar.” Det var verkligen viktigt att visa att smaken utvecklas. Det som skulle vara ett misstag för en generation kan bli en framgång, eller ett intressant estetiskt förslag, för nästa generation. Ett misstag i dag kan bli intressant i framtiden.

Vi vet aldrig med fotografi. Smaken förändras och utvecklas ständigt. Till exempel kan något som kan betraktas som ett misstag i amatörsammanhang betraktas som ett utmärkt fotografi på museet, och vice versa. Det finns alltså förskjutningar som beror på i vilket sammanhang man tittar på fotografiet, men också på tiden.

Och det var en central idé med utställningen: att visa dessa olika förhållningssätt till fotografi – det normativa perspektivet som framförs av manualer, och det mycket friare perspektivet hos många konstnärer.

BJP-Online: I slutet av den inledande utställningstexten skriver du att: ”Dagens misstag kan vara morgondagens framgång”. Hur förutspår du att den fotografiska smaken kommer att utvecklas?

Chéroux: Jag blir alltid ganska generad när folk frågar mig om fotografins framtid eftersom jag inte är någon spåman. Men jag vet att tidigare misslyckanden har varit mycket viktiga för framtida fotografer. Så vi bör i dag vara försiktiga med vad vi anser vara ett misstag eller en olycka, för vi vet aldrig och kanske kommer det i framtiden att bli något viktigt.

Konstnärer är redan intresserade av den nya typen av misstag och misslyckanden som har uppstått med den digitala tekniken. I slutet av utställningen har vi till exempel ett verk av Sarah Cwynar. Hon skapade den här serien där hon skannade in handböcker som förklarar hur man åstadkommer ett bra fotografi. Under skanningsprocessen flyttade hon boken i skannern, så det uppstår en slags förvrängning av bilden. Detta är en reflektion över det digitala kontra det analoga felet, vilket också är visuellt intressant.

”Dagens trick är morgondagens sanningar”

Man Ray

BJP-Online: Det är verkligen intressant hur varje enskild panel beskriver ett misstag och sedan positionerar det i förhållande till den konstnär som har använt det misstaget kreativt. Varför bestämde du dig för att strukturera utställningen på detta sätt?

Chéroux: Min ursprungliga idé för utställningen var att strukturera den i termer av misstaget i ämnet, misstaget i tekniken och misstaget i fotografen – att närma sig frågan om misstag genom deras olika orsaker. Men jag bestämde mig för att detta var för komplicerat. Så jag bestämde mig för tekniska misstag: solning, dubbelexponering, ljusläckor osv.

För varje misstag har vi en panel som är uppdelad i två delar. Den första delen förklarar vad felet är och den andra delen förklarar hur och varför konstnären var intresserad av det. Så det finns ett sådant här slags dubbelt tillvägagångssätt, som är tekniskt men också konsthistoriskt orienterat.

BJP-Online: Vad vill du att tittarna ska ta med sig från utställningen? Hur vill du att den ska påverka hur de uppfattar fotografi?

Chéroux: Huvudtanken med utställningen är att förklara att ett museums roll inte är att definiera vad som är ett ”bra” fotografi och vad som är ett ”dåligt” fotografi. Som jag sa tidigare kan ett fotografi vara bra på en viss plats och vid en viss tidpunkt, och tio eller tjugo år senare, på en annan plats, kan samma fotografi vara något helt annat.

Det viktigaste för mig är smakens relativitet – det faktum att smaken ständigt utvecklas och att vi måste ta hänsyn till det.

Var inte! Photography and the Art of Mistakes visas på SFMOMA i San Francisco fram till den 1 december 2019.

.